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岡田暁生「西洋音楽史『クラシック』の黄昏」～２．ロマン派音楽

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　今日も引き続き、岡田暁生「西洋音楽史『クラシック』の黄昏」。
昨日は、中世音楽からウィーン古典派音楽までを要約しました。
今日は、ロマン派音楽についてまとめます。
（字数制限でたった一時代しか入らなかった…涙）

岡田暁生「西洋音楽史『クラシック』の黄昏」（中公新書）

１．中世音楽～ウィーン古典派音楽の要約はこちら
→http://blogs.yahoo.co.jp/mepochzo/55831277.html
３．後期ロマン派～現代音楽の要約はこちら
→http://blogs.yahoo.co.jp/mepochzo/55919854.html
→http://blogs.yahoo.co.jp/mepochzo/55831277.html

５．ロマン派音楽

（↑５という数字は、１．中世音楽、２．ルネサンス音楽、３．バロック音楽、４．ウィーン古典派音楽に続く番号です）

①１９世紀の音楽の特徴

　１９世紀は、１８世紀以来の音楽の市民化の流れが、
さらに加速され完成に至った時代である。
人々が競って「音楽」というブランドを求めはじめた時代、
広汎な聴衆が出現してきた時代、それが１９世紀である。
この新しい社会に自分を売り込むために、最も必要だったのものは何か？
従来の作曲家に求められたのは、さまざまな「型」を完璧にマスターしていて、
どれも手際よく仕立てられる職人であって、独創的な芸術家などではなかった。
だが自由市場で何より威力を発揮するのは、強烈なキャラクターである。
「職人的うまさ」から「芸術家の独創性」へ――
これが１９世紀音楽史の大きな流れの一つであり、その背後にあったのが、
音楽における自由市場の形成である。

１９世紀に入ると貴族と教会は、音楽のパトロンという特権的地位を市民に譲り渡し、
音楽史の舞台からはほぼ完全に退場する。
代わって公開演奏会が定着し、
お金を出せば誰もが音楽を聴けるようになり、楽譜出版は隆盛を極めた。
また、大作曲家と名作と音楽批評と伝記が生まれた時代であった。
さらに、封建的な徒弟制度ではなく、ある程度の才能がある生徒なら
誰もが音楽の体系的な高等教育を享受できる音楽学校も設立された。
これもまた１９世紀における「音楽の公共化」の産物であった。

このような音楽の民主化が、聴衆の質の少なからぬ低下をもたらしたのもまた、
否定できない事実である。
大衆化した聴衆に対して作曲家が武器としたのは、
何より大音量と高度な演奏技術である。
それに伴い、オーケストラは果てしなく膨張していく。
また、素人には真似できないような高度な演奏技術が続々と開発される。

②華麗なパリ音楽vs重厚で哲学的なドイツ音楽

　音楽史の１９世紀は、一枚岩ならぬ「二枚の岩」からできていた。
パリに象徴されるグランド･オペラ／ヴィルトゥオーソ・サロン音楽は、
「社交としての音楽」、「あくなき豪奢の追求」という宮廷文化の名残を引きずりつつ、
それを俗物化したような性格をもっていた。
それに対して堅実な教養市民階級に支えられるドイツ語圏の音楽文化にあっては、
虚飾を断固拒否し、宗教や哲学に比肩するような「深さ」や「内面性」を
音楽に求める傾向が生まれた。
現代の娯楽音楽VS芸術音楽の対立のルーツはこのあたりにある。

１９世紀の音楽家たちにとって、
「キャリアの成功」とは「パリでの成功」を意味していた。
パリの音楽生活頂点に位置したのが、グランド･オペラというジャンルだ。
グランド・オペラとは五幕からなる波乱万丈の悲劇的メロドラマである。
筋は分かりやすくて効果満点、オーケストラは重厚、歌手の見せ場もたっぷり、
壮大な合唱場面とバレエが売り物であった。
パリでグランド･オペラが最も栄えたのは、
ショパンやリストがこの街で活躍していたのと同じ、１８３０年／４０年である。
１９世紀のパリのオペラ座は、現代に至る「高級娯楽産業として音楽」の
発祥の地だった。
グランド・オペラと並ぶ１９世紀パリの音楽生活の象徴が、サロン音楽だ。
１８３０年代、第二のリストやショパンを目指すスター志望のピアニストが、
パリの上流階級のサロンへ押し掛けた。ここで有力なパトロンを見つければ、
作品の出版や大会場での演奏会といった大きい成功への道が拓けた。
ショパンとリストを頂点とするサロン音楽の伝統は、
その後、主として二つの方向へ分かれていった。
「飽くなき超絶技巧の追及」という面はロシア学派（ラフマニノフら）へ、
サロン音楽の「ダンディズムの美学」の部分は、
フォーレやドビュッシーやラヴェルといった近代フランス学派へ。

一方、ドイツ・ロマン派の詩人たちの間では、
純粋器楽曲崇拝とでもいうべきものが生まれ始める。
「いうにいわれぬもの」を、言葉を超えたポエジーを表現するのが彼等の願いだった。
実証科学万能の１９世紀は、もはや誰も宗教など信じなくなった時代だったが、
ドイツ・ロマン派においては器楽曲こそが――
ニーチェのいう「死んでしまった神」に代わる――
絶対者が顕現する場所になったのである。
これがいわゆる「絶対音楽」の理念であり、
いまや交響曲や弦楽四重奏曲やピアノ･ソナタといった器楽曲は、
宗教的敬虔をもって崇められることになる。

１９世紀ドイツの器楽文化は、大きく分けて三つの方向へ展開する。
一つはシューマンの初期ピアノ曲（《パピヨン》《謝肉祭》《子供の情景》など、
メンデルスゾーンの《無言歌》に代表される、誌的なピアノ小品集だ。

二つ目の方向性は、無言歌的な漠然とした情緒ではなく、
もっと理念的なものを表現しようとするタイプの標題音楽である。
ベルリオーズ《幻想交響曲》、《イタリアのハロルド》、
《ロメオとジュリエット》、あるいはリストの《ファウスト交響曲》である。彼らは、シューマンやメンデルスゾーンの作品が醸す漠たる詩情ではなく、
もっと英雄的で理念的で哲学的なものを音楽で表現しようとした。
特にリストは《ファウスト交響曲》や《タッソー》、《ハムレット》など、
文学史の名作に霊感を受けた一種の交響曲を数多く残している。
これが交響詩と呼ばれるジャンルである。
リストの標題音楽の方向をさらに推し進めたのが、ワーグナーである。
彼は自分の舞台作品がベートヴェンの交響曲の精神から発展したものだと考えていた。
ベートーヴェンの第九で「理念」が与えられ、
さらに舞台が加わることで生まれたのが自分の「総合芸術」だと、信じていた。

第三の方向は、フォルマリズムである。
ウィーンの音楽批評家エドゥアルト・ハンスリックは、
「音楽は音だけでできた絶対的な小宇宙であるべきであり、
文学的なものはそこから徹底的に排除されなければならない」と主張する。
音楽の意味を問うこと自体が無意味であって、
音楽の内容とは音楽（音楽の構造）である。
言語に可能な表現領域を徹底的に切り離してこそ音楽は「絶対的」になる。
この方向の代表的な作曲家としてブラームス（１８３３―９７年）が挙げられる。（Wikipedia　ヨハネス・ブラームス）
彼は標題のついた作品をほとんど残さず、
リストやベルリオーズやワーグナーとは対照的に、
決して音楽でもって音楽以外のものを表現しようとはしなかった。
「音楽は音楽であり、それ以上でもそれ以下でもあってはならない」という、つつましい職人気質があった。

「真面目な」演奏会文化が栄えたドイツ語圏、その中心ジャンルは交響曲であり、
その主たる聴衆は謹厳実直な中産市民。
グランド･オペラやサロン音楽が最も繁栄したのはパリで、
そこでは音楽はステータスシンボルの一種であり、
社交界のスノブたちが主な聞き手。
このような表面的な対立にもかかわらず、
この二つの音楽文化の間には一つの共通項がある。
それは、「市民を感動させる」ということである。
市民たちは、煩わしい世事と労働の垢にまみれた日常からの解放を求め、
何か心を洗い流してくれる清らかなものを、夢と感動とファンタジー、
魂をゆさぶる何かを音楽の中に見出した。
「労働する市民のための、夢と感動を与えてくる音楽」――
これが、１９世紀になって初めて生まれた、音楽の新しいありようである。

③ロマン派音楽の構造～旋律と作曲技法

　ロマン派音楽の構造は、旋律においては、
「胸の奥から絞り出す吐息」とでも形容すべき身振りが、その特徴となる。
ロマン派においては、旋律の建築的な文節構造は解体される。
和声についていえば、バロックから古典派にかけてのそれは、
旋律を支え音楽を前に運ぶという、ごく実際的な役割を担わされた機能的な存在だった。
ロマン派にあっては、和声それ自体が音楽表現の焦点となる。
悩ましく官能的で憧れに満ちた気分のすべてが、響きに託されるようになる。

作曲技法においては、古典派までの作曲家が用いた和声は、
「ドミソ」とか「シレソ」といった無色透明で定型的な「型」だった。
それに対してロマン派の作曲家たちは、
半音階および楽器のパレットを駆使することで、
和声に思い思いのうねりと色調を与える。彼等は「未知の響き」を模索した。
こうしたロマン派特有の旋律／和声法を最も効果的に演出する術を知り抜いていたのが、
ワーグナーである（１８１３―８３年）。
俗悪なハッタリから音楽の形而上学に至る１９世紀音楽史の、
ありとあらゆる要素を、彼は総合し、擬似宗教的なエクスタシーへと高める。
ワーグナーに至って音楽はついに、宗教なき時代の宗教となったのである。

☆☆☆☆☆☆☆☆☆☆☆☆☆☆☆☆☆☆☆☆☆☆☆☆☆☆☆☆☆☆☆☆☆

クラシック音楽は、１９世紀になって完全に市民の手にわたる。
華麗なパリ音楽。重厚で哲学的なドイツ音楽。
現代の娯楽音楽VS芸術音楽の対立のルーツがここにあったとは驚きだ。
職人的な気質より個性とアピールの時代。
ロマン派音楽の時代は、近代の特徴をあらわした音楽が花開いた時代であった。

コメント（8）

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堅実な中公新書らしい内容ですが、それを要約するのもやはりmepoさんらしいやり方だなぁと、妙なところで納得しました。19世紀は音楽に限らずあらゆる分野で批評が栄えた時代で、この頃の文学批評や政治評論などは秀逸なものが多いですよね。文化は、それを支える良質な観客があってこそ伸びていくものなんでしょう。

2008/7/18(金) 午後 11:19

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勉強になりました、一冊まるまる読んだかんじになりました。メポさんは要約が上手ですね、私のよみたい本全てお任せしたいぐらいです(笑)
読んでいるうちに映画「ルードヴィッヒ神々の黄昏」の場面が浮かびました。

2008/7/18(金) 午後 11:39

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大三元さん、中公新書は堅実な感じですか？新書系はあまり読まないのでわかりませんが、少なくともこの本は、日本語もクリアで、内容もクラシック音楽史の流れを俯瞰できるものでした。もちろん、これだけがクラシック音楽史の見方ではないですが、ひとつの基準として参考になりました。
１９世紀は音楽だけではなく文学や政治批評も栄えた時代だったのですね。知りませんでした（←無知すぎ）。この時期、批評家によって「名作（名曲）の選定」がなされたようです。ベートーヴェンの時代などは、今のポップスみたいに常に新曲を披露していたけれど、過去の名作を選定して演奏するという形が１９世紀になって生まれ、この時代の作曲家は過去の名作と競う形で作曲したということです。過去の名作の選定、つまりは古典の選定したい気持ちってどこから生まれるのかな？と思いました。やはり型を作りたいって感じのかなあ。

2008/7/20(日) 午前 2:01

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ＣＡＶＥさん、本当はここまで要約して、読んでいない人の興味をそぐのはいけないなあと思います。今回は、少しお勉強の意味合いが強かったので、ノート代わりにまとめてしまいました、ごめんなさい（汗）。
偶然ですが、最近鴎外の「うたかたの記」を読み、もねさんにルードヴィヒ２世の記事をＴＢしてもらいました。それで、この映画は観なくては！と思い、レンタルやさんに行ったら、なかったんですよ…（涙）。「文体練習～」の時といい、偶然が続きますね！

2008/7/20(日) 午前 2:07

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CAVEさんじゃないですが私の読みたい本もお願いします（笑）。
いやぁ、しかし、自分のやってきたもんがこうやって理路整然とまとまると、ある意味気持ちいいなあ＾＾；。そうだったのか～～～（←ダメダメなコメントですみません＾＾；；；）。

2008/7/21(月) 午前 10:24

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カティさん、私も読みたい本を要約してもらいたいです（みんな人任せ？笑）。最近、どんなことにでもそこに至る歴史があって、現在からそれを辿ってみると、とても面白いことに気がつきました。カティさんみたいに、高校生でやっておくべきことでしたけど（笑）。中学時代、メンデルスゾーンを知らなくて、「無言歌」（確か「春の声」だったかな…？）を先生に与えられて、あんまり気乗りしなかったことを思い出しました。歴史的にもこんな位置づけにあったことを知っていたら、もっとノリノリで弾いてたかなあ（←そればっかり）。

2008/7/22(火) 午後 10:04

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mepoさん、わかりやすいです。
うーん、いろいろな曲を弾いてみたくなりますね。

2008/7/30(水) 午前 8:57