作曲家の群像

20世紀最高のメロディ・メーカーの「バカラック・マジック」

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「雨にぬれても」、「サン・ホセへの道」、「遙かなる影」、「小さな願い」など誰もが知るスタンダードポピュラーソングの曲名を数えても数えたりないのがバート・バカラック。個人的にはレノン＆マッカートニのクリエイテヴィティに比肩するコンポーザーはこの人だと思っています。この彼でさえ苦しい下積み生活があったのだと思うと、感慨深いものがあります。

初期のレノン・マッカートニとは違い、彼の音楽はポピュラー音楽の世界において常に異端派でした。「常に革新的な手法を用い、異端派と呼ばれる存在であることこそ、彼が未だにトップ・クリエーターでいられる理由なのです」といわれる程チャレンジングなアプローチを試み成功させてきました。「小さな願い」などは普通は気づきませんが4/4、2/4、3/4拍子が自然に組み込まれています。

バート・バカラック（Burt Bacharach, 1928年5月12日 - ）は、「アメリカのポピュラー音楽の音楽家、自身でも歌を歌うが、他のアーティストへの楽曲の提供、編曲、プロデュースにおいて、むしろ著名。特に、ディオンヌ・ワーウィック、B・J・トーマス、ダスティ・スプリングフィールド、カーペンターズ、トム・ジョーンズ、ジャック・ジョーンズなどへの楽曲提供が有名。映画音楽でも数々の名曲を提供し、特に『明日に向って撃て!』の主題歌『雨にぬれても』はアカデミー主題歌賞を受賞した」。

「近年はエルビス・コステロら他のミュージシャンとのコラボレーションが多かったが、2005年には28年ぶりにソロアルバム『アット・ディス・タイム』をリリースした。稀代のメロディーメーカーであるとともに、編曲においては、ジャズを出発点としながらもボサノヴァの世界的流行の波に洗われた時代にその影響が作風に反映されモダンな和声と複雑なリズムパターンが独自のバカラックスタイルとして確立、またその楽曲がラテン系アーティストに逆にカバーされる現象ともなった」。

「しかし'70年代に入るとそういった革新的な作風は影を潜め、寡作ではあるが『Arthur's Theme』、『That's What Friends Are For』、『On My Own』といった簡素かつ親しみやすい楽曲で時々大ヒットを飛ばした。惜しむらくは'80年代に入る頃からかつてのブラス、ストリングスを含むフルオーケストレーションの編曲が求められない時代となり彼のみならず才能あるアレンジャーの活躍の場が激減したことはアメリカ大衆音楽界の大きな損失でもあろう」。

「彼は大学卒業後、ニューヨークのマンズ音学院、カリフォルニアのサンタ・バーバラ音楽アカデミーで学び、ピアニストとして数年間活動、その後ニューヨークに戻り作曲家としての道を歩み始めました。しかし、作曲家としての活動はなかなか上手く行かず、クラブでの伴奏でかろうじて食べて行く状態が続き、最初の妻とはこの苦しい時期に別れることになってしまいました」。

「この精神的、金銭的に苦しかった状態から彼を救ったのは、なんとドイツの歌姫マレーネ・ディートリッヒでした。彼女のツアー・バンドの指揮者をしないかという誘い、それが彼をどん底生活から救うことになりました」。

「もうひとり、バカラック・サウンドの誕生に重要な役割を果たした人物がいます。それが１９５６年頃に知り合った後、１９７３年までコンビを組んだ作詞家、ハル・デヴィッドです。彼は１９２１年ニューヨーク生まれで、兄、マック・デヴィッドは１９３０年代から活躍している作詞家でした。二人は１９５７年マーティー・ロビンスの『The Story Of My Life 歌う人生』で、コンビとして初のヒットを飛ばし、その後黄金コンビとして活躍を続けることになります」。（ウィキペデリア）

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米ポピュラー音楽界が生んだ史上最高のプロデューサー「Q」

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それは、もちろんクインシー・ジョーンズ。私には彼に関してよくわからないことが二つあります。その一つが「愛のコリーダ」。歌詞がわからいので何ともいえませんが、「I Know Corrida」ではなさそうです。「コリーダ」を調べると、英語で近いのが「creed」（信念、主義、綱領）ですが、クレジットを見ると｢corrida｣となっていて、スペイン語で「闘牛」の意味のようです。

「愛のコリーダ」は大島渚監督の「阿部定」事件を扱った映画ですが、この曲はテーマ曲でもなんでもありません。ではなんで「ＡＩ　ＮＯ　ＣＯＲＲＩＤＡ～」と日本語で歌うのか？この辺の事情を語ってくれるのが「守成円蔵のちいさな世界/ウェブリブログ」です。

「海外でこの映画に触発されて、『愛のコリーダ』を書いたのがC. Jankelという人。そういう背景があったので、歌詞も題名も「Ai No Corrida」となっている。ちなみに、クインシー・ジョーンズがこの映画に影響されたわけでも、作詞作曲したわけでもないようで。あくまで、ジャンケル氏の方」。少し、すっきりしました。

もう一つは、FOXの「マッドTV」という危ないギャグ満載の番組です。このプロデューサーがクインシー・ジョーンズです。彼がなぜこの番組に関わっているのかは今もってわかりません。

クインシー・ディライト・ジョーンズ二世（Quincy Delight Jones II、1933年3月14日 - ）は、「アメリカの音楽プロデューサー、作曲家。1950年代から第一線で活躍を続け、グラミー賞をはじめとする音楽賞を多数受賞している。ブラックミュージック界のみならずアメリカのポピュラー音楽界における偉人の一人である」。

「イリノイ州シカゴ出身。少年時代にトランペットを学ぶ。10歳のときにワシントン州に転居。そこで盲目のピアニストの少年レイ・チャールズと知り合い、ともにバンド活動を始める。 1951年、バークリー音楽大学を卒業後、トランぺッターとしてライオネル・ハンプトン楽団に参加。そこでアレンジャーとしての才能を見出され、カウント・ベイシー、デューク・エリントン、サラ・ヴォーンらジャズ界のスターのアレンジを手がけるようになった」。

「1957年にパリへ渡り、作曲・音楽理論などを学ぶ。フランスのマーキュリー・レコード社長の知己を得てヨーロッパでも数々のビッグバンドを率いて活躍し、自身のバンドでも成功を収めた。1964年にはマーキュリーのニューヨーク支社の副社長となり、同時に映画音楽の分野へも活動の幅を広げる」。

「1960年代からはプロデューサーとしても活躍し始め、1963年にレスリー・ゴーアの『涙のバースデイ・パーティー』をビルボード1位にしたのをはじめ、マイルス・デイビス、フランク・シナトラらのプロデュースを手がける。自身の作品でも数々の名作を残し、1981年の『愛のコリーダ』（タイトルの由来は大島渚監督の同名映画）のようなポップ分野でのヒットも生んだ」。

「最も成功を収めた仕事は1982年に発表されたマイケル・ジャクソンのアルバム『スリラー』。世界中で爆発的なヒットを記録したこの作品でクインシーはキャリアの絶頂を極める。同年に自主レーベルクウェスト・レコードをスタート、1985年までA&Mレコードが供給したが、後にワーナー・ブラザーズ・レコードに売却される。また同年にはアメリカのスーパースターが一堂に会して録音したチャリティー曲『ウィー・アー・ザ・ワールド』のプロデュースも手がけた」。

「1990年代のクラブ・シーンでは1960年代のファンキーなジャズ作品が再評価され、『ソウル・ボサ・ノヴァ』は教典的存在となり、映画『オースティン・パワーズ』のテーマ曲としても使用された。また日本ではテレビ番組ウイークエンダーのジングルとして使われた『鬼警部アイアンサイド』のテーマも有名である」。（ウィキペディア）

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建築家にして現代音楽作曲家「ヤニス・クセナキス」

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先日数学者の秋山仁さんが和音の法則を語っていました。円状に11音階で半音ずつの11点を配し、ドドミソ（Ｃ）、レファラ（Ｄ）、シレソ（Ｇ）などの和音のそれぞれの点を結ぶと、すべて直角三角形になるというものだったと思います。音楽と数学は切っても切れない関係にあるようです。

以前取り上げたスイスのヴァイオリン奏者で画家のパウル・クレーは音楽を絵画にしたいということで「パルナッソス山」（1932年）を描いていますが、数学を音楽に積極的に取り入れたのがヤニス・クセナキスという人だったようです。以下ウィキペディアからその生涯を辿ります。

ヤニス・クセナキス（1922年5月29日 - 2001年2月4日）は、「ルーマニア生まれのギリシャ系フランス人の現代音楽作曲家。建築と数学を学んだ後第2次世界大戦中にギリシャ国内で反ナチス・ドイツのレジスタンス運動に加わるが、負傷して片目を失い、逮捕され死刑を宣告される。しかし何とか脱出しフランスへ亡命した。以後その生涯の大半をフランス国内で過ごす」。

「その後建築家ル・コルビュジエの下で働き、建築家として1958年のブリュッセル万国博覧会でフィリップス館を建設する。このフィリップス館ではエドガー・ヴァレーズの大作電子音楽「ポエム・エレクトロニーク」が演奏され、後に自作の電子音楽を大規模施設で上演する際の参考となった」。

「その一方で作曲を学び、パリ音楽院でオリヴィエ・メシアンらに師事する。このときメシアンに『君は数学を知っている。なぜそれを作曲に応用しないのか』と言われ、その慧眼に強い霊感を受ける。そして数学で生み出されるグラフ図形を元に、縦軸を音高、横軸を時間と見做し音響の変化を綴る形で作曲したオーケストラ曲『メタスタシス』を1954年に作曲し、ドナウエッシンゲン音楽祭で鮮烈なデビューを飾る」。

「『メタスタシス』は3部よりなる管弦楽曲『アナステナリア』(1952-54)の第3曲目であるが、あまりに作風が他とかけ離れて先鋭的であるため、これを独自に作品1とした。その後も数学の論理を用い、コンピュータを使った確率論的手法（『ピソプラクタ化』より採用）で多くの斬新な作品を生み出した」。

「日本の作曲家・ピアニスト高橋悠治の協力を得て、室内楽や独奏でも『エオンタ』や『ヘルマ』など初期から優れた作品を発表したが、しかし特に管弦楽曲や電子音楽など多くの音群を自在に扱うことのできる分野でもっとも手腕を発揮した。中期の2つの傑作、会場内に奏者がランダムに配置される管弦楽曲『ノモス・ガンマ』と、照明演出を伴う電子音楽『ポリトープ』（クリュニー、モントリオールなどいくつかの版がある）で、彼の作風は一つのピークを迎える」。

「日本の大阪万博では、『ヒビキ・ハナ・マ』（響き、花、間）（1969年）という日本語の題を持つ多チャンネル360度の再生装置を伴う電子音楽を発表した。1970年代の作品では方眼紙を用いた直感的なグラフ作法と天性のバルカン半島的な韻律に基づき、室内楽作品を中心に聴き応えのある作品が多い」。

「また電子音楽の作曲用コンピュータとして、ペンとタブレットで線形を描くと音響として反映されるUPICを1985年に開発した。当時としては斬新な技術であり、グラフがそのまま音楽になるこの装置は、グラフィカルな作曲方法をとる彼ならではの発想といえる。同じくグラフィカルな作曲を行う湯浅譲二もこのUPICを使用し作品を生み出している」。

「生涯を通じて多作であり、現代作曲家としては委嘱や演奏に恵まれた数少ない例といえる。晩年は京都賞を得て来日もしたが、既に執筆原稿は高橋悠治の校正なくしては読めるものにはならず、徐々にアルツハイマー型痴呆症に冒され作曲が困難となった。1997年に書いた作品に「オメガ」（ギリシャ語の最後の文字）と題名をつけ作曲行為に自ら終止符を打ち、2001年にその生涯を終えた」。（ウィキペディア）

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「ピアノの画家」加古隆の華麗な音楽人生

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1971年、留学先のパリ国立音楽院作曲科で指示したオリヴィエ・メシアンに「加古君、あなたが日本人であることは、とてつもない財産なのです。」と語らてたことから、この言葉に、「世界的に見ても固有の文化を持つ、日本という国に生まれ育ったことを誇りに思いなさい」というメッセージを感じたといいます。

そしてこの言葉が、当時西欧風の曲を主に書いていた加古隆に、自分の生まれ育った国：日本に目を向けさせるきっかけとなり、広重や北斎らの浮世絵から着想を得たピアノ・ソロ作品『ESTANPE SONORE（エスタンプ・ソノール：「音の良く響く版画」の意）』を1991年に発表したそうです。

「作曲においては、ジャズ・クラシック・現代音楽の要素を融合させた独自の作曲形式を確立しており、ピアニストとしては、自身の作品の演奏を中心に活動している。即興性溢れるジャズや自然をテーマにした作品から、絵画・文学・浮世絵・ダンス・建築といった他の様々な芸術から着想を得た作品まで、その音楽のスタイルは極めて自由かつ幅広く、個性に富んでいる」。

「また、近年は映像とのコラボレーションによる音楽も数多く手掛けており、映像音楽の作曲家としても活動の幅を広げている。自身の作品によるコンサートは世界各国に及び、オリジナルアルバムは50作品を超える」。

「シンプルで繊細かつ壮大な心震わせるメロディーと、ピアノから紡ぎ出される透明な音の響きから、『ピアノの画家』と称される。80年代からかぶり始めた帽子がトレードマークとなっており、演奏の際にも必ず身につけている。ピアノはベーゼンドルファーを愛用し、曲の世界に深く入り込むために、演奏は全て暗譜で行う」。（ウィキペディア）

加古さんの華やかなプロフィールをウィキペデキアから引用します。
1969年 - 東京芸術大学音楽学部作曲科卒業。
1970年 - NHK毎日音楽コンクール（現「日本音楽コンクール」）作曲部門入賞。
1971年 - 東京芸術大学大学院作曲研究室修了後、フランス政府給費留学生としてパリ国立音楽院作曲科に留学し、オリヴィエ・メシアンに師事。
1973年 - パリでフリー・ジャズピアニストとしてデビューし、ヨーロッパ各国で公演を行う。ジャズ誌に「現在フランスで聴くことのできる最高のピアニスト」と評される。
1978年 - ピアノトリオ「TOK（トーク）」を結成。バンド名は、メンバー3人（タカシ・カコ、オリバー・ジョンソン、ケント・カーター）の名前の頭文字による。
1979年 - フランスのカーンで行われた音楽祭に出演し、初のピアノ・ソロ・コンサートを行う。
1980年 - 日本に帰国。ピアノ・ソロの活動を本格化する。
1985年 - イングランドの民謡「グリーンスリーブス」をモチーフにした曲「ポエジー」が、「ニッカウヰスキー」のCF曲として使用され、大ヒットとなる。
1988年 -　アルバム『スクロール』で、スイングジャーナル社主催「日本ジャズ賞」を受賞。
1989年 - 天児牛大演出、イズマエル・イヴォ（ダンサー）との共演で「アポカリプス」を初演。
1990年 - ピアノ交響詩「春～花によせて」を大阪・国際花と緑の博覧会にて初演。その後、大友直人指揮、東京フィルハーモニー交響楽団との共演による演奏がCD化される。
1991年 - 映画「On the Earth In Heaven」（監督：マリオン・ハンセル）の音楽を担当。
1992年 - アメリカデビュー。カーネギーホールにてピアノ・ソロ・コンサートを行う。　
1995年 - NHKスペシャル「映像の世紀」（テーマ曲：「パリは燃えているか」）の音楽を担当。番組の放送終了後、NHKに音楽に関する問い合わせが殺到する。
1997年 - NHK「ドキュメントにっぽん」の音楽を担当。
1998年 - モントリオール世界映画祭のグランプリ作品である映画「The Quarry（邦題：月の虹）」（監督：マリオン・ハンセル）の音楽を担当したことで、「最優秀芸術貢献賞」を受賞。
2000年 - NHK「にんげんドキュメント」の音楽を担当。
2000年 - 演奏時間50分を超える作品、組曲「映像の世紀」を発表。初演は大阪にて、金聖響指揮、大阪センチュリー交響楽団との共演で行われた。
2000年 - 映画「式日」の音楽を担当。
2001年 - 映画「大河の一滴」の音楽を担当。
2002年 - 映画「阿弥陀堂だより」の音楽を担当し、第57回毎日映画コンクール「音楽賞」及び第26回日本アカデミー賞「優秀音楽賞」を受賞。
2003年 - NHKスペシャル「地球市場・富の攻防」の音楽を担当。
2003年 - フジテレビ系で放送されたドラマ「白い巨塔」の音楽を担当。エレキギターを用いた斬新な音楽で、大きな話題を呼んだ。
2005年 - NHKスペシャル「日本の群像　再起への20年」の音楽を担当。
2005年 - 宮城県気仙沼高等学校の校歌を作曲。
2006年 - 映画「博士の愛した数式」の音楽を担当し、第61回毎日映画コンクール「音楽賞」を受賞。
2006年 - 熊野古道の世界遺産登録2周年を記念しての、三重県からの委嘱作品「熊野古道～神々の道～」を作曲。世界遺産登録からちょうど2年になる7月1日、三重県文化会館にて世界初演コンサートが行われた。
2006年 - ウイーンのダンスフェスティバルにおいて「アポカリプス」を再演。

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ミュージカル映画の最高傑作「サウンド・オブ・ミュージック」を生んだ作曲家

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最高傑作のひとつではあるが、一度しか観たことはない。それもいつ頃だったのか覚えていない。覚えていなくても挿入歌である「ドレミの歌」「エーデルワイス」だ誰でも知っている。誰でも知っている曲ではあるが、誰が作ったのか知る人は少ない。その作曲家は私が大好きな「マイ・ファニー・ヴァレンタイン」も書いていた。

リチャード・ロジャース（Richard Rodgers,1902年6月28日 - 1979年12月30日）は、アメリカ合衆国の作曲家。作詞家のローレンツ・ハート、オスカー・ハマースタイン2世とのコンビで数多くのミュージカルの曲を書いた。

「彼は医者の息子としてニューヨークで生まれました。６才の頃から母にピアノを習い、１４才の時に見たブロードウェイミュージカルの虜となります。高校生の時、兄の大学の同級生に２人の作詞家がいました。ロレンツ・ハートとオスカー・ハマースタインⅡ世」。

「最初にコンビを組んだ、ロレンズ・ハートと共に作曲した曲が『ひとりぼっちのロミオ』に採用されその後「コネチカット・ヤンキー」「パル・ジョーイ」などの話題作を発表します。ロジャース＆ハートコンビのスタートは１９１９年。ジャズスタンダードナンバーとして有名な“マイ・ファニー・ヴァレンタイン”は『ベイブス・イン・アームス』(１９３７年)というミュージカルの挿入歌です」。

「その後１９４３年にハートが病に倒れ４３歳という若さで他界したため、ロジャースはハマースタインII世とコンビを組むようになりました。ハマースタインII世は、大興行師として有名だったハマースタイン家の一員で、プロデューサーとして名のあった叔父の英才教育もあって、『ローズ・マリー』『ショーボート』などの作品で既に評価を得ていました」。

「そのハマースタインとのコンビ第一作が１９４３年の『オクラホマ！』。これ以降、『回転木馬』『南太平洋』『王様と私』『サウンド・オブ・ミュージック』と次々に大ヒットミュージカルを世に送り出しました。しかし、ハマースタインも1960年に永眠。そのころ、『WEST SIDE STORY』のレナード・バーンスタインがテレビ番組でロジャースを批判するという出来事もありました」。

「ジョージ・ガーシュインやコール・ポーターはアメリカの音楽『ジャズ』をミュージカルに導入したが、ロジャースの作曲技法はヨーロッパのオペレッタの亜流でしかない。われわれはアメリカの音楽でミュージカルを創造すべきだ」。

「1962年、ロジャースは自分で歌詞も書いて、『ノー・ストリングス』という作品を手がけました。タイトル通り、弦楽器を一切使わず、ジャズのプレイヤーが舞台に登場して演奏するといった斬新な演出で、バーンスタインの批判に受けて立つ心意気を示した力作でしたが、それが彼の最後のミュージカルでした」。（リチャード・ロジャース生誕百年記念www.ne.jp/asahi/yu-yu/usastreet）

特にオスカー・ハマースタイン2世とのコンビでは、34のトニー賞、15のアカデミー賞を獲得するなどの成果をおさめた。彼が亡くなった晩、ブロードウェイの全ての劇場は、灯りを消して、その死を悼んだという。