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以前から「草間彌生展」に行こうと誘われていましたが、今までちらりと見た限りではあまり興味を引かなかったので先延ばしにしていました。でも映画を見に行ったついでに少し足を延ばして国立国際美術館まで行ってみました。
平日の午後だったからなのか、奇抜な現代アートだからなのか展覧会はさほど混んではいませんでした。
作品数はかなり多かったですが移動のスペースも十分取れたので結構のんびり、じっくり鑑賞することができました。
大きくテーマ別に展示されており、その詩的なコンセプトが草間彌生の世界へと知らないうちに鑑賞者を誘ってくれました。
４つのコンセプト
 愛はとこしえ Love Forever： 2004年から2007年にかけて制作された絵画シリーズ50点。 わが永遠の魂 My Eternal Soul：2009年から始まったシリーズ。カンヴァスにアクリル。新作ポートレート New Portraits：2011年制作のこの展覧会に向けての最新作3点。幸福の彫刻たち Happy Sculptures【感想】
最初のフロア＜愛はとこしえ＞は多くのシルクスクリーンの連続で、主として線描画のような細く細かい線でカンヴァスが覆い尽くされている。いろんなパターンがあって見ているとだんだん面白くなってくる。顕微鏡の中で動く微生物のようでもあったり、いろんな方向に想像力をふくらますことができる。
「波」、「青春の日々」という作品がよかった。
次のフロア＜わが永遠の魂＞は色鮮やかなアクリル絵の具の作品群。これはかなり楽しめます。ポップな色づかいが新鮮だったり、描かれたフォルムが自由で愉快だったり深みを感じたり・・・。大きな正方形のキャンバスは同じサイズのようであり、草間彌生プロデュースのスカーフの陳列のように見えて、エルメスなどの大判スカーフの好きな人はそれなりに楽しめるのではないかな？
私が好きだと思ったのは「失恋の痛み、そして自殺したい」というタイトル作品。
そのほかにも
「私大好き、とても好き」
「果てしない人間の一生」
「心から生命の賛美をうたい上げたい」
というのもいいなと思い、これら3点はポストカードを買いました。
ポートレート3点はみんな面白く素敵でしたが、お土産用のポストカードになるとその威力は半分以下。
「神をみつめていたわたし」などはデーモン小暮閣下のようでもありました。好きだからポストカード買いました。
背景色のタイトル作品は作品紹介サイトに掲載されています。
こちらでどんな作品なのかチェックしてみてください⇒草間彌生 永遠の永遠の永遠 作品紹介
わたしの一番好きな「失恋の痛み、そして自殺したい」は残念ながらこのサイトの中にはありません。
あと、オブジェはいつでもとてもいいと思いますが特に部屋全体、壁も含めて作品になっているチューリップの作品「チューリップに愛をこめて、永遠にいのる」がとても良かった。
おなじみのカボチャも、こうして見ると可愛い。昨年の夏、瀬戸内ビエンナーレで直島で見ました。
あと、美術館のエントランスもドットで飾られていて可愛かった。ガラスにくっついた立体的なドットは目の錯覚を利用しているだけで実は沢山の線の入った平面ビニールシートでした。こういうのを家の窓にもつけたいなぁ。
食わず嫌いで敬遠していた「草間彌生展」、実際に何時間かその世界に入ってみると何だか妙に親近感が湧いて、見に来てよかったなぁと思いながら夕暮れの美術館を後にしたのでした。 |
art
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コメント（5）
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art のページに投稿することにしましたけど、実際には「思い出」ページに入れたほうがいいのかな？と思いながら書き始めています。
今日は2011年1月20日、２０１１−１−２０なんて、１と２と０だけの配列で面白いなぁと思っていたら、いろんなことがありました。
一番のハプニングは、本日の「飛び込み練習会」の帰り道、水泳チームの皆さんとランチに行こうと走っていた私の車が、覆面パトカーさんに見つけられちゃったのですよ〜。
高速道路でバンバン走りながら、今思えば何の因果か、同乗者のみなさまとスピード違反の話をしていたところだったのです。で、無事に高速道路から一般道に降りたところでその幹線道路もたくさんの車線が比較的すいていたので私はごくフツーにゆっくりと加速していたつもりでしたが、なんせうちの車は加速がいいものですから、静かに走りながらすぐに高速になってしまうのでしょうね、気が付くと後ろに青い車、その屋根にちょこんと乗っかった赤色灯。男性が二人窓から手を出して合図をしておられる。私にかなぁ？と思って4車線ぐらいある広い道を左に寄せて止まったらお巡りさんでした。
その幹線道路、制限時速６０キロだったそうで、私はなんとか免停をまぬがれたものの、危ないところでした。あと3キロオーバーだとダメだったそうで、不幸中の幸い。
スピード違反で捕まったことなんて、実に30年ぶりだ。いつも法定速度を遵守しているわけでは全くないからこんな風に見つけられるなんてサハラ砂漠でダンゴ虫を見つけるぐらいの確率かもしれないな。
罰金が12000円だったら、本日の１と２と０のグループにうまく溶け込めたんだけど、もう少し高かった。
18000円か・・・。今にして思えば、ちょっとは交渉してみるべきでした。
このことはまあ、今までバンバン飛ばしていた30年分のつけが回ってきたと考えて私は納得しています・・・。
これからは調子に乗ってスピードださないように絶対注意しよう。
家に帰り、この数字の偶然（ちょっと惜しかったけど・・・）を考えていたら、生活の中の「抽象表現主義」みたいだなぁと感じられ、久しぶりにこの前MoMAで撮った抽象表現主義の作品を見ていたら、さらに心が和んで、また希望を胸にもっと勉強してもっと楽しい旅を続けるぞ！と闘志が湧いてきました。
人間、健康で元気でいたらまだまだ楽しいことがいっぱいあるからねぇ〜。
最近はフィットネスですっかり体も締っていろんな洋服にも挑戦できて旅行も一層楽しいし、普段の日は、こうしてパトカーに捕まりながらもマスターズの大会に向けて皆さんと飛び込み練習に参加も出来るし、やっぱり幸せだわ
 ということで、今日の記念にアブストラクトの写真でも載せておきましょう。
最近は私は“美術作品と人間”というテーマが写真を撮るときに面白くて仕方ありません。
芸術作品というものは美術だけでなく他のジャンルでも必ず「鑑賞者」を必要とするでしょ、なので作品に対峙する人間の姿や存在がさらに作品を生き生きさせるような気がするのですね〜。
これはジャクソン・ポラックの「One （Number 31，1950）」という作品。手前にあるオブジェはデイヴィッド・スミスの「Austraria」という作品。私はこの作品が大好きで、MoMAを訪れるたびに、知らないうちに写真に撮ってしまっています。（なので何枚もこの作品の写真があります。）
今回はこの展覧会、レクチャーに参加する目的で行きましたから喜び勇んで参加しました。幸いなことにレクチャーではこの作品も取り上げられました。講師の先生はタイトル名を教えてくださって、結局、これはカンガルーの抽象表現かな？ってところに話が落ち着きましたけど、私はやっぱり最初に自分の頭にインプットされた“グラスホッパー（バッタの類）”にしか見えないです。それを横にいたアメリカ女性にささやいたら「そうね、そうも見えるわね。でも足の数が・・・」とおっしゃって、おお、鋭い！とビックリしたのでした。
この写真、レクチャーの様子ではないけれど、こういう風にゆっくりと自分の時間で自由に作品と皆さん、会話してる感じなんですよねぇ。MoMAのこういう空間が大好きです。青いガラスからの外光。柔らかな雰囲気のフローリング、こういうところにはピリッと自分なりのオシャレをしていきたくなりますよね。
これはロスコの作品。ロスコの部屋の雰囲気は格別です。でも誰もいないと作品の大きな力が不気味に空間を支配しているようで、なんか居心地悪いかも。こうして人がゆっくりとベンチに腰を落ち着けて、静かにそこの空気に同調しているとたまらなく暖かく柔らかなリラクシングな時間が流れます。
今、気が付きましたけど、このベンチの女性の毛皮のコート、まるでロスコの故郷のロシアから来られたみたい…？その横の男性は心なしかロスコを彷彿させるプロフィール。そしてなによりも立位のポジションで鑑賞している男性の姿がいいなぁ。このスキンヘッド（英語ではshavedと言ってるけど）がすごくアブストラクトだなぁ。
オートフォーカスで撮っていたせいか、焦点がメガネの男性にヒットしていて肝心のロスコの作品がボケてますね〜。
これはサム・フランシスという画家の作品です。この方の作品も色がきれいで魅了されます。この前に立つ人々を何枚かこっそり撮影しましたけど、この女性の後ろ姿が一番きれいだったかなぁ。燃え立つような動的な作品と、腕組みをしてじっと沈思熟考する女性。お互いから磁力を感じますねぇ。他にも相当おしゃれなフランス人女性二人組もそのあと来られて被写体としては絵によくマッチしたんですけど、悲しいことにシャッターチャンスを逃しました。（でもまたNG特集で出そうかな？）
これは私の知らない作家の作品でしたが、図録で調べたらLouise Nevelsonというウクライナ生まれのアメリカ人( 女性）だと分かりました。黒く塗られた木製のコンストラクションは「Sky Cathedral」という作品タイトルです。
この作品もインパクトありました。私にはこれがなにか象形文字（ヒエラリズム）のモニュメントのような第一印象でした。すごく知的な雰囲気がありました。
やっぱりこうした抽象美術作品は、実物からのオーラがすごいですね。もちろん古今東西の名画もすべて実物を見るのが一番ですが、短い一生、小さな庶民の私らはなかなか実物と向き合うのは大変ですよね。
でもやっぱり希望を抱いているとまたいつかどんなチャンスが巡ってくるやもしれませんから、やっぱりその日のために日々の精進が大切だと自分に言い聞かせています。
この度のMoMAの抽象美術作品の展示は4月上旬までです。
興味のある方はこちらの紹介も参考になさってください。
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昨日、水泳の練習の後、お友達に「じゃあ、また明日ね。水曜日はクロール頑張ろうね。」と声掛け合って別れたのに、よく考えると本日、水曜日は私が一人で「8/29に終わるボストン美術館展に行くとしたら、この日しかない！」と固く京都行きを決意した予定の日でした。
朝からまた太陽はじりじりと照り付け、音楽を聴きながら洗濯などしていたらあっという間に10時になって、一旦諦めかけたけど思いなおして11時に出発。なにしろ、ちょっと行くにも、しかも一人で行くのであっても、洋服のコーディネートとアクセサリーとかに時間がかかって困る。それは、たくさんあるから選別に困るのではなくて、全くその逆。 ほとんど毎日、ジーンズとTシャツ＆スニーカーかビーチサンダルのような格好で大きなリュックを背負ってジム通いだから、電車に乗って出かけるときに着る服＆靴がなくて、苦心惨憺して時間がかかるのです。
それでもなんとか、格好をつけてバス・ＪＲ・京都の地下鉄 という経路で無事に京都市美術館に着きましたら、午後1時の時点で、入場制限20分待ち。
夏休みも終わり近くだし、こんなに猛暑続きで、こんな暑さのなか、またよりにもよって一番暑い京都へ誰が行きますかいな！と考えてお昼からのんびりゆっくり見たらいいわと思っていたら大きく予想が外れました。
でも今日は風もあったし、暑さもそれほどでもなかったかもしれません。とにかく、館内に入っても人・人・人、人の波。すごいわぁ。しかも若い子と同じぐらい中高年が。いや、むしろ中高年のほうが多かったかも。
並んで待っているときに後ろの大学生ぐらいの年格好の女子2人組が話していました。
「とにかくお年寄りがこういうところにはよく来るんよねぇ。」
ん・・・・お年寄りってもしかして、我ら中高年もその中に入ってるんとちがうやろね！
というわけで、その人ごみの中、ボストン美術館から届いた泰西名画80点をリストの用紙を手に、一つ一つじっくりゆっくり心ゆくまで鑑賞してまいりました。
詳しくはこちらのＨＰを⇒ボストン美術館展 西洋絵画の巨匠たち
このトップページはレンブラントの作品から始まっていいですねぇ。
＜展示内容＞にも書いてありますが、ここに展示されている80点の作品はジャンルごとに８つに分けられています。
という風に部屋ごとに大きなパネルで説明があり、読みやすくて分かりやすくて勉強になりました。
ついでに言いますと、最後、出口の近くにもここにある全画家のプロフィールを一人一人パネルに書いて貼り付けてくれてあったので、退場する前にもう一度頭の中を整理し、すぐ思い出せない作品はまた人をかきわけ逆行して見に行ったりできました。
そういう意味で、展覧会で実地のにわか美術史学習をしたいと思っている人には大変親切な心やさしい展覧会だと思います。
個人的にはこういったいわゆる泰西名画は、今はもうあまり深く勉強しないようになっているんですけれど、今回は全く飽きることもなく最後まで80点、きちんと見ることができました。多分、この作品数がよかったのでしょうね。
８つのジャンル、それぞれ好きだなぁと思う作品がありましたが、私が一番長く居て、出口を出る前にもう一度見に行ってまたしばらくいたところはモネの部屋でした。モネはいろんな美術書を数冊持っていますが、その中にもないのがこの展示にありましたから、非常に嬉しかったのです。
このモネの中で、そしてこの80点全部の中で一番好きなのは、これ。「積みわら (日没）」です。
この写真も、購入した図録の写真も、あと、絵葉書やＢ４サイズのコピーでも、本物の作品と全然違いますが、実物はものすごいオーラを放っていました。
そういうオーラとか、作品の発するエネルギーとかを言い出したら、すべての作品は実物がそういう目に見えない情熱の力みたいなのを発していますよね。
それにしてもこの「積みわら（日没）」は私がこれまでメトロポリタンとかＭｏＭＡなどで見た「積みわら」の連作の中で一番好きだと思いました。それはあくまでも個人的な印象だとは思いますけれど、この積みわらの輪郭線に夕日が当たって輪郭線が光の線になるところとか、夕日に染まる地平線や空のグラデーションが何とも言えない安らかな波長を私の脳に送りつけてくるようで、あの人ごみの中（とはいえ、この作品は長く見ている人は少なかったです）私はかなり癒しのα波を享受させていただきました。
この癒しは日常の疲労回復に有効だと思いましたので、手ごろなところでＢ４サイズのコピー￥600を購入しました。
ゴッホは1点だけでしたが、すごくいいなと思いました。
後ろで見ていた人はゴッホのことをよくご存じのようで、年号を見て「あ、これはもう狂人となってしまってからの作品ね。ああ、もう狂っているわ。見てると怖いわ。ゴッホは怖いわ。」としきりにおっしゃっていましたが、私にはすごくきれいな絵に見えたんですけどね。私がちょっとねじが外れて狂っているのかもしれないなと思うと、自分が怖くなりました。 でも、この絵を見ていると、世界がきらきら輝いているような気持ちになって、生きているって素敵なことだなぁとすごく嬉しくなってきませんか？
人々がたくさん集まっていたのは、これもモネですが、モネには珍しい人物画。私は最初、ルノワールと間違えてしまいました。モネはもっと前にやはり人物画を描いた作品がありますが、それはむしろマネの人物画に近い作風だったんですけどね。
子どものほっぺの垂れているところが最高に可愛かったです。それともモネが必ずお花の色に使う赤色。この赤色は専門的には何という名称なんでしょうね。バーミリオン？ いや、単にレッド？ 私はモネのひなげしのあの赤が頭にこびりついているせいか、いつも彼の描く花の色が気になってたまりません。
豊かな下草の緑と花壇の花々。平和ですねぇ。
最後に、帰りに記念に京都市美術館の庭先で写真を撮りました。
きれいなモニュメント
美術館の庭から見た平安神宮の大鳥居
京都はやっぱり楽しいなぁ。地下鉄に乗ってるおばさまたちも京都弁やしねぇ。大阪弁とまた違うから面白いな。
記事の作成、のろのろしていたら日付変わってしまいましたが、文中の内容は水曜日の私の足跡でありました。 |
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先日2/21のNHK「日曜美術館｣の放送を見て非常に勉強になりましたので記録しておきます。 このHPにも概略が記載されていますが、今回の放送ではルノワールの時代ごとに異なる作風の作品3点を例にとって、彼の描き方がどのように変わっていったのかを解説してくれました。 ��. 初期 『陽光の中の裸婦』 1875〜76 オルセー美術館蔵 この描き方は印象派の描き方で、ウェット・オン・ウェットwet on wetと呼ばれ絵の具を薄めずにどんどん塗り重ねていく技法で輪郭線はありません。筆のタッチも残したままです。 基本的に、戸外での写生として画家の眼に見えたままの色や光をキャンバスに乗せていきます。 戸外で描くことが可能になったのは、当時、産業革命によって工業が発達し始めて、今まではアトリエで何時間もかけて調合していた絵の具が、チューブ入りとなって携帯できるようになったからです。 女性の体は木漏れ日の中で陰ができたり日の光を反射したりで、そのまま再現すると肌色でない色も加わることになります。それが当時の画壇のオーソリティには不評で「これではまるで死体じゃないか！」と新聞にも書かれたそうです。 ��. 中期 『大水浴図』 1885〜87 フィラデルフィア美術館蔵 この作品は、背景と人物とでは描き方が異なります。 背景は印象派のウェット･オン･ウェットで輪郭線はありませんが、女性たちの裸身は筆のタッチは残されておらず、ルネサンスやバロック、古典の作品のように滑らかな肌となっています。 これはルノワールが40代になって画家として大きな壁に阻まれてしまったことに端を発します。 彼はイタリアに旅行し、そこでポンペイの壁画やラファエロなどマニエリスムの作品をたくさん見て、やはり普遍的な美的感動というものは、印象派のような主観的な対象の捉え方ではなくて、古典的な技法のなかにあるのではないか、と印象派に対して疑問を抱きさえしたとのことです。 かくして、この水浴をする女性たちの体はこのように描かれたというわけです。 輪郭もはっきりしていて、ポーズもどこかぎこちないですね。何か無理やりポーズのために不自然な静止をしているような印象です。思えば、ルネサンスのころの人物像、あの時代はまずは肖像画のように固まったポーズと表情が多くて、全て描き方は決まった技法に従っているという感じでしょう？ルノワールはそこに、そうした古典への回帰に絶対的な美的価値を見出そうとしたのではないでしょうか。(←これはあくまでも私の所感。放送ではそんな話はなかったと思います。) 背景の木々や水面は印象派の描き方です。 ��. 晩年 『浴女たち』 1918〜19 オルセー美術館蔵 これは「ばら色の時代」と呼ばれた晩年の作品です。 ルノワールは晩年、リューマチに苦しめられ歩行もままならず車椅子生活。手の指で絵筆を握ることも出来なかったそうですが、それでも手のひらに絵筆をくくりつけて毎日何時間も製作したそうです。 晩年になってますます明るく輝きを増した作品となりました。 オレンジ色や黄色といった暖色系と空のブルーなどの寒色系とのコントラストが綺麗ですね。 見ていてとっても幸せな満たされた気持ちになると思います。 以上、放送内容を夢中でメモしたものを参考にしながら備忘録としてまとめてみました。 そのほか、大変興味深かったのは、ルノワールの製作過程を研究しているパリの女流画家マリー＝ピエール・フェイトさんが、実際にこの3作品の模写の再現をした映像でした。 絵の中の女性を描くのも最初に輪郭線で素描したり、背景の構図を大まかに下絵で描くのでは全くなくて、いきなり大きな筆で薄めた絵の具を広範囲に塗っていき、色を変化させながら塗り重ねていくと、次第に人物や背景が浮かび上がってくるという手法でした。 こんな描き方もあるんだ！これが印象派なのか！対象をすべて光や色に分割して捉えていくのか！と、まさに眼からウロコ状態になりました。 なにかまるで、３Ｄの世界のようじゃありませんか。混沌の中から対象が浮かび上がってくるなんて。 それと、まるで音楽のようだとも思いました。 楽譜は記号の集まりでそのままピアノのキーを叩いて音を出しているだけではなんのことだかわかりませんが、例えばバッハの対位法であれば、その中にモチーフとしての音のつながりが随所にあって、それを際立たせることで(articulation)で旋律が立体となり立ち上がった旋律が複雑に絡み合ったりほどけたりしながらひとつの音楽の絵巻物を作り上げるからです。 それを思ったときに、このルノワールの作風の変遷がいかに美術史としても意義あることであるかと、さらに感動を深めたのでした。(考えすぎかな？爆笑） では最後に、かつて私が大好きだったこの作品、これは豊かで圧倒的な髪の毛と、それとコントラストをなす背景の葉の茂みに長い間魅了されていましたが、今回の勉強で、ルノワールの気持ちに少し近づくことが出来たように思います。
『イレーヌ・カーン・ダンヴェルス嬢』 1880年 なお、この作品は今回の日曜美術館の放送で紹介されたものではありません。ただ、長い間、漠然と見ていたのですが、このたび放送を見て、この絵を初めて見たときのインパクトが少しも衰えず長年にわたって好きでいられるのか、そのわけがわかったような気がしてここに紹介させていただいた次第であります。 |
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本日は節分、ということでNHKのニュースでも豆まきや鬼退治のパフォーマンスを奉納する神社や寺院の様子が報じられていました。 暴れる鬼たちをオカメさんが登場して優しく諭して退散させる…。その柔和な笑顔のお面がとても印象的でした。 先日、火曜日の朝6:40からNHK教育で再放送されていた「トラッドジャパン」でも今回のテーマは『面 Masks』でした。今回は特に興味深くて、最初の解説映像はもちろんのこと、最後の江口先生とステュウット・ヴァーナム・アットキンのフリー･トークも熱心に聞いてしまいました。 西洋ではmaskというとおもに顔を隠すという役割であるのに対して、日本のお面はその人物を象徴的に表すということじゃないですか、というお話でした。 シンボルとしてのお面か･･･、今日ニュースでみた鬼のお面、おかめのお面、そのほかにも旅先の美術館でもアフリカのお面やらいろいろ見たけど、お面って面白いなぁ、と思いながら自分の取った写真の中にお面がないかなぁと探してみました。 残念ながら、アフリカのお面はあれほどブルックリン美術館で見たのに、写真はありませんでした。 その代わり、MoMAの現代アートのフロアにあったオブジェのなかにお面につながっていくような面白いのがありました。 これは常設の展示なんだと思うのですが･･･作者は覚えていなくて。でもおそらくMoMAのHPに行けば作者がわかると思います。 一番好きだと思ったのは、この女性の頭部。 このなかの一つ。一番右端にあるオブジェです。他のも面白いでしょ。こういう空間って心和みますね。 今日の、青鬼、赤鬼でこの作品も思い出しました。これはジャッドという人の作品。MET(メトロポリタン）にも色違いで大きな壁飾りオブジェがあります。見てると気持ちまっすぐになってしゃんとしてきますね。 最後に、これってお面とか節分とかとあんまり関係ないけど、個人的にとても好きなオブジェ。 申し訳なさそうな顔の虫に見える、跳び箱を跳んでいる人にも見える、慌てて水に飛び込む長髪の河童(背中の甲羅が･･･)にも見えますね。愛嬌があります。タイトルも作者も覚えていません。こういうの家に飾ると楽しいでしょうね。 結論：あんまり節分らしくない写真であった･･･かな？
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