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エレメンツ・ストリング・クァルテット演奏会

■エレメンツ・ストリング・クァルテット・ニューイヤー・コンサート2011
2011年1月6日（木）19時開演　三鷹市芸術文化センター風のホール

　2011年のコンサート初めは、関係者からの頂き物のチケットで聴きに行った、エレメンツ・ストリング・クァルテットの演奏会。管理人自身は初めて聴く団体なのだが、国内外で活躍する４人の若手演奏家によって2007年に結成されたという。佐久間聡一さんは大阪フィルの第２ヴァイオリン首席奏者、御法川雄矢さんはＮ響ヴィオラ奏者、松本卓以さんは東京藝大の管弦楽研究部講師をつとめている一方で、イーティン・チェンさんは現在南カリフォルニア大学大学院に在学中の女性ヴァイオリン奏者とのこと。2007年のデビューコンサート後、定期的にコンサートを開催し、学校や老人ホームニューイヤーコンサートも恒例になっているそうだ。紅一点のイーティン・チェンさんは、左足側に深いスリットの入ったベアトップの黒いセクシーなロングドレスをまとって登場し、チャーミングなお嬢さんである。

　１曲目のモーツァルト「ローディ」は、1770年の第１回イタリア旅行中に、ミラノからボローニャに向かう途中逗留した街ローディで作曲されている。つまり14歳の時の作品というわけだ。もともと緩・急・メヌエットというイタリア風の３楽章形式だったが、1772年～74年頃にフィナーレとしてフランス風のロンドが書き足され、４楽章形式になったという。モーツァルトの初期作品に強くない管理人は初めて聴く曲だったが、なるほどイタリアの18世紀音楽の雰囲気も感じられる典雅な作品だ。そういう雰囲気を伝える伸びやかな演奏が聴かれた。

　２曲目はベートーヴェンの有名なラズモフスキー第３番。1806年に書かれ、さきのモーツァルトとはうって変わって、ドラマティックな作品。演奏は、最近増えているピリオド系のアプローチや、過度に緊迫感のみなぎるアプローチではなく、意外に中庸をいく路線と思われたが、全体に若々しいエネルギーを感じさせた。

　後半はエーリヒ・ウォルフガング・コルンゴルト（1897～1957）のピアノ五重奏曲。これも管理人はまったく初めて聴く作品だったが、逆にいえば、これを聴きたいために、三鷹まで出かけたようなもの。幼い頃から神童と呼ばれたユダヤ人作曲家のコルンゴルトが、オペラ「死の都」の成功でウィーン楽壇での地位を確立した直後の1920～21年に書かれた作品。コルンゴルトについて、在日コリアンの評論家・徐京植氏は、著書『ディアスポラ紀行―追放された者のまなざし』（岩波新書、2005年）のなかで「彼の音楽にはハリウッド・ミュージカルふうの、甘美ではあるが俗っぽい旋律が頻繁に現れるのだが、あるところまで進むと必ず不協和音の亀裂が走り、ぐにゃりと大きく歪む。だから聴く者は旋律の甘美さに身を任せて入られないのである。そこから醸し出されるえも言われぬ不安感が彼の音楽の特徴であり、独特な魅力でもある」という、興味深い指摘をおこなっている。ちなみに、作曲者は1930年代、ナチスのヨーロッパへの覇権を避けてアメリカに渡らざるをえなくなり、ハリウッドの映画音楽で活躍したが、戦後ついに帰郷を果たせなかった。このピアノ五重奏曲にも、徐京植氏の指摘するような折にふれて闖入してくる「不協和音の亀裂」が随所に、とくに第２楽章によく表現されているように思われた。「ぐにゃりと歪む」という特質が、この楽章の後半ではこれでもかこれでもかと連続している。なかなかの難曲だろうが、若い４人の奏者と、彼らの師匠格にあたるピアニストの村上弦一郎さんによる熱演で、聴きごたえがあった。

　それにしても、この「風のホール」という会場は、三鷹駅から遠いし、そこまでの道のりがかなり寒い。それに、この日は残念ながら客席の入りもいささか寒く、音が響きすぎる印象があった。風邪のホールにならないようにしなくては…。

【データ】
　ヴァイオリン：佐久間聡一、イーティン・チェン
　ヴィオラ：御法川雄矢
　チェロ：松本卓以
　ゲストピアニスト：村上弦一郎
　<曲目>
　モーツァルト：弦楽四重奏曲第１番K.80「ローディ」（Ⅰ9'05" Ⅱ4'55" Ⅲ3'10" Ⅳ3'40"）
　ベートーヴェン：弦楽四重奏曲第９番Op.59-3「ラズモフスキー第３番」
　　（Ⅰ11'20" Ⅱ9'55" ⅢⅣ12'05"）
　コルンゴルト：ピアノ五重奏曲Op.15（Ⅰ13'40" Ⅱ13'20" Ⅲ9'25"）

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新国立劇場オペラ公演「トリスタンとイゾルデ」

■新国立劇場オペラ公演――リヒャルト・ワーグナー「トリスタンとイゾルデ」
2010年12月28日（火）17時開演　新国立劇場オペラパレス

　管理人にとって2010年最後の舞台芸術鑑賞は、新国立劇場の「トリスタンとイゾルデ」になった。モネ劇場音楽監督を経て、リヨン歌劇場首席指揮者として活躍し、文化功労者に選出されたばかりの大野和士の指揮ということで、チケットは発売早々に売り切れていた。国内では、今年10月の沼尻竜典指揮大阪センチュリー響（びわ湖ホール）、来年７月のアルミンク指揮新日本フィル定期（すみだトリフォニーホール）と「トリスタンとイゾルデ」の公演が３つ続くことも、注目を集めていた。

　指揮の大野和士と演出のデイヴィッド・マクヴィカーとのコンビといえば、モネ劇場を引き連れての凱旋公演で上演された「ドン・ジョヴァンニ」がそうだった。マクヴィカーは、あの時もそうだったが、今回の「トリスタンとイゾルデ」でも、全体として暗い舞台をつくっている。今回の場合、それは昼の虚飾にたいする「夜の国」――死への憧憬ともつながる――を具体化したということなのだろう。ショーペンハウアーの厭世哲学の書『意志と表象としての世界』の世界観を可視化したものということもできようか。もう一つの特徴は、３つの幕ともに、舞台に水を張った舞台にしたことだ。第１幕では、暗い闇の中に、ぽっかりと丸い光が浮かんでいて、周囲が暗いので最初は月なのかと思っていたが、次第に赤くなってくるので、太陽だと分かる。そういう形で、虚飾の昼の光を強調している。そして、舞台奥から難破船のような舟が水の中を動いてきて、手前の岸壁に接岸するという動きをする。第２幕では、やはり水を張った暗い舞台のなかに、舞台の上手奥から下手の手前に向かって花道のような通路がつくられている。第３幕は、舞台の手前がカレオールの城で、舞台奥に水が張られている。

　ただ、演出家は水にこだわっているが、第１幕と第３幕はともかく、マルケ王やメロートらが森の中に狩りに出かけていく第２幕の場合、たしかに「せせらぎの流れ」のような歌詞は出てくるものの、舞台に水を張る意味は分かりにくい。また、助演の家来たちが「アイーダ」のエジプト兵士のような衣裳をつけていたのと、第１幕最後の「てっぱん踊り」のような妙ちくりんな所作をはじめ、動きがいかにもチョコマカとうるさいのは、視覚的に違和感が残った。さらに、第３幕の幕切れで太陽が沈んでいくのだが、それが下手側に落ちるというのは、シドニーのオペラハウスならともかく、日本の新国立劇場では具合が悪いのではないだろうか（「♪西から上ったお日様が東に沈む～」という感じがしてしまう）。こうしたいくつかの疑問は残るが、演出全体は割にオーソドックスで、分かりやすいものといえるだろう。

　演奏は、全体として充実した公演だった。大野和士の指揮についていえば、もっと淡々と進むのかと予想していたら、意外にもテンポを遅めにとって、かなり濃厚な音楽づくりをしていた。同時に、ここぞというところは思い切ってテンポをあげるというように、緩急の振り幅を大きくするとともに、聴かせどころはかなりオケを煽り、メリハリを効かせている。たとえば、第１幕では、トリスタンとイゾルデが媚薬を飲んで以降はテンポを一気に上げて、二人の愛と官能の高揚をドラマティックに印象づける。第２幕も「愛の二重唱」はたっぷり聴かせ、マルケ王一行が登場してくるところは速めのテンポにして畳みかける。さらに「マルケ王の嘆き」は相当遅いテンポ設定にして、マルケ王の苦悩をこれでもかというくらいに纏綿と聴かせる。第３幕の「愛の死」でのオケの高揚も印象的だ。このあたりは、オペラ指揮者としてキャリアを積んできた大野和士の鋭い感覚が発揮されたものと言えるだろう。きびきびとキューを出す様子も見られ、おそらく歌手は歌いやすい指揮だったのではなかろうか。ただし、合唱について、完全にＰＡだのみにしていたのは、音楽的な処理としてはいかがなものか。カーテンコールでも合唱団と合唱指揮者は一切出てこなかったので、なおさらそのあたりの事情が気になってしまった。

　東フィルは大野の指示に応えようとしており、第１幕ではアンサンブルの悪さ、響きの薄さが多少気になったが、第２幕以降は、弦の厚みと艶のある響きが聴かれ、「マルケ王の嘆き」のクラリネットなど木管も充実していた。ただ、金管楽器陣にはイライラさせられた。第１幕でも、二人が「トリスタン」「イゾルデ」と言って抱き合う直前のところでホルンがずっこけたし、第２幕冒頭の狩りの角笛や、幕切れ近くのトランペットなど、肝心のところがきちんと決まらないのは困る。ジャンプの着地に失敗したフィギュアスケートみたいで、これでは減点対象とされても致し方あるまい。

　歌手は全体として充実。イゾルデ役のイレーネ・テオリンは、第１幕ではいささか叫ぶ感じの歌唱だったし、「愛の死」はもっと情感が表現された方がよいと思ったが、第２幕はとりわけ素晴らしかった。それにこの人はなかなか細やかな演技力があって、とくに目力が凄い。トリスタン役のステファン・グールドは、第１幕の「イゾルデ！」がかすれ気味で一瞬ヒヤッとしたが、全体としては安定感のある力強い歌唱で、さすがと思わせた。この二人による第２幕の二重唱は、抜群の聴きごたえがあった。クルヴェナール役のユッカ・ラジライネンは、第１幕は酔っ払った感じで登場するなど不思議な役づくりだったが、渋ごのみの歌唱で要所を締めた。ブランゲーネ役のエレナ・ツィトコーワは、声はよく飛んでくるし、今回は常にイゾルデの行く末を案じている若い侍女という感じを演技面でも巧く表現しており、意外に良かった。マルケ王のギド・イェンティンスは、杖をついて相当年配のおじいさんという役づくりをさせられていた（管理人は「マグマ大使」のアースを思い出した）のは疑問だが、深々とした歌唱で、第２幕の「マルケ王の嘆き」でも、第３幕でもひきつけるものがあった。

　演出・演奏とも若干の注文的な感想をのべたが、それでも客席の集中力を途切れさせず、密度の高い公演だったことは間違いない。ただ、幕切れの拍手は、まだイゾルデに照明が当たっていた間だったので、明らかにフライングである。45分の休憩を２回はさんで、５時間40分以上の長丁場。終演後、カーテンコールまで終わると、22時50分になっていた。急ぎ足で帰宅したが、日付変更線を超えていた。

【データ】
　指揮：大野和士
　演出：デイヴィッド・マクヴィカー
　美術・衣裳：ロバート・ジョーンズ
　照明：ポール・コンスタブル
　振付：アンドリュー・ジョージ

　トリスタン：ステファン・グールド
　マルケ王：ギド・イェンティンス
　イゾルデ：イレーネ・テオリン
　クルヴェナール：ユッカ・ラジライネン
　メロート：星野淳
　ブランゲーネ：エレナ・ツィトコーワ
　牧童：望月哲也
　舵取り：成田博之
　若い船乗りの声：吉田浩之

　合唱：新国立劇場合唱団
　管弦楽：東京フィルハーモニー交響楽団

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劇団文化座公演「銀の滴ふるふるまわりに―首里1945」

■劇団文化座公演132「銀の滴降る降るまわりに　首里1945」
2010年12月23日（木）14時開演　東京芸術劇場小ホール２

　凄絶な地上戦が展開された沖縄では「アイヌ民族出身兵士」も戦死している。北海道ウタリ協会の調査によると、2005年の段階で43名しか判明していないが、糸満市真栄平区には「南北之塔」と名付けられたアイヌ民族沖縄戦戦没者慰霊塔があり、「イチャルパ」と銘打った慰霊祭も５年ごとに開催されている。劇団文化座の「銀の滴降る降るかわりに　首里1945」は、近代日本において差別されてきたアイヌと沖縄との関わりを、沖縄戦という極限状況を舞台にドラマ化した作品だ。職場の同僚が評価していたのと、ある新聞に好意的な批評が出ていたこともあって、その千秋楽を見た。作品のあらすじは以下のとおり。

　軍隊として炊事兵となった、銃を持たない人間たちの沖縄戦。アイヌや沖縄の人間も含めて構成された日本の兵士たち。それぞれに偏見を抱え、いがみ合い、喧嘩しながら食料を調達し、調理が始まる。足りない食糧、激しくなる米軍の攻撃。いつまでもいがみ合っていては生き残れない。ぎこちなく差し出された手と手が、やがて……。（公演チラシより）

　たいへんまじめな、硬派の芝居だ。主人公は、日本軍炊事班の兵士として北海道で徴集されて沖縄の守備隊に投入され、糧秣調達係に従事するアイヌ出身の冨田栄吉と、現地で炊事兵に徴用された沖縄出身の中里幸吉の二人。そして、舞台は、首里郊外の運玉森に近く、日本軍に徴用され沖縄守備軍の速射砲大隊の兵舎兼炊事所として使用された地元区長・与那城家という設定になっている。作品は、日本軍のなかでアイヌと沖縄の人々が「二等国民」と位置づけられていたことや、また、日本軍が沖縄の民衆を蔑視して沖縄の方言を使うことをスパイ行為と見なして禁じたといった事実を背景にしながら、その差別と偏見の重層性を浮き彫りにしている。同時に、食糧の調達という人間として最も原初的な行為を軸に、そうした差別と偏見をのりこえる心の動きを描き出そうとしている。

　作品のタイトル「銀の滴　ふるふる　まわりに」は、知里幸恵編訳による『アイヌ神謡集』のなかに“梟の神の自ら歌った謡”として「銀の滴　ふるふる　まわりに　金の滴　ふるふる　まわりに」と出てくるところから採られている。アイヌと沖縄とでそれぞれフクロウが神聖視されていたことが、象徴的にとりあげられている。

　日本人のアイヌと沖縄への差別と偏見という問題を、正面から骨太に扱った重厚な作品だ。ただ、登場人物の形象化が分かりやすい半面、率直にいえば、やや図式的な印象も残ったことは否定できない。それは、ヒューマンな小隊長と、憎まれ役の軍曹との対比といった、脚本そのものの設定に起因しているのかもしれない。また、若手を中心としたキャストが、たいへんな熱演なのだが、肩に力が入って叫ぶような演技になっていることもあろう。若い兵士たちが「バーカ」といった言葉を使うのは、いくらなんでも今風すぎないか。そうしたなかで、ヴェテランの佐々木愛・阿部勉が扮する与那城夫妻が、ウチナーグチを駆使して、軽妙な味のある演技を見せていた。最後に、米軍の沖縄本島上陸という事態を前に、兵士たちと与那城夫妻が、なけなしの食材を使ってサーターアンダギーをつくるという展開は、作者のある種のユートピア願望とも言えるだろうが、リアリティの点では議論の余地があろう。とはいえ、日本近代史のなかの民族差別という問題に挑んだ直球勝負の問いかけは、重いものがあった。今度、岩波文庫から出ている『アイヌ神謡集』を読んでみよう。

【データ】
　作：杉浦久幸
　演出：黒岩亮

　冨田栄吉：梅田崇
　中里幸吉：春稀貴裕
　与那城義之：阿部勉
　与那城イト：佐々木愛
　小野寺和己：米山実
　高山治：中村公平
　岡村勝治：白幡大介
　田上進：沖永正志
　南豊作：池内智士
　香坂春幸：皆川和彦
　玉城マツ：山﨑麻里
　知念幸子：飯見沙織
　冨田和美（声）：高野周子

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ヤクブ・フルシャ指揮　東京都交響楽団②

■東京都交響楽団第709回定期演奏会Ａシリーズ
2010年12月20日（月）19時開演　東京文化会館大ホール

　先週の12月14日、サントリーホールで都響Ｂ定期を聴いたばかりだったが、プリンシパル・ゲスト・コンダクターに就任したチェコの若手指揮者ヤクブ・フルシャがボフスラフ・マルティヌー（1890～1959）の交響曲第３番を振るというので、これはどうしても聴きたいと思い、上野の文化会館のＡ定期にも足を運んだ。

　前半は、まず来年生誕200年を迎えるフランツ・リスト（1811～1886）の交響詩「レ・プレリュード」。標題は、詩人ラマルティーヌの「人生とは死という未知の歌への前奏曲である」という一節から採られているとされる。だが、最近の研究では、フランスの詩人ジョゼフ・オートランの詩による合唱曲「四大元素」の序曲であり、それを若干改定して現在の形にしたという見解（野本由紀夫氏の研究による）が定説になっているらしい。「四大元素」とは、古代ギリシアの学説で、空気・火・土・水という４つをさすが、それと「死という未知の歌への前奏曲」とがどうしたら結びつくのか――。標題音楽のタイトルというのも、結構いい加減だという気がしなくもない。それはさておき、フルシャ＆都響の演奏は、まだこの曲ではオケが温まっていない感じで、途中までややモタモタした印象があったが、それでもフィナーレの盛り上がりは力強い。

　２曲目は、ロシアのピアニスト、ニコライ・ルガンスキーを招いて、今年が生誕200年だったフレデリク・フランソワ・ショパン（1810～1849）のピアノ協奏曲第１番。おそらくは今年、世界中でもっともよく演奏されたコンチェルトではないだろうか。ルガンスキー自身、８月にはワルシャワでプレトニョフと、９月にはモスクワでヴェデルニコフと、さらに11月下旬にはキリル・ペトレンコ（イスラエル・フィル）と、この曲を演奏しているようだ。ルガンスキーのピアノは、さすがに高い技巧で、とくに弱音の美しさが際立つ。逆に強い打鍵でも無理な鳴らし方をせず、丁寧な演奏であることが伝わってくる。同時に、決して四角四面ではなく、かなりテンポをルバートさせているが、その変化も自然な息づかいが感じられる。全体として、抒情的でとても品のよい演奏になっている。ショパンにもっと情熱的な演奏を求める向きには不満が出るかもしれない（休憩時にある知人は「面白みがない」と不満を漏らしていた）が、管理人はいいショパンだったと思っている。フルシャ指揮都響も、ルガンスキーの変化に富んだ演奏にきっちりと合わせて、丁寧な好サポートだった。アンコールの「幻想即興曲」もひきつけた。

　後半はマルティヌーの交響曲第３番。去年が没後50年だったにもかかわらず、そういう話題になった記憶がまったくないが、冒頭に書いたように、本日一番のお目当てはこの作品だった。チェコ音楽に造詣の深い故・佐川吉男氏によると、第２次世界大戦前夜に作曲した《二つの弦楽合奏、ピアノとティンパニのための二重協奏曲》（1938）と、大戦勃発直後に南フランスで祖国解放の戦列に加わるべく、軍事訓練を受けていたチェコの義勇軍志願の同胞のために書いた、バリトン独唱と弦を外した特異な編成の室内オーケストラのための《戦場（野外）ミサ》、それに渡米を余儀なくされた直後の《リディツェ》（1943）と交響曲第３番（1944）――これらの反戦的な力作４曲を一括してマルティヌーの「戦争チクルス」と呼ぶことがある、という（カレル・アンチェル盤「リディツェ」のライナー・ノートより）。マルティヌー自身、この交響曲について「悲劇的な音調を持つ作品で、作曲中ひどいホームシックにかかっていた」と述べているそうで、ナチスに蹂躙された祖国チェコへの痛ましい思いと怒りが作品の根底にあるとされる（『月刊都響』の寺西基之氏の曲目解説より）。終楽章は途中から若干明るい希望が見えるようになり、作曲中に伝えられた連合軍のノルマンディー上陸のニュースと結びつける解釈もあるようだが、寺西氏は、最後にドヴォルジャークの「レクイエム」の循環動機が引用されていることから見て「戦争の犠牲者へ捧げる敬虔な祈りが込められているともみなされよう」と指摘している。

　この第３番について、管理人はノイマン指揮チェコ・フィルのＣＤくらいしか持っておらず、実演を聴くのは初めてだが、フルシャ率いる都響の演奏は優れたものだった。全体にパワフルで起伏に富むが、けっして爆演にならず、各パートのバランスが行き届いていて、引き締まっており、作品の緊迫感が途切れない。特に第２楽章ラルゴの弦の緊密さが印象的で、作品の峻厳な世界を表現している。終楽章の後半でのヴィオラによる主題、また弦楽四重奏（四方恭子、遠藤香奈子、中山洋、田中雅弘の４人）も緻密。実演で聴くと、随所でピアノの音が鮮明になり、特に最後の最後に浄化された響きを何だか邪魔するように聴こえてくるところが、たいへん意味深長に聴こえてくることも、新しい発見だった。この作品の魅力を存分に伝える好演と言ってよいだろう。こういう演目を組んだフルシャの意欲的な姿勢と、その統率力を高く評価しておきたい。ぜひ今後もマルティヌー作品を積極的に取り上げてほしいと思う。

　余談だが、Ａ・Ｂ両定期とも、矢部、双紙、鈴木、古川といった首席の面々が乗っていなかったのは、みなさん小澤チルドレン、じゃなくてサイトウ・キネンでニューヨークに行っていたらしい。

【データ】
　指揮：ヤクブ・フルシャ
　ピアノ：ニコライ・ルガンスキー
　コンサートマスター：四方恭子
　<曲目>
　リスト：交響詩「レ・プレリュード」S.97（16'30"）
　ショパン：ピアノ協奏曲第１番ホ短調Op.11（Ⅰ21'05" Ⅱ10'15" Ⅲ9'25"）
　[アンコール]ショパン：幻想即興曲（4'40"）
　マルティヌー：交響曲第３番H.299（Ⅰ8'50" Ⅱ8'30" Ⅲ11'40"）

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松野迅ヴァイオリン・リサイタル

■松野迅ヴァイオリン・リサイタル
2010年12月18日（土）18時開演　王子ホール

　インキネン＆日フィルの「第９」に続いて、軽妙なトークをはさんだヴァイオリン演奏とともに、エッセー集も数冊発行して多彩な活動をつづけている、ヴァイオリニスト松野迅さんのリサイタルを聴きにいく。ショパン＆シューマン生誕200年、吉田隆子生誕100年にちなんだプログラムとなっている。

　関係者から頂いたチケットで聴いたので、演奏評的なことは差し控えさせていただくが、この日一番の聴きものは、前半の最後に演奏された吉田隆子の「ソナタニ調」だったろう。吉田隆子は、1910年2月12日生まれで、1956年3月14日に46歳で生涯を閉じた女性作曲家。「火山灰地」「日本の気象」などの作品で知られる劇作家・久保栄（1900～1958）の妻でもあった。戦前のプロレタリア文化運動に参加し、当夜演奏された「ソナタニ調」は1952年に完成されている。松野氏自身のプログラムノートによると「このソナタは、久保栄の戯曲《火山灰地》のために書かれた劇音楽を、器楽曲に編み直した作品」であり、「戯曲のそれぞれのシーンに呼応しながら、ソナタ形式という弁証法を取り込んでいった痕跡が、作品としての風格を示している」とされる。劇中の「舟こぎ歌」「あみこき歌」などが織り込まれており、作曲者自身が琴の演奏の心得があっただけに、ピアノのグリッサンドに琴の音色が映されているという。この作品にはダブルストップも多用され、エオリア旋法を援用しつつ、そこに日本音楽の旋法が織り交ぜられている。濃密な大曲となっており、聴きごたえがあった。実は、2004年に劇団民藝が「火山灰地」を再演したのを見た時、この音楽も聴いているはずなのだが、恥ずかしながらそのことをまったく失念していた。以下、メモランダムとして、松野さんのプログラムノートから抜き書き――。
＊第１楽章　うねるようなリズムに乗る「舟こぎ歌」から始まります。拍子や速度が自然の導きのように変化してゆきます。
＊第２楽章　ヴァイオリンは弱音器を駒に装着し、中間部分は弦を重音ではじきながら三味線のような音色をつくります。そのまま第３楽章につづきます。
＊第３楽章　遠くから近づいてくるかのようなヴァイオリン独奏からはじまり、やがてピアノの激しいグリッサンドが、幾重にも襲い来たる情感をかき立てます。最後は静かに、長調のハーモニーで消え入るように終結します。

　吉田作品以外の曲もそれぞれに魅力的だったが、特に印象深かったのは、シューマンのピアノのための組曲「森の情景」から、ヤッシャ・ハイフェッツが編曲した「予言鳥」という作品。ちょっと調性のとりにくい、現代的で不思議な響きのする音楽だ。管理人はよく知らなかったが、ハイフェッツ自身のほか、シェリングやパールマンなども録音を残しているらしい。他方、ショパンの作品を、ミッシャ・エルマンやフリッツ・クライスラーがヴァイオリン作品に編曲しているというのも面白い。

　また、ニーノ・ロータ作曲の「ジェルソミーナ」も興味深かった。この音楽自体はバンクーバー冬季五輪で高橋大輔選手の演技でも使用され、耳になじんだ作品だが、フェデリコ・フェリーニ監督の映画「道」のなかでこれを演奏していたのは、かつてイ・ムジチ合奏団首席奏者でもあったピーナ・カルミレッリさんだったそうだ。映画制作当時（1954年）には演奏者が公表されなかったので、その事実は知られていなかったが、1980年代に松野さんとカルミレッリさんとの交友のなかで偶然その事実を知らされ、ニーノ・ロータの遺族の許諾をうけて、ヴァイオリン曲として編曲したそうだ。管理人は「道」という映画には若干の思い出があって、たしか小学生の時、母親に連れられて初めて映画館で観た洋画が、この作品だったと記憶する（ピエトロ・ジェルミ監督の「鉄道員」とともに、リバイバルの２本立て上映だった）。最近、こういう味のあるヒューマン・ドラマを見る機会が減ったな、などと胸中いろんなものが去来した。

【データ】
　ヴァイオリンとおはなし：松野迅
　ピアノ：曽我尚江
　<曲目>
　ショパン（エルマン編）：ノクターン第２番（4'15"）
　シューマン：３つのロマンス（Ⅰ3'00" Ⅱ3'55" Ⅲ4'25"）
　吉田隆子：ソナタニ調―ヴァイオリンとピアノのために（Ⅰ5'35" Ⅱ5'40" Ⅲ8'20"）
　ショパン（クライスラー編）：マズルカ（2'25"）
　ショパン：かなしみの川（2'50"）
　シューマン（ハイフェッツ編）：予言鳥（組曲“森の情景”より）（4'50"）
　瀬越憲（松野迅編）：すみれ（4'40"）
　ニーノ・ロータ（松野迅編）：ジェルソミーナ（映画<道>より）（4'55"）
　[アンコール]
　　吉田隆子：君死にたもうことなかれ（4'15"）
　　ショパン（松野迅編）：天使の梯子（ピアノソナタ第２番第３楽章より）（5'00"）

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