オペラ

新国立劇場オペラ「チェネレントラ」

■新国立劇場オペラパレス「チェネレントラ」
2009年6月12日（金）19時開演　新国立劇場オペラパレス

　今月は劇場通いをとんとご無沙汰しているが、なんとかやりくりして、忙中閑で新国立劇場の「チェネレントラ」に出かけた。作品自体は別に特段好きな作品ではないのだが、ヴェッサリーナ・カサロヴァとアントニーノ・シラグーザのロッシーニ作品での共演は、新国立の今シーズンのベスト・キャストだろうから、チケットを無駄にするわけにはいかない。結論から言えば、期待に違わず歌手の水準が高く、「声の饗宴」として大いに楽しめる公演だった。開場10年を超えて、ようやくこの作品を上演するにいたったことは、まず歓迎しておきたい。

　灰かぶり娘（チェネレントラ）と呼ばれるアンジェリーナ役はヴェッセリーナ・カサロヴァ。評者は今春の「カルメン」を観ていないので、彼女の実演に接するのはチューリヒ歌劇場「ばらの騎士」のオクタヴィアン以来のことだ。率直にいえば、彼女はあまりに威風堂々としているので、冒頭の「昔ひとりの王様が」はやや凄味が効きすぎるし、姉二人とは初めから立場が逆転しているように見えることは否めない。この役が本当に適役なのかどうかといえば、若干の疑問が残る。だが、声量の豊かさにくわえ、表現の深さから説得されてしまう。アジリタの技術の確かさはさすがというしかない。最後のアリア「苦しみと涙のために生まれ」は、２オクターヴと３度の広い音域を駆け回る大変な難曲だが、きわめて正確でかつ押し出しがよく、聴きごたえがあった。

　ドン・ラミーロのアントニーノ・シラグーザは、ロッシーニ・テノールとして第一級だが、初日を聴いた人からは多少不満の声が聴こえていた。だが、３日目となるこの日の公演では、第１幕こそややセーブした感もあったが、カサロヴァとの二重唱などでは伸びやかな美声を聴かせてくれた。さらに、第２幕のアリア「そう、誓って彼女を見つけ出す」ではエンジン全開。ハイＣを何度もぴたりと決め、場内はブラヴォーの嵐と大喝采。シラグーザもノリノリで、アンコールに後半部分を歌い、そこではハイＣおり上の装飾音符を付ける大サービスで、客席からはどよめきの声が上がった。

　意外に面白かったのは、ダンディーニ役のロベルト・デ・カンディア。新国立劇場では、「マノン・レスコー」のレスコーや、「セヴィリアの理髪師」のフィガロなどですでにおなじみの歌手だ。この人はコミカルな演技力が長けていて、狂言回し的な役割を発揮する。ぜひレポレロやパパゲーノなども観てみたいと思うが、どうだろうか。ドン・マニフィコ役のブルーノ・デ・シモーネも好演。特に、第２幕のアリア「娘のうちのどちらでも」での早口言葉やファルセットをぴたりと決め、お調子者ぶりを的確に表現する。

　このなかでは、アリドーロ役のギュンター・クロイスベックが歌唱・演技とも四角四面すぎる印象をぬぐえなかった。ポネルの演出では、アリドーロと作曲者ロッシーニとが重ね合わせられているというのだが、もう少し軽さをだしてもらわないと、説教臭いザラストロのようにも見えたのが残念。日本人歌手二人（幸田浩子・清水華澄）は、あまりに威風堂々としたカサロヴァとの対比ではいささか気の毒だが、演技面では健闘していたと思う。新国立劇場合唱団の男声陣も、演技も含めて好演していた。

　いささか不満が残ったのは、デイヴィッド・サイラスの指揮。特に、第１幕ではロッシーニにしてはいささか弦の響きが厚ぼったく、音楽が弾けてこない。第２幕に入り、ロッシーニ・クレッシェンドの魅力も伝わってきたが、東フィルの場合、藤原歌劇団が招いたアルベルト・ゼッダの指揮ではあれだけシャンパンが弾けるような音を出していたのだから、指揮者にはもうひと頑張りしてほしかった。

　演出はジェン＝ピエール・ポネルによるオーソドックスなもの。評者は未見だが、この演出にもとづくアバド指揮の映画版はＤＶＤ化されている。ドン・マニフィコの屋敷は、二つのある階段の一つが崩れ落ちており、雨漏りもするなど荒れすさんでいる。宮殿に呼ばれたドン・マニフィコの着る紫色の上着があちこち擦りきれているのも、一家の零落ぶりを分かりやすく表現する。「チェネレントラ」のような作品の場合、あまり現代的読み替えがしっくりくるとは思えないので、所作がきちんとついていて分かりやすい舞台は好ましい。幕を効果的に使いながら、そのあいだに装置を巧く転換し、暗転で音楽の流れを止めてしまわない工夫が感じられる演出だ。ただ、亡きポネルのもとで仕事をしてきたアサガロフの再演演出のせいか、動きの詰めの甘さもあったのではないか。とはいえ、よくまとまった舞台で十分楽しめた。客席の反応も熱いものがあった。

【データ】
　指揮：デイヴィッド・サイラス
　演出・美術・衣裳：ジャン＝ピエール・ポネル
　再演演出・演技指導：グリシャ・アサガロフ

　ドン・ラミーロ：アントニーノ・シラグーザ
　ダンディーニ：ロベルト・デ・カンディア
　ドン・マニフィコ：ブルーノ・デ・シモーネ
　アンジェリーナ（チェネレントラ）：ヴェッセリーナ・カサロヴァ
　アリドーロ：ギュンター・グロイスベック
　クロリンダ：幸田浩子
　ティーズベ：清水華澄

　合唱団：新国立劇場合唱団（合唱指揮：三澤洋史）
　管弦楽：東京フィルハーモニー交響楽団

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新国立劇場オペラ劇場「ワルキューレ」

■新国立劇場「ワルキューレ」
2009年4月9日（木）17時開演　新国立劇場オペラパレス

　「ワルキューレ」は「トーキョー・リング」再演の第２弾。17時開演のソワレを見に行ったら、終演は22時35分ごろになり、自宅に帰りついたら日付が変わってしまった。

　ひきつづきキース・ウォーナーの演出がよく練られていて面白い（以下、ネタバレ注意）。第１幕のフンディングの屋敷では、まず木目調のダイニングルームがこしらえられているが、人間の大きさに比して異様に巨大なテーブルと椅子が目をひく。また、下手に寝室への出入口となるドアがあるほかは、周囲が閉ざされた空間になっている。この舞台装置は、家族制度のなかでフンディングのジークリンデに対する家父長的・抑圧的な関係を象徴するものだろう。それは、ジークリンデがフンディング家からの脱出を決意するとき、ダイニングテーブルがバキッと二つに割れてしまうこと、幕切れで舞台の奥の壁が開いて緑なす野原へと二人が出ていくことからも裏書きされる（もっとも最後は二人が奈落へ飛び降りるようにも見える）。テーブルのところに、ヴォータンの槍先を示す赤い矢印が上から出てきているのは、物語全体へのヴォータンの意思が貫徹していることを示すものだろう。

　第２幕では、奥に「ラインの黄金」の最後に登場したヴァルハル城の一部が見え、その隣にあるヴォータンの執務室か書庫といった雰囲気だ。ここに出てくるフリッカだけが「ラインの黄金」と同じ神々の衣裳を身につけていることは、彼女のもちだすモラルがすでにアナクロになっていることを示すものだろう。また、ブリュンヒルデが子ども向けの木馬に乗ってやってくるのは、彼女の幼児性を際立たせ、父ヴォータンの視点からはあくまでも子どもにすぎないことを強調しているのだろう。また、ここでブリュンヒルデの持っている楯が「赤十字」だというのが目をひく。「ラインの黄金」と同様、ヴォータンが映写機を運転しながら、ブリュンヒルデに対して昔語りを始める。ヴォータンがミニチュアの槍の先を地図に突き刺す場面が出てくるが、ここでは槍の先がそれぞれ、フンディングの屋敷や鍛冶場などを指示している。

　だが、最も秀逸なのは、やはり第３幕第１場だろう。「ラインの黄金」第４場で新築された真白のヴァルハル城を利用しつつ、そのセットが野戦病院あるいは死体処理施設のようになっている。「ワルキューレ」（Walkure）が「いくさ乙女」であることは周知のとおりだが、「ヴァルハル」（Walhall）はもともとWal（戦場、戦士）とHalle（広間）を意味しており、初めから「戦争」とは切っても切れない意味をもつ。その意味を鋭くとらえ、見事に可視化した舞台と言えるのではないか。ワルキューレたちは、やはり赤十字の楯をもち、兵士の死体（？）を乗せたストレッチャーを押したり、それに乗って足をばたつかせたりしながら、「ホヨトホー」の喚声をあげている。世界を支配する「神々」が戦争と不可分の関係にあることを示唆するこの舞台の初演は2002年だったが、それが2001年の9.11テロとアフガニスタン戦争開始後であり、2003年のイラク戦争の準備期だったことを想起しないわけにはいかない。

　第３幕第２場では、グラーネの木馬が巨大なモニュメントになって舞台中央に置かれ、この周囲で父と娘の対話がおこなわれる。第１場から第２場への転換は、病院が舞台奥にはけて、そこに奈落から木馬が出現するということでスムーズにおこなわれ、４面舞台を備えた新国立劇場の機能が十二分に生かされている。第３場の「魔の炎の音楽」のところでは、ブリュンヒルデは大きなジュラルミンのベッドの上に横たわるが、舞台上手には小さな木馬が再び登場する。このあたりは、父と娘との間の心理的な関係性を表現しているのだろう。このほかにもいろんな読み解きは可能だろうが、以上のように、この作品全体に垂れこめる「戦争」のイメージと「家父長制」のイメージを、象徴的な形できわめて明快に描いて見せたところが、ウォーナー演出の勘どころではなかろうか。いわゆる「読み替え」というよりも「読み込み」といったほうが適切だろうが、よく練られたコンセプトの演出だと感心する。

　演奏について。「ラインの黄金」と比較しても、歌手に大きな穴がなく、水準の高い上演だった。最も印象に残ったのは、ジークリンデのマルティーナ・セラフィン。美貌のジークリンデというのは、それだけで感情移入してしまいたくなる。声もよく飛んでくるが、一本調子でなく、歌詞に応じた歌の表情の変化、情感の込め方が自然であり、かつ練り上げられていて素晴らしい。ブリュンヒルデのユディット・ネーメットは、第２幕ではやや抑え気味だったが、第３幕の「ワルキューレの騎行」以降は、ワルキューレたちのなかでも圧倒的に頭抜けた歌唱を聴かせたし、ヴォータンとのやりとりでは、父親に対して情感に訴える切々とした表現もみられた。フリッカのエレーナ・ツィトコーワは「ラインの黄金」の時の「愛人兼秘書」といった人物造形から切り替え、食えない古女房ぶりを表す堂々とした歌唱で、論理的にヴォータンを詰問してたじたじにさせる貫禄を感じさせ、これもお見事だった。

　男声陣では、ヴォータンのユッカ・ラジライネンは、第２幕ではセーブモードの印象だったが、第３幕ではパワー全開で父親の威厳を強調する一方で、「ヴォータンの告別」ではじっくりした表現で父親の情も感じさせ、ブリュンヒルデとのやりとりはなかなか感動的だった。ジークムントのエンドリック・ヴォトリッヒは、のどの奥が詰まったような発声があまり好きではないし、第２幕後半ではややバテてきた印象もあったのは残念。ただ、この人はボディビルダーのような見事な体躯の持ち主で、ジークリンデとのコンビはヴィジュアル的に決まっていた。フンディングのクルト・リドルは、ヴィブラートの大きい歌唱がいささか大時代的な印象もあったが、たいへん力強い歌唱で、この家父長制の権化のような人物像を巧みにつくりあげ、ヴェテランの風格を感じさせた。

　日本人歌手は、今回は８人のヴァルキューレたちに起用された女性歌手だけ。残念ながら、あまり声の飛んでこない人も一部に見られたが、ドアを次々に蹴とばして開けていくヘルムヴィーゲの平井香織は、なかなか格好良く、敢闘賞ものだ。

　ダン・エッティンガー指揮の東京フィルは、おそらく昨年の東京二期会公演に出演したメンバーがたくさんいることもあるのだろうが、「ラインの黄金」と比べてもよく練り上げられ、とくに弦楽陣の厚みと艶のある響きは聴きごたえがあったし、木管も健闘していた。金管は第２幕でホルンなどにやや疲れが見えたが、第３幕ではトロンボーンを中心に馬力のある演奏を聴かせた。なお、ピットの中は低弦が下手におかれ、バイロイトを意識した配置を採用していたことに注目した（ミヒャエル・ボーダーも「オランダ人」の時にほぼこの配置だったと記憶する）。

　海外の歌劇場の来日公演に比べればかなり安い料金（といってもヨーロッパの現地よりは相当高いが）で、この良質なプロダクションを見られることを素直に喜びたい。

【データ】
　指揮：ダン・エッティンガー
　初演演出：キース・ウォーナー
　装置・衣裳：デヴィッド・フィールディング
　照明：ヴォルフガング・ゲッベル

　ジークムント：エンドリック・ヴォトリッヒ
　フンディング：クルト・リドル
　ヴォータン：ユッカ・ラジライネン
　ジークリンデ：マルティーナ・セラフィン
　ブリュンヒルデ：ユディット・ネーメット
　フリッカ：エレーナ・ツィトコーワ
　ゲルヒルデ：高橋知子
　オルトリンデ：増田のり子
　ヴァルトラウテ：大林智子
　シュヴェルトライテ：三輪陽子
　ヘルムヴィーゲ：平井香織
　ジークルーネ：増田弥生
　グリムゲルデ：清水華澄
　ロスヴァイゼ：山下牧子
　管弦楽：東京フィルハーモニー交響楽団

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新国立劇場オペラ研修所公演「カルメル会修道女の対話」

■新国立劇場オペラ研修所公演「カルメル会修道女の対話」
2009年3月15日（日）14時開演　新国立劇場中劇場

　フランスの作曲家フランシス・プーランク（1899～1963）のオペラ「カルメル会修道女の対話」は、フランス革命当時のコンピエーニュ16修道女の殉教という歴史的事実をもとに書かれた作品。20世紀ドイツの女性作家ゲルトルート・フォン・ル・フォール男爵夫人の小説「断頭台の最後の女」を原作としている。作品のあらすじは以下のようなものである。

　1789年、革命下のパリ。ド・ラ・フォルス侯爵家の令嬢ブランシュは、内気で怯えやすい少女。度重なる暴動の不安から、修道院に入ることを決意する。折りしも、革命政府の政策による宗教弾圧が激しさを増し、カルメル会修道院の閉鎖が告げられてしまう。修道院を守ろうと殉教の誓いを立てた修道女たち。だが、待ち受けていたのは収監と死刑判決であった。1794年7月17日。修道女たちは聖母マリアを称えつつ、断頭台へとのぼっていく…。（新国立劇場ホームページより）

　死の恐怖を前に、人は信念を貫きうるのか――。こういう普遍的で重い問いをテーマにした作品と言えるだろう。その主題は、遠藤周作の小説をもとにした松村禎三のオペラ「沈黙」とも共通している。フランス革命の騒乱のなか、主人公の少女ブランシュの弱さと苦悩に焦点をすえ、最後は修道女たちが革命裁判によって断頭台に送られるという、あまりにも救いのないドラマだ。同時に、第１幕では修道院長マダム・ド・クロワッシーが、死の恐怖におびえながら亡くなるという「狂乱の場」ともいうべき場面もある。幕切れではシャキーンというギロチンの効果音がおぞましく、そこに付けられたのは新古典主義的で美しい明晰な音楽というところが、いわく言い難い気分にさせられる。修道女たちは「サルヴェ・レジーナ」を歌っているが、一人ずつ断頭台に送られるごとに歌声は小さくなり、やがては消えてしまう。

　以前サイトウキネン・フェスティバルでも上演されたというが、国内ではあまり上演機会がない作品だけに、新国立劇場オペラ研修所の公演として、比較的廉価で本格的な舞台上演を見られたことはありがたい。ロベール・フォルチューヌの演出は、白を基調としたきわめて簡素な装置で、青や橙色の照明が効果的に活用され、すっきりとした舞台に仕上げていた。特に読み替えるというようなところはない素直な演出だが、歌手が棒立ちというようなことはなく、それなりに自然な所作もついていて、好感の持てる舞台となっていた。

　研修生たちのまだ重くなる前の若々しい歌声が、こういう作品には合致している。ブランシュの上田純子は伸びやかな歌唱で好演。賛助出演の鷲尾麻衣のコンスタンスも、高音の抜けが良い軽めの声で、印象に残った。マサー・マリーの堀万里絵は、やや高音が厳しそうだったが、凛とした雰囲気を醸しだしていた。マザー・ジャンヌ役を演じたのは、賛助出演の茂垣裕子だったが、ネザーランド・オペラの専属歌手とした活躍しているだけに、深々とした表現で存在感があった。ジェローム・カルタンバック指揮の東京ニューシティ管弦楽団は、フランスものにしてはやや硬い印象があったが、手堅くよくまとまっていた。

【データ】
　指揮・音楽指導：ジェローム・カルタンバック
　演出・演技指導：ロベール・フォルチューヌ
　美術：クリストフ・ヴァロー
　照明：八木麻紀
　舞台監督：金坂淳台
　ヘッド・コーチ：ブライアン・マスダ
　ピアノ・チェレスタ：大藤玲子
　管弦楽：東京ニューシティ管弦楽団

　ド・ラ・フォルス侯爵：駒田敏章
　ブランシュ・ド・ラ・フォルス：上田純子
　騎士：糸賀修平
　マダム・ド・クロワッシー：小林紗季子
　マダム・リドワーヌ：中村真紀
　マザー・マリー：堀万里絵
　コンスタンス修道女：鷲尾麻衣
　マザー・ジャンヌ：茂垣裕子
　マチルド修道女：東田枝穂子
　司祭：中嶋克彦
　第１の人民委員：村上公太
　第２の人民委員：駒田敏章
　看守：近藤圭
　ティエリー（従僕）：能勢健司
　ジャヴリノ（医師）：能勢健司
　役人：駒田敏章
　修道女たち：
　　岩田千里、川合ひとみ、工藤あかね、立花正子、富岡明子、原山桃子
　　前嶋のぞみ、安田麻佑子、山川知美、湯浅桃子、吉田静

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新国立劇場オペラ劇場「ラインの黄金」

■新国立劇場オペラ劇場「ラインの黄金」
2009年3月10日（火）18時30分開演　新国立劇場オペラパレス

　2001～04年に連続的に上演されたキース・ウォーナー演出の「ニーベルングの指環」――いわゆる「トーキョー・リング」が帰ってきた。前回の上演の時は、後半の２作品「ジークフリート」「神々の黄昏」しか観ることができず、今回初めてこのシリーズの「ラインの黄金」を観た。

　キース・ウォーナーの演出は、ポップな感覚の舞台として、これまでにも随分語られてきた。今回の公演パンフレットには、三宅幸夫氏の「作品解説」が収められているが、そこにまとめられた「演出のポイント」は読解のヒントを与える。そのなかで三宅氏は「まず『世界の生成』を表す序奏には、映写機を客席に向けたヴォータンの姿が現れます。おそらくウォーナーは４部作全体を『世界の没落』と題するドキュメンタリー・フィルムとして扱うつもりなのでしょう。事実、第１場『ラインの河底』は巨大なスクリーンを前にした映画館の内部という設定だし、第２場『広々とした山の高み』と、第３場『ニーベルハイム』の舞台額縁も、この湾曲した形状を保っています。さらに付け加えるならば、この第２場と第３場の額縁は左右が逆で、画面に添えられた神々の城『ヴァルハル』と小人族の里『ニーベルハイム』の文字も上下が逆になっています。つまりヴォータンに象徴される神々の世界と、アルベリヒに象徴される小人族の世界は、遠く離れているようにみえるが、じつはポジとネガという近しい関係にあるわけなのです。この一点だけみても、今回の演出が細部の『クレイジーな』効果を狙っていると同時に、ドラマの全体構造の『まっとうな』視覚化を試みていることは明らかでしょう」とのべている。

　三宅氏の指摘はそれなりに的を射たものと思われるが、この演出の登場人物たちは、氏のいう「ヴォータン＝ベンチャー企業の社長」よりも、もっとアングラ的な拝金主義と粗野な暴力の世界に浸っているのではないか。もともと「リング」の神々は、卑俗きわまる金の亡者というべき存在だが、この演出では闇金などで暴利をむさぼり裏社会で名をなした経済ヤクザの一家といった感じにしか見えない。これにたいして、アルベリヒは歌舞伎町あたりにはびこるアジアン・マフィアといった雰囲気だし、巨人族もやはり外国系のマフィアといった感じだ。大沢在昌や馳星周らのハードボイルド小説に描かれる新宿の裏社会の縄張り争いではないか、とさえ思えてくる。フリッカなどは雰囲気が軽くて、闇金の帝王の秘書兼愛人といった風情（「ミナミの帝王」シリーズの竹井みどりみたい）さえ漂う。

　「リング」に「拝金主義」さらには「資本主義」の影の部分に対する批判を読みとろうとする試みは、たとえば英国のフェビアン派社会主義者でノーベル賞作家のバーナード・ショーが『完全なるワーグナー主義者』のなかで強調したアプローチであり、それは歴史的に名高いパトリス・シェロー演出にも通じるものがある。もっとも、シェロー演出については、ヴォータン＝19世紀のブルジョア、アルベリヒ＝鉱山をほりあてた新興成金といった読み解きがされるが、これにたいしてウォーナー演出の場合、19世紀という歴史性からは離れている。21世紀の新宿、あるいはソウルや香港で起こっている“アングラマネーのからんだ権力闘争”という印象が近い。ヴォータンがアルベリヒから指環を奪い取るシーンで、ヤクザが指をつめさせられたかのように、あえて血を流させたことからも“マフィアの権力闘争”という見方があてはまるだろう。一度そういうつかみ方をしておけば、実は意外にも、全体として物語の展開に忠実な演出と言えるようにも思われる。

　もう一つ、この演出の解釈で面白いのは、そうした権謀術数をめぐらす人々のあいだで、フライアとファーゾルトの二人は純情な心の持ち主であり、フライアが巨人族兄弟に連れ去られた後、二人の間には明らかに恋愛感情が芽生えているという設定にしたことだ。金の亡者というべき人々に翻弄され、最後は弟ファフナーにファーゾルトが殺害されることによって、永遠に引き裂かれてしまう二人の存在は、悲劇的というほかない。他方、第３場でアルベリヒがいかにも金で篭絡した感じで黙役の若い女を連れているが、彼がヴォータンらに捕らえられた後、この女がミーメを誘惑にかかるという設定も興味深い。果たして「黄昏」のハーゲンは、アルベリヒの息子か、それともミーメの息子か、という謎かけのようでもある。また、アルベリヒが自分の腹を刺す場面は自己去勢だろうが、その意味についてはいろんな議論が生じるだろう。

　演奏について。圧倒的な存在感を示したのは、アルベリヒ役のユルゲン・リン。どす黒い野望を抱いた人物像を、豊かな声量を背景に、時には囁くような歌唱も採りいれながら巧みに表現した。カーテンコールで一番拍手をもらっていたのも肯ける。ヴォータン役のユッカ・ラジライネンは、前半は抑え気味でやや端正すぎる印象だったが、第３場あたりから次第に凄みが出てきた。ローゲ役のトーマス・ズンネガルドは、いかにも巧言令色のイリュージョン使いという感じで（綾小路きみまろに見えて仕方なかったが）面白みがあった。フリッカ役のエレナ・ツィトコーワは、上に書いたようにこの役には珍しい「愛人兼秘書」風の人物造形で、つい以前のケルビーノやオルロフスキーを思い出してしまったが、歌唱はしっかりしていて声もよく飛んでくる。エルダのシモーネ・シュレーダーは短い出番ながら、深々とした声と表現で印象に残った。日本人ではフライア役の蔵野蘭子が、ワーグナー歌手として実績を積んでいる人だけに、存在感があった。男声陣もそれぞれ健闘したものの、新国立に久々に登場したフロー役の永田峰雄の美声を聴けたほかは、多少不満が残った。長谷川顕の音程と稲垣俊也の発音は、特に改善の余地があろう。

　ダン・エッティンガー指揮の東京フィルは16型という大きな編成、金管を上手、コントラバスを下手におくという配置で、ピットに所狭しと収まっている。中庸で引き締まった音づくりだが、たとえば巨人族の登場のところでは思い切ってテンポを落とし、金管や打楽器を豪快に鳴らすなど、ところどころ興味深いアプローチがみられた。東フィルはもっと弦の艶やかさがほしいし、ホルンには毎度のことながらひやひやしたが、それでも健闘したと言えるのではなかろうか。まずは２時間40分、楽しめる好演だった。

《以下、超くだらない追記》
　この公演、実相寺昭雄が演出したら、アルベリヒは大蛇じゃなくて「エレキング」に化けそうだ。なぜなら、ダンがピット星人と闘っているから…。

【データ】
　指揮：ダン・エッティンガー
　演出：キース・ウォーナー
　装置・衣裳：デヴィッド・フィールディング
　照明：ヴォルフガング・ゲッベル

　ヴォータン：ユッカ・ラジライネン
　ドンナー：稲垣俊也
　フロー：永田峰雄
　ローゲ：トーマス・ズンネガルド
　ファーゾルト：長谷川顕
　ファフナー：妻屋秀和
　アルベリヒ：ユルゲン・リン
　ミーメ：高橋淳
　フリッカ：エレナ・ツィトコーワ
　フライア：蔵野蘭子
　エルダ：シモーネ・シュレーダー
　ヴォークリンデ：平井香織
　ヴェルグンデ：池田香織
　フロスヒルデ：大林智子
　管弦楽：東京フィルハーモニー交響楽団

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東京二期会オペラ劇場「ラ・トラヴィアータ」

■東京二期会オペラ劇場「ラ・トラヴィアータ」
2009年2月12日（木）18時30分開演、15日（日）14時開演　東京文化会館大ホール

　東京二期会ではこれまで、宮本亜門演出でモーツァルトのダ・ポンテ三部作を上演してきた。「フィガロの結婚」は活きいきとした舞台が魅力的だったし、「コシ・ファン・トゥッテ」では劇中劇のような手法をとった着想が成功していた。9・11後のニューヨークＷＴＣ前のような廃墟を舞台にした「ドン・ジョヴァンニ」は大胆きわまる読み替えで賛否は分かれたが、管理人には面白かった。その彼が今回はヴェルディの傑作「ラ・トラヴィアータ」（椿姫）の演出にとりくんだので、初日の澤畑組、楽日の安藤組の両方を観た。二期会としては、この作品では20年ぶりの新制作だそうだ（以前は泰西名画のような栗山昌良演出）。新国立劇場や藤原歌劇団の「椿姫」がいずれもオールドファッションの舞台なので、それらと差別化を図ろうという試みは肯けるものだ。

　今回の舞台は全体的に抽象的な装置。下手から上手にかけて上り坂になり、上手奥に三角形の頂点があるような舞台をこしらえ、白黒の市松模様にも似た図柄を配した壁を立てて、閉ざされた空間を作り上げる。上手の坂の上は半透明のアクリルのような板で５枚の扉が作られているが、その板はかなり古びて傷みがきているように見せている。20～30年前に建てられたリゾート施設の廃墟といった雰囲気も漂う。基本的にはこの装置で３幕とも通している（変化については後述）。

　全体に暗い舞台で、死の影がつきまとうのが特徴と言えようか。第１幕では、前奏曲のところで、スリット入りの真っ赤なドレスに身を包んだヴィオレッタが石棺のような寝台に臥せっており、アンニーナとグランヴィル医師が看病のように現れては消えた後、彼女の背後にアルフレードが現れて抱きすくめる。下手の壁の切れ目にはエスカレータ状の階段が設置され、そこからアルフレードは退出し、代わりにジェルモンが一瞬ちらっと姿を見せる。「乾杯の歌」の場面では、上手と下手からそれぞれ群衆が入ってくるが、合唱団は男女とも黒い衣装に黒いどうらんを塗っており、匿名性が強調される。アルフレードとドゥフォールとが殴り合う暴力的場面も登場し、二人の対立が際立たせられる。それにフローラが割って入ったり、ヴィオレッタが止めたり、ガストンやグランヴィルが後ろから抱えるというように、実に細かい所作がつくところは、いかにも宮本亜門らしい演出。また、興味深かったのは「ああ、そはかの人か～花から花へ」の場面。ほとんど照明を落とした舞台で歌うヴィオレッタの背後に、途中で上手奥からアンニーナとグランヴィル医師が入ってくるという、ト書きにない演出を施したこと。こうすることで「花から花へ」のコロラトゥーラが、一気に「狂乱の場」の歌唱に見えてくる。ヴィオレッタは結核ではなく、むしろ重い心の病に侵されているのではないか、といった感覚を覚える設定だ。そもそも平衡感覚をとりにくい舞台装置のうえに、照明を壁の市松模様にあてて、その模様を変容させるように映しだすことで、観客も頭がくらくらしてくる。この場面設定は、第３幕冒頭につながってゆく。そこへ奥の壁が一部開いて、明るい緑の庭からアルフレードが入ってくる。この流れではそれも妄想のように見えてくる。

　第２幕は、同じ舞台装置の奥の壁が３カ所切り取られ、奥には第１幕の最後と同様の白い椿と緑の庭が見える。やってきたジェルモンは、かばんを逆さにして札束をばらまき、それをヴィオレッタに投げつけたり、無理やり握らせようとしたりする。ヴィオレッタは所詮「お金でかたが付く女」という先入見に凝り固まった田舎親父の石頭ぶりを強調した演出だ。第２幕の前半と後半の場面転換は、後ろの壁を元のようにふさぎ、下手から桟橋のような装置をすべり込ませ、そのままフローラのパーティ会場にしてしまい、音楽的には切れ目なく転換するという趣向。もたもた暗転する舞台はつまらないので、このスピーディな展開は好感度大。パーティ客に扮する合唱は、第１幕と同様、黒い衣装に黒いどうらんを塗っている。ヴィオレッタは濃い紫色、フローラは緑色のドレスを身につけて登場。合唱がヴィオレッタに対して「過去の事は忘れて未来の事を考えましょう」と説教しているように見える立ち位置にしたのも興味深い。男性の闘牛の踊りでは、５人のダンザーが登場。骸骨の面をかぶった闘牛士１人と、裸体に牛のペインティングを施した４人という配役になっている。アルフレードが登場し、ドゥフォールといがみ合い、さらにヴィオレッタにつかみかかって、彼女のドレスのスカートを脱がしてしまうというのは、やり過ぎとも思える激しい所作だが、そこへやってきたジェルモンが、女性を辱めるのはけしからんとしてステッキで息子を殴りつける場面につながる。ここで宮本亜門は、ヴィオレッタが、なおも殴ろうとする父親からかばうために、アルフレードの上に覆い被さるという演出を施した。こういう演出は初めて観たが、歌詞とも合致していて納得がいくし、ヴィオレッタの深い愛情を巧みに表現していて、胸がじんとする。こうして第２幕のフィナーレは、感動的な仕上がりになっている。

　第３幕は、第２幕の幕切れの延長のように見える。群衆が取り囲むなか、舞台の中央に赤いドレスになったヴィオレッタが倒れている。群衆は下手に立ち去り、舞台奥の壁に映し出されている群衆の影もぐにゃぐにゃに変形し、やがて消えてしまう。暗い舞台の中にアンニーナとグランヴィル医師が登場し、第１幕の「狂乱の場」との連続性が感じられる。この第３幕でのヴィオレッタは、瀕死の重態のはずなのだが、結構舞台を動き回る。「パリを離れて」の二重唱では、アルフレードに抱きかかえられながら、裸足で歩きまわる。下手にはエスカレータが再び登場し、ヴィオレッタの最後の科白では、そこに照明があてられるので、ひょっとしてヴィオレッタはそこから天に召されるのかと思いきや、それ以上の活用はされないまま、彼女は例の石棺ベッドの上で息絶えて、幕切れとなる。

　演出は以上のような調子で、所作がよく付いているし、人の出し入れが巧いのも宮本亜門らしいな、と感心はする。第２幕の後半はとりわけ面白かった。だが、率直な感想を言えば、実はコンセプトがよく伝わってこず、煮え切らない印象も残らざるをえなかった。先に書いたように、第１幕の「花から花へ」が「狂乱の場」に見えることから、心を病んで古びた閉鎖病棟に送られたヴィオレッタの妄想、ということで全体が貫かれているといった演出なら、賛否はあるにせよ、それとして理解できよう。だが、必ずしもそういう意図でもないようだ。普通に「病気のヴィオレッタの回想」という理解でよいのかもしれないが…。下手のエスカレータも何を象徴しているのか、ただの思いつきなのか、第３幕では結局使われないので、含意が見えてこない。

　「ラ・トラヴィアータ」に現代的演出を施すことは最近の流れだろう。たとえば「ザルツブルク音楽祭2005」で上演され、ネトレプコ＆ヴィラゾン・コンビで話題になったウィリー・デッカー演出の場合、黙役のグランヴィル医師を第１幕からずっと登場させて「主治医による患者ヴィオレッタの追憶」の表現であることが理解できたし、合唱を女声にもすべて男装させたことで「男性優位社会の中で押し潰されるヴィオレッタ」というフェミニズム的な見方さえ可能にしていた。また、フェニーチェ歌劇場が来日公演でも上演したロバート・カーセン演出のように、チョーフィ扮するヴィオレッタを現代のコールガールにして見せた、いささかショッキングな舞台もあったが、あれはあれで「商品化された性」を露悪的に表現した舞台として理解できた。

　これにたいして今回の演出は、コンセプトがありそうでなさそうで、それがきちんと伝わってこない。以前、宮本氏はどこかのメディアのインタビューで“現代的にするといっても、ヴィオレッタをマリリン・モンローに見せるような演出はしない”という趣旨の発言をしていた記憶がある。これは明らかにペーター・ムスバッハ演出への批判を意識した発言だろう。だが、それを上回る明確なコンセプトがあったのかどうか、よく分からない。ヴェルディ・オペラは、モーツァルトに比べると、現代的演出を施すことには困難さがあるように思われるが、それだけになおさら、宮本亜門ならではの冴えを見せてほしいと感じたのは、筆者だけではあるまい。期待が大きかっただけに、これくらい言わせてもらってもいいだろう、こちとら２回とも自腹なのだから…。それから細かいことだが、壁の市松模様は乱視の眼にはちらちらして、眼科で「加齢黄斑変成」の検査を受けているようで辛かったことを付言しておく。

　歌手についていえば、今回ヴィオレッタにスレンダーな澤畑恵美と安藤赴美子を起用したのは、評価しておきたい。澤畑はもともと朗々と声が飛ぶタイプではなく、第３幕のアリアの最高音などはいささか厳しかったが、全体として感情の乗せ方が巧みで、演劇的な表現力は感じられた。もう一方の若手・安藤赴美子は敢闘賞だろう。第１幕でやや細かいヴィブラートが気になったが、尻上がりに調子をあげ、第３幕「さようなら、過ぎし日よ」は説得力があった。ちなみに「花から花へ」の最後を澤畑は高音、安藤は低音ヴァージョンで歌っていた。

　これにたいして男声陣は課題が残る。初日のアルフレードの樋口達哉は、華のある人だが、音程が終始不安定で上に下にはずれていたのが残念。ジェルモンの小森輝彦は、もともとこの役にしては声が暗すぎ、表現もやや一本調子だったが、この演出での頭の固い親爺の雰囲気はでていた。楽日では、アルフレードの井ノ上了吏は、一貫して声がぶら下がり気味で、第２幕前半などやや粗っぽい歌唱だったことが気になった。ジェルモンの青戸知は、声質と表現が甘すぎて、この演出の場合、首をかしげざるをえない（ある知人は「バルトロみたいだ」と言っていた）。それ以外の役では、フローラの小林由佳と渡邊史、楽日のドゥフォールの佐野正一、初日のグランヴィルの鹿野由之などに存在感があった。

　アントネッロ・アッレマンデイの指揮は、４年前の二期会公演の時には、テンポが速すぎて歌手とのちぐはぐが目立ったという悪い記憶がある。今回も歌手の歌いたいテンポとのズレを感じるところはあったが、前回のような破綻はなく、東フィルをきびきびと小気味よくまとめていた。第２幕後半を速めのテンポ設定にして、劇的な緊迫感をつくりだしたのは良かった。

【データ】
　指揮：アントネッロ・アッレマンディ
　演出：宮本亜門
　　　　　　　　　　　　　　（12日）　　　　（15日）
　ヴィオレッタ…………澤畑恵美……安藤赴美子
　フローラ………………小林由佳……渡邊史
　アンニーナ……………与田朝子……磯地美樹
　アルフレード…………樋口達哉……井ノ上了吏
　ジェルモン……………小森輝彦……青戸知
　ガストン子爵…………小原啓楼……髙田正人
　ドゥフォール男爵……鹿又透………佐野正一
　ドビニー侯爵…………村林徹也……福山出
　医師グランヴィル……鹿野由之……三戸大久
　ジュゼッペ……………飯田康弘……橋本大樹
　使いの者………………金努…………須山智文
　給仕（全日）…………浜田和彦

　合唱：二期会合唱団
　管弦楽：東京フィルハーモニー交響楽団
　ダンサー：石田顕慈、鈴木陽平、平原慎太郎、西川卓、大貫勇輔

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