音楽雑感

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冬ソナの音

　ご存じ「冬のソナタ」です。私も見ました。プラトニックラブの典型でしょうね。私の親の世代（昭和一桁生まれ）は普通に、私の世代はちょっとイライラ、今の20代はあほくさ、かもしれません。あれほど禁欲的なドラマも珍しいです。テーマ音楽も実にきれいで、もの寂しくてストーリーにぴったりです。
　しかし、驚いたことがありました。サウンドトラックのＣＤを聴いてみました。当然スタジオ録音です。ところがピアノの音が狂ってました。ピアノで演奏している「初めて」という曲です。たぶんレの音です。ジャズの演奏をする友人にも確認してもらいました。それもちょっとじゃないです。素人が聴いてもはっきりわかります。スタジオのピアノで、しかも録音に使う楽器です。通常ならわかった段階で録音し直しです。そのまま販売するなんて日本では考えられません。音が狂ってることはライブ録音ではよくあります。そこの会場にあるピアノを弾くからです。演奏のためにいちいち調律をしないものも多いです。スタジオ録音でピアノの音が狂ってる。
　これは国民性の違いからでしょうか？大陸の人は考えがアバウトなのかもしれません。これを餃子の問題と関連付けるのは無理があるかもしれません。でも、アバウト過ぎる。

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リベンジ

　フジコ・ヘミングの「ラ・カンパネラ」を初めて聴いた時は驚いた。普通は息もつかない速さで弾く曲を彼女はまったく逆の演奏をした。音を聞かせるのではなく、間を聞かせる演奏だった。この曲のこういう演奏を聴くのは初めてだった。一瞬止まるかな、と思いきや音がしてくる。でも、新鮮な演奏だった。間を聴くということは、次の音を期待することになる。とても不思議な感覚を覚えた。彼女の長年の苦労からこういう演奏が生まれたのだろう。1999年のNHKの放送で有名になった。その時67歳。67歳で見事リベンジを果たしのである。逆転の発想でのリベンジである。
　人生いつになっても諦めないことだとつくづく思った。誰もがリベンジを果たす必要があるとはいえないが、当たり前と思っていることに疑問を持つことは大切である。そのような感性を持ち続けることができれば、私もリベンジが果たせるかもしれない。

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優等生の音楽

　先日久々に親しい友人を訪れた。彼は音楽マルチ、学問マルチ人間で、見た目は武満徹風。作曲家、演奏家、人生の相談者、家庭教師（５教科＋音楽）、料理人、まだほかにもあるかもです。高校の時からの親友で、時々会ってはいろいろウンチクする中です。その彼に、「オフコースの音楽を聴いても涙が出ないのは何でかな？」と言ってみた。彼も同じようです。曲はいいし、詩はきれいだし。小田さんの才能には脱帽です。でも、いくら聴いても涙が出ない。「彼は優等生だから、今まで本気で悩んだり苦労したりしたことがないんじゃないかな」彼はそう言った。言われてみれば音楽もさるとことながら、勉強も超一流（確か東北大学大学院？早稲田大学大学院だったかな）です。彼にかかると、失恋もきれいな詩の世界になってしまう。
　失恋なんてきれいじゃない、私ならドロドロしてきれいな詩になんか決してないらない。「神田川」のような、「若かったあのころ、何も怖くなかった、ただ、あなたの優しさが怖かった」、この中の「あなたの優しさが怖かった」、こういう心の奥底の気持は本当です。よくわかります。小田さんならこういう詩にはならないでしょう。オフコースの曲で涙する人も中にはいるかもしれません。でも、なぜか私と親友は意見が一致しました。
　優等生になりたかったけれど、なれなかったヒガミか？

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１２の歌

　武満徹の作曲したギターのオリジナル曲はソロでは「フォリオス」「エクイノクス」「すべては薄明かりの中で」「森の中で」の４曲です。しかし、編曲では１３曲ありますそれが「１２の歌」（１２曲）と「１２の愛の歌」です。「１２の愛の歌」（一曲のみ）です。
　「１２の歌」は、�．蹈鵐疋鵐妊蝓爾硫痢↓▲�ーバーザレインボー、��サマータイム、�ぃ漢畚嬋蝓↓ゼ困錣譴仁�、��星の世界、�Д掘璽�レットラヴ、�┘劵▲璽▲▲鵐疋┘凜螢ΕД◆↓�ミッシェル、��ヘイジュード、��イエスタデイ、��インターナショナルの１２曲です。ビートルズが４曲ありますから、いかに影響されたかよくわかります。「１２の愛の歌」は一曲書いただけで本人が亡くなってしまいました。曲は「ラストワルツ」です。これらの曲はどれも難しくて（演奏が）、何とか曲になるのは私の場合４曲しかありません。
　私が学生時代に、ある病院の春闘の集会でギターを弾いてほしいと頼まれたことがあります。それは看護婦不足のためにある病院で幼児が亡くなってしまって、その労働条件改善に立ち上がるまでの看護婦の姿を構成詩にしたので、その朗読の時にギターで音楽を弾いてほしいというものでした。そこで早速「インターナショナル」を練習しました。他にはテーマに長調と短調がある「モーツァルトの魔笛の主題による変奏曲」（ソル作曲）の一部を演奏しました。当日の朗読の最後は「インターナショナル」で締めくくりました。当日は５０人くらい組合員が集まり、結構評判でした。その後、ぜひ録音させてくれとその病院のある人から頼まれ、その病院の階段室で３０分一気に録音したのを思い出します。そのテープはいま手元にありませんが、ダビングしておけばよかったと今更のように後悔してます。
　最近、これらの譜面が３０年ぶりに再版され出回るようになりました。懐かしさと同時に今の労働組合はどうなってしまったのかとふと考えます。昔が良かったと考えるのは年をとった証拠でしょうか？

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デジタルとアナログ

　デジタル録音が注目を浴び始めたのはもう35年くらい前だと思います。当時はＰＣＭ録音といってました。今までの録音方法と全く違う方法で、音を０（ゼロ）と１（いち）の信号に変えて録音することでした。つまり音を違うものに置き換えるというこです。信号は連続ではなく厳密には切れています。ですから音に変換するときも厳密には切れています。細かく切ってまたつなげるわけですから、細かいほど音が原音に近くなります。また、音だけを信号にするので録音時の電気的なノイズは基本的にありません。
　それに対してアナログは音がつがっています。テープだったり、版だったりしますが、音は切れていません。録音の良し悪しはテープでいえば、１秒の音の録音する長さが長いほど音は良くなります。
　では、どちらのほうが音がいいか？自分の耳で聞いた限りでは、デジタルでしょうね。録音が良すぎて、誰が作ったギターかわかることもあります。でも、同じ録音をＬＰレコードとＣＤで聴き比べるとどうでしょうか？この時は音の良し悪しよりも体にとってどちらが心地よく聞こえるかどうかが実感できます。アナログは体に受け入れやすいが、デジタルは何となく拒否したい、そう感じます。同じ録音でＬＰとＣＤを聴き比べると大体がそういう感じです。音の良し悪しではなく体にとってどちらがいいか？それは自分の体が答えを出してくれます。別な言い方をすれば、アナログは有機的でデジタルは無機的というです。人間は有機物だから、本来アナログなのでしょう。

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