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最近、忙しくてお芝居を観にいく機会も減ってしまいましたが
たまに劇場(主に小劇場系)に足を運ぶと 多くの作品が、どこかに笑いを盛り込もうとしているように思えました。
終始重い雰囲気であるよりは、途中でほっと力の抜ける場面がある方が 観ていて楽だと思いますが、その「笑い」の種類について気になったことがあります。 それはいまだに食べ物を食い散らかしたり、下ネタを連発したりすることで 笑いをとろうとする芝居があるということです。 どうして、そういうネタに走ってしまうのでしょう。 それについてわたしは「生」と「性」というものが笑いにしやすいからだと解釈しました。 生きている以上、食べることや排泄することと無関係ではいられないし 個人差はありますが、たいていの人は性に対して何らかの関心があると思います。 つまり食べ物ネタや下ネタは感覚的に「わかりやすい」というわけです。 しかしそれは創造性に乏しく、たとえ一度目は失笑を含めて「笑い」を得たとしても 二度目の「笑い」は容易に得られないと思います。 (中には普遍的な下ネタというのもあるにはありますが)
なぜなら、それらはあくまでも不意打ちの笑いであって、観客に心構えができてしまえば 面白くも何ともないからです。 ただそういう類の笑いをすべて否定するつもりもありませんし 「生」や「性」に触れることが悪いと言うわけではありません。 安易な使い方は飽きられるし、嫌悪感抱く人もいると思うだけです。 本当に質の高い笑いとは、何度観てもおかしいものだと自分は思っています。 だから古典と呼ばれるものは幾時代を経ても人々に愛されているではありませんか。 いつか舞台に復帰したら、その域に少しでも触れるぐらいになりたいものです。 うーん、何だか評論ぽい文章になってしまった。 でも食べ物を粗末にするのはやっぱりよくないですよね… |
演劇
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コメント（10）
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昨日「望月」の歌を書いていて、ふと思い出した人がいました。
その人は、劇団時代の先輩でもあり、前のブログのゲストでもありました。
ちょっと変わっていて、わたしがブログで月を題材にした失恋の詩を書いたところ
「よかったねえ。月に感謝しなくちゃ
 」というコメントを書いてくるような人でした。 思い出したのは、笑うに笑えない、その人のあるエピソードです。
それは、時々お手伝いにいっていた、中高生を対象にした演劇ワークショップでのことでした。
ワークショップの期間の前半は
与えられたテーマやキーワードに基づいて、身体だけで表現を行うというのが恒例でした。
参加しているこどもたちは、４、５人のグループに分かれ
そこにボランティアスタッフ（助言を与えたり、一緒に場面を作ったりする大人の参加者）が入り
その日の発表会の開始時刻まで、あれこれと相談しながら、場面を作っていきました。
その中で、あるグループは「魔物に襲われる兄妹」の場面を作ることになり
兄と妹、そして二人に襲いかかる魔物の役を振り分けていました。
幼い兄弟は、最年少の中学生二人が演ることになり、その他は魔物ということで決まりかけた時
ボランティアスタッフとして参加していた先輩が異論を唱えました。
先輩は、十年以上も、このワークショップに参加してきたベテランでした。
「わたし、魔物なんて嫌」
また始まった…と他のスタッフは眉をひそめましたが、彼女は平気で続けました。
「わたしは、こどもたちをイイ子イイ子しながら、魔物たちから守る女神さまがいい」
女神さまって… 勝手に新しい役を追加するなんてアリ？
みんな呆れましたが、彼女が聞く耳を持たないことは知っていましたし
その日限りの即興パフォーマンスということもあって、希望どおりにさせてあげることにしました。
それぞれの立ち位置等を確認してから、実際に演じてみると
その「女神さま」はとてもノリノリでした。
後ろからこどもたちを抱きかかえ、次々に襲いかかってくる魔物たちを
左右の手で思い切り払いのけていました。
中には、もろに裏ビンタをお見舞いされた人がいるくらいの勢いでした。
ビンタをくらった人は、本当に痛そうでしたが、
「女神さま」はそんなことは気にも留めず、実にご満悦でありました。
数回の通し稽古の後、各グループの発表が行われ
ワークショップの総合指導者と、他のスタッフにそれぞれの感想をもらいました。
あくまでも主体は中高生なので、各評価もその子たちに対するものがほとんどでした。
(「女神さま」は、それが不満だったようですが…)
その日の課程を終えて、こどもたちを帰宅させた後
スタッフは片づけをしながら、その日の感想を述べ合っていました。
「女神さま」も自分のお芝居の感想を聞きたかったと思いますが
家の用事があるとのことで、残念そうに帰っていきました。
その後、こんな会話を耳にしました。
「今日のYさん（女神さま）、迫力あったねえ」
「うんうん、魔物の中で最強だったよね」
…えっ？ もしかして？
念のために、数人のスタッフに、彼女はどう見えたのか尋ねてみました。
「えっ？ 魔物じゃなかったの？」
「こどもたちを食べようとして、奪い合いになってたんでしょう？」
返ってきたのは大同小異の感想でした。
やっぱりそう見えたか…
ショックを与えるのは気の毒なので、この事実は、今も彼女には伝えられないでいます（＾＾；）
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ゼロから物語(ドラマ)は生まれない
自分の見たこと、聞いたこと 感じたことや後悔したこと ひとつひとつが台詞に変わる ひとつひとつがト書きに変わる ただ不器用なわたしは 心の傷しか芝居にできない 役者が舞台で流した涙は かつてわたしが流した涙 役者が話す優しいことばは わたしが言って欲しかったことば とても臆病なわたしは 自分で心をことばにできない 役者が舞台で伝えることは わたしが伝えそびれた心 役者が舞台で抱きしめるのは もう手の届かないあの人 とても不器用なわたしは 心の傷しか芝居にできない |
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前回は、極力装飾を削った舞台美術の話をしましたが
シンプルであっても、装飾を施し作りこんであるものであっても
気をつけなくてはならないものがあります。
それは役者の演技の妨げにならないということです。
いかに見た目が良くても、それが人の動きを阻害するようでは困るのです。
豪華にできていても、人が通れないような扉では意味がありませんし
貧弱で、強度に欠ける大道具も、危なくて、演技に集中できません。
もっと基本的なことで、「バミる」という作業があります。
「場見る」からきた言葉だそうですが
役者の立ち位置や、道具類の設置場所に印をつけることです。
(つけられた印は「バミリ」と呼ばれます。)
これがしっかりなされているかどうかで、芝居の流れは大きく変わります。
これは、うちの劇団の失敗例なのですが
バミリをおろそかにしたばかりに、稽古中に怪我をしてしまったことがあります。
それは、旗揚げ公演の舞台稽古のこと
地獄に迷い込んだ浪人が、襲い掛かってきた餓鬼(わたし)を刀で斬り倒すという場面でした。
時代劇の殺陣をよく知っておられる方ならわかると思うのですが
斬る側と斬られる側の距離は意外と離れているもので
それを正面からだと、あたかも刀で斬られているように見えるのです。
稽古場でも、ずっとわたしたちの距離は約１．５メートル
大きく胴抜きをしても刀は体に触れません。
セットの岩の間を通り抜けても、十分に余裕がありました。
ところが舞台稽古になった時、岩の位置が５０センチ近くも右の寄っていたのでした。
当時、スタッフワークはキャストと兼任で、ちゃんとした舞台監督も立てず
道具類の設置も、気がついたものがやるという、かなりアバウトなものでした。
おそらくその岩も、役者同士の間合いを考慮に入れず、誰かが置いたものだったのでしょう。
わたしも初舞台で、そこまで気が回らず、相手の役者も気がついてはいませんでした。
十分な間合いがとれないと気づいたのは、舞台袖から飛び出し、浪人に襲い掛かった時でした。
いつもの位置に駆け寄ったわたしの目の前には岩があり、とっさに右斜めへ進路を変えました。
同時に浪人役が勢いよく刀(木製)で胴を抜きました。
次の瞬間
カチーン
音をたてて、わたしの腕時計が宙に舞いました。
一瞬何が起こったのかわからなかったのですが、ふと左腕を見ると、縦に大きく内出血をしていました。
キャストもスタッフも驚いて駆け寄り 「大丈夫？」と声を掛けてきました。
中でも浪人役の人は、顔を真っ青にしていました。
彼は学生の頃からずっと演劇を続けていて、自分の芝居に自信を持っていたので
思わぬアクシデントにびっくりしてしまったのでしょう。
興奮していたせいでしょうか。その時はあまり痛みは感じず、とりあえず保冷剤で冷やすことにしました。
うっかり腕時計を外し忘れていたために、木刀はバックルに当たり、怪我も内出血で済んだようです。
一歩間違えば、さらに大怪我をしていたところで、ある意味、怪我の功名と言えるでしょう。
それ以後は、失敗を繰り返さないよう、稽古の時は必ず舞台の寸法を測り
役者の動線と、道具類の位置はしっかりと確認するようになりました。
旗揚げ間もない社会人・学生劇団ではよくある失敗かもしれませんが
われわれにとってもいい教訓となりました。
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これは、わたしが単独で舞台美術を担当した時の画像です。
ぎりぎりまで装飾を排除し、演技をするうえで必要最小限のものだけを残すと、こんな風になりました。
舞台の設定はカフェなのですが、なかなかそうは見えませんね。
確かに、もっとお金をかければ、壁面を作り、カウンターやテーブル、椅子などの調度品もそれらしい
ものを揃えられるでしょう。
けれども、それらに費用をかけることもできず、スタッフ・キャスト合わせて９人しかいない当時のユニット
には、それは難しいことでした。
そんな条件で舞台美術を任せられたわたしは思ったのでした。
はたして、自分たちの芝居にリアルなセットは必要なのか。
自分たちのルーツである演劇ワークショップは、すべての場面を体一つで表現してきたのではなかった
のか。
そういう視点から辿り着いたのが、この画像のようなセットなのです。
縦長の直方体を並べれば、そのがカウンターになる。
立方体に座れば椅子になり、ものを置けばテーブルになる。
あとは役者の演技次第。本当に実力が問われます。
ありがたいことに、出演者たちは、その場にしっかりとカフェを見せてくれる人たちばかりでした。
結果的に、極めてシンプルにした舞台が役者の演技を際立たせることになりました。
そして、この成功を受けて、わたしの舞台美術のスタイルの基本が出来上がりました。
それ以降のことは、次の機会に述べたいと思います。
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