素人だから♪言える・感じる・考える♪“クラシック音楽“

「アレンジ」次第で名曲に

オーケストレーション、管弦楽法、編曲、アレンジ。
クラッシック界にその名を轟かせた人は数々いますが、今回は他人の曲の編曲・アレンジについて考えてみましょう。

この世界で達人と言えば、まず「ボレロ」で有名な「ラヴェル」を思い出します。
「ムソルグスキー」が書いたピアノ曲「展覧会の絵」を管弦楽に編曲し、今では原曲よりこちらの方が有名なほど。
とにかく色彩豊かな楽器の使い方、効果的な組み合わせ方をします。美しくて斬新。
他にもこの曲をアレンジした人達がいますが（入手できるのは指揮者の「ストコフスキー」版くらいです）残念ながら「ラヴェル」には及びません。ちなみに、私の好みの演奏は「アンセルメ／スイス・ロマンド管」です。

映画音楽にも使われた「ボレロ」に至っては、同じメロディーの繰り返しでありながら、手を変え品を変え、刻々と色彩を変えて行くそのオーケストレーションの見事さに、思わず舌を巻いてしまいます。ラヴェルの最高傑作と言っても良いでしょう。
ただ、どうしても私は「天は二物を与えず」と感じざるを得ません。それは、「ラヴェル」にメロディーメーカーとしての才能を感じないからです。
ピアノもオーケストラも、心を揺さぶる様なメロディーが浮かばない。しかし、それを補って余りある編曲能力で一級品に仕立て上げる。私はそう感じてしまいます。

「何だこの曲は。折角のメロディーが台無しじゃないか。私なら、この曲を名曲に昇華させる事が出来る」といった具合に、ついつい他人の曲の編曲に手を出してしまうのではないか。
でなければ、どんどん沸き上がる美しいメロディーを仕上げるので手一杯の筈です。

次に紹介するのは、同じく「ムソルグスキー」が書いた交響詩「禿げ山の一夜」をアレンジした「リムスキー・コルサコフ」。交響組曲「シェヘラザード」でも有名な人です。
この人の場合は、作曲家が死ぬなどして未完成のままになっている曲などを掘り起こし、自ら加筆・改訂を行って世に送り出しました。

斬新な試みを嫌う人だった様で、原曲をガラリと変えて常識的な形に書き直してしまうそのやり方に相当批判もあったようです。
でも、「禿げ山の一夜」の原曲を聴いてみると納得させられてしまいます。彼の手によって無駄を削られて加筆され、退屈で冗漫な曲が見事な「名曲」に書き換えられています。やはり「大家」と言われる人の仕事は凄いですね。

「絶対音感」などいらない

「絶対音感」
これは、何かの音を聞くと（物の音なら何でも良い）全て音階（厳密には周波数）で聞こえる能力のことを言います。
ちなみに「相対音感」とは、何かの音を基準に音を定める能力です。

特殊と言えば特殊能力ですが、ピアノなどを習っていれば幼い頃から鍛えられますので、そう珍しいものではありません。
そこで時々この能力を持つ人に出くわすのですが、例えばその人と古楽器の演奏会に行ったりすると、面白い事が起こります。
「ん、これロ長調だっけ？」
不思議に思い、プログラムを確認すると「ハ長調」と書いてある。
現在は当時より半音ほどピッチ（音程）が上がっていますから、当時のピッチで行われる演奏を聴くと、絶対音感を持つ人の耳には半音下の音に聞こえてしまうのです。

また、これと似た話にこんなものもあります。
「絶対音感を持つ弦楽器奏者は海外のオケで苦労する」
実は、ピッチの基準そのものが世界共通ではありません。
その地域によって独自のピッチがあり、かなり高めの場合もあります。そうなると、頭の中にある音と出そうとする音に違いが起きてしまい、頭はパニック。これが大変なのだそうです。

特に、弦楽器は鍵盤楽器と違って自分で音程を作りますので、頭ではＧを弾こうとしながら耳ではＧ＃を探す。或いは「Ｇを弾くとＧ＃の音が出てくる」。
ちょうど半音違うのなら頭で調を半音ずらせば良いのでしょうが（それも大変ですが）、中途半端なズレの場合、どちらで認識すれば良いのか分からない。その何とも言えぬ気持ちの悪さは、想像に難くありません。
そこが「弦楽奏者に絶対音感は邪魔。必要なのは相対音感」と言われる所以なのです。

では、この「絶対音感」を持つメリットは何でしょう。
それは、音を聞いただけで譜面を書ける事です。頭の中の音もスラスラ譜面に出来る。これは音楽関係の仕事には有り難い能力でしょう。
一方デメリットと言えば、街を歩いていても家にいても、コップを叩く音、人のくしゃみ、車のクラクション、全ての音が音階で浮かぶこと。これは煩わしいですよね。

私の場合は絶対音感を幸いにして持っておりませんので、そのような苦労はありません。
ただ、どうしても耐えられないのがピッチのズレです。
演奏中に誰かのピッチがズレている、などというのは良いのですが、日常生活の音楽が困りもの。
家の中でテレビとラジオを同時にかけられると、ピッチが違う２つの音楽が流れ、頭が痛くなってしまいます。これが街中だと最悪で、ＢＧＭの他に店頭の宣伝音楽、おまけに商品売り込みのラジカセから流れる音楽。酷い時には４つぐらい同時にピッチの違う音楽が流れますから、もう本当に耳を塞いでしまいたい。

話を戻しましょう。
世の親の中には、子供に「絶対音感」を身につけさせる事が「音楽エリートへの第一歩」と思っている方がおられるようです。
しかし、本当に必要なのは「相対音感」。
将来無用な「負の能力」とならないよう、認識を改めるべきだと思いますが。

ﾌﾗｯﾄ(b)とabcのbは何故似ている？

あなたは楽譜を見た時に、フラット（ｂ）がアルファベットの「ｂ」に似ている（と言うより一緒）と思った事はありませんか？
また、洋楽でＢは「シ（ハ長調）」なのに、何故クラッシックではＢが「シ」のフラット（半音下）になるのか疑問に思った事はありませんか？
この２つの問題、実はルーツが同じなのです。
今回はそのあたりをお話しいたしましょう。
（分かりやすい様に、「ハ長調」音階をドレミとします）

まず、ドレミの「シ」は洋楽で「Ｂ」、クラッシックでは「Ｈ」となり、「シ」のフラット（ｂ）が「Ｂ」になります。
そこで不思議なのは、何故「ドレミファソラシド」が「ＡＢＣ・・・」ではなく「ＣＤＥＦＧＡＢ（Ｈ）Ｃ」と途中から始まっているのか。
それは、音階の起源が関係しています。

その昔、最初に音階が作られた時は「Ａ」（ラ）が基本の音で、そこから順に下に下りて行きました。
音階の並びは「全音（１音）・全音・全音・半音・全音・全音・全音・半音」が美しいとされていますから（今のドレミがそうですね）、ラから下がって行くと「シ」は半音下がった（フラット）位置となり、そこがそもそもの「Ｂ」（正規の音）になるのです。
その後、音階はドレミ（ソルミ音階）でＣから上がる形に変化するのですが、前述の美しい並びにすると今度はＢが半音上がってしまいます（現在のシの位置）。
そこで新旧２つの「Ｂ」が存在するという厄介な事が起こりました。

で、どうしたかと言うと、古いＢの音は小文字の「ｂ」と表記して「ソフト・ビー」とし、新しいＢは「ｂ」を角張らせて書いて「ハード・ビー」としました。
ところが当時は手書きの譜面でしたから、「丸いｂ」なのか「角張ったｂ」なのか見分けが付きません。
ならばと、今度は「ハード・ビー」の文字に細工を加え、「角張らせたｂ」の右の縦線を下に突き出して現在のナチュラル記号としたのです。

それによって、徐々に「ｂ」の意味も「半音下がり」と変化して行く事になります。
また、ナチュラル（本来の音）から更に半音上げる場合は「ナチュラル記号」の線を全部突き出して「♯」（シャープ）とし、現在に至った・・・と言われています。

一方、洋楽はと言うと、歴史が始まった頃には既に「ドレミ」が確定していました。
ですので、最初からシの位置が「Ｂ」となっているのです。
ちなみに、クラッシックで「シ」を「Ｈ」としたのは「ハード・ビー（Ｈａｒｄ−ｂ）の頭文字」という説、「ナチュラル記号の変形」「単純にＧの次」という説等、いくつかありますが本当のところは分からないようです。

＜調性格＞を考える

調が変わると雰囲気（性格）が変わる。
これは「調性格」と呼ばれるものですが、実は間違った認識で使われている事があります。
しかし、それを間違いと知った上で使わざるを得ない事も事実。今回はその事をお話しいたしましょう。

「調」とは、御存知の通りその基準の音をドとする調です。
ハ長調のドレミで考えた場合、「ホ長調」はホ（ドレミのミ）から始まる長音階です。
「ピッチが変わると感じが変わる」
これはカラオケで経験した方も多いでしょう。
オリジナルのキーから下げるとぐっと落ち着きが増し、逆に上げると軽くなって張りが生まれる。更に４つも５つも上下させると、まるで別の曲のように印象が変わってしまいます。
そんなことから、その「調」によって印象が変わる、「性格がある」と言うのですが、実は半分当たっていて半分間違い。
それは「純正調（律）」と「平均律」の問題が大きく関わって来るからです。

純正調（律）と平均律

分かりやすく説明すると、「純正調」とは「倍音」から追った美しい和音の響きを持つ調性。
ですから、コーラスや弦楽器などでハモろうとすると、美しい響きを探り当てて本能的に「純正調」を使っています。
ところが、面白い事にコーラスでお互いにハモりながら下がって行くと、いつの間にか音がずれてオクターブが合わなくなる事があります。これが、倍音から追って行く弊害です。
しかし、美しい純正調を巧みに操りながら、オクターブも調整して歌えるのがコーラスの利点。自由自在に音程を作れるからです。

問題は、ピアノなどの固定楽器。非常に難しい問題が起きて来ます。
「純正調」は各音の間隔が一定では無いため、その調では美しく響いても、調が変わると音の間隔がずれて和音が濁ってしまいます。だからと言って、いちいち曲や調が変わるたびにそれに合わせて調律する訳にはいきません。
そこで考えられたのが、１オクターブを機械的に１２分割した「平均律」なのです。
これであればどの調で弾いても同じ響きになりますので、曲の途中でどれだけ調が変わろうが平気、響きが変わりません。ただし、純正調とは違って微妙な和音の濁りが発生し、それには目をつぶらざるを得ないのです。

例えば「Ｇ＃・嬰ト」と「Ａｂ・変イ」で考えてみましょう。
これはピアノではどちらも同じＧとＡの間の黒鍵、つまり同じ音です。
しかし、純正調でみると、この音は「嬰ト」でも「変イ」でも無く、単純にトとイの真ん中でしかありません。当然、ヴァイオリンでは自然に弾き分けて同じ音にはならない。
たとえばこれらを「Ｃ・ハ」と一緒に弾いてみると、「ハ＋嬰ト」は不協和音（減５度）となり、「ハ＋変イ」は協和音程（短６度）となります。しかし、当然ピアノでは差が出ません。

難しくなりましたが、本来「調性格」とはそういう「純正律」であるからこそ生まれる響きの違いであり、平均律で調律された現在のピアノでは「調による性格・調性格」など存在しません。どの調で弾いてもキーが変わるだけで全て同じ響き。それは「調性格」とは違うものなのです。

しかし、単なるキーの違いに「調性格」という言葉を使われるのも現実。私は敢えて、それに反論する事はよしましょう。
その方が話は通りやすいですし、雰囲気を壊すのも馬鹿馬鹿しいですから。

最後に、バッハの曲に関する面白いエピソード。
「純正調」で書かれたバッハの「苦悩のメロディー」を、現代のピアニストがいかにも神妙な顔で弾いている。
しかし、出ている音は「平均律」によって変えられてしまった「明るい響き」。
これを笑わずにいられようか！

プロなのに楽譜を見ながら指揮をする？

演奏会へ行くと、こんな光景を目にします。
協奏曲を弾くソリストは暗譜しているというのに、楽団員は全員譜面を見ながら演奏し、事もあろうか指揮者まで楽譜をめくりながら棒を振っています。
「プロのくせに楽譜を見ながら指揮するのか？　暗譜するのが当然ではないのか？」

ごもっともですね。確かに暗譜ぐらい出来そうなものです。
初めてのプログラムならいざ知らず、イ・ムジチの「四季」の様に「目を瞑っていても弾ける曲」であっても譜面を広げて演奏しています。
書き込みを確認しながら演奏しているのでしょうか？　それとももっと重大な何かが書かれている？　ファッション？　それとも譜面のスタンドに何か隠された秘密がある？
いえ、そうではありません。これには音楽・演奏会の歴史が関係しているのです。

バロックから古典派の時代、「演奏会」と言えば「自分の曲」を発表する「即興演奏」の舞台でした。
それは１９世紀半ばまで続きましたが、もうその頃になるとすでに「即興」とは名ばかりと形骸化し、しっかりと練習を積み重ねてきたものとなっていました。
とは言え、まだまだ「即興演奏」も多い時代だったのです。
こんな中で「しっかりと譜面に指示まで書き込まれた曲」を演奏する時に、楽譜を見ないでいると「間違えたら即興でごまかすつもりだな」と当時は思われてしまいました。
つまり、「私はこの譜面通りに演奏しますよ」という「意思表示」と「作曲者への敬意」を表す、そのためにわざわざ楽譜を見ながら演奏するようになったのです。

しかし、今はもう時代が違います。譜面を見なくても「即興演奏」とはもはや誰も思わないでしょう。
ですから「お役御免」でも良いのでしょうが、あの「燕尾服」というユニフォームを身にまとい、譜面を見ながら演奏するスタイルは、今も尚脈々と続いている習慣です。これをやめるのは至難の業と言えるでしょう。
そしてまた、たとえ世の中が「電子楽譜」の時代になったとしても、演奏会は今のままのスタイルを受け継いで欲しい、そうも思うのです。