HKの音楽夜話

blogの引越し

Mon, 22 Feb 2010 21:05:59 +0900

拙い日記をお読みいただきありがとうございます。

このたび、blogを引越いたしました。引越し先は、
http://ameblo.jp/toyotama-music/
です。

引越しの理由は、リンク、画像の挿入など、操作性が自分の感覚にマッチして
書きやすいと思ったからです。

こちらでご贔屓にしていただいた皆様のblogは、引越し先でお気に入りに登録し、
引き続き拝見させていただきます。

最近もコンサート、オペラ関係の記事を更新していますので、よろしければ、
覗いていただけますよう、よろしくお願い申し上げます。

こちらでは大変お世話になりました。
今後とも宜しくお願い申し上げます。

ヴァンスカのクールで熱い第九

Fri, 25 Dec 2009 23:32:42 +0900

読売日本交響楽団第521回名曲シリーズ
2009年12月25日(金) サントリーホール
指揮：オスモ・ヴァンスカ
ソプラノ：林正子
メゾ･ソプラノ：林美智子
テノール：中鉢聡
バリトン：宮本益光
合唱：新国立劇場合唱団
ベートーヴェン／交響曲第9番

プロのオーケストラがこれほどの緊張感で「第九」を弾くことはなかなかないんじゃないだろうか。常々思うが、指揮者に精一杯応えようとするのがこのオーケストラの美質であり、これがヴァンスカ氏のような明確な表現意図と出会うと、今夜のような熱い音楽になる。フィナーレでのチェロバスのレチタティヴォなど、危ないところも少なからずあったが、そういうぎりぎりの表現がスリリングで興奮する。

アレグロはインテンポで爽快に押す。スケルツォは鋭角的なリズムが冴える。アダージョはすっきりしたテンポで音楽がよく流れ、優美なフレージングの美しさを存分に楽しめる。フィナーレは各セクションを次々にアタッカで繋いでいって、息つかせぬ緊張感で最後は熱く盛り上がった。新国コーラスはいつもどおりの好演。力まないで高音がしっかり抜けるのがいつ聴いてもさすが。言葉もよく聞き取れる。ソロのみなさんは申し訳ないが感心しなかった。中鉢さんはちょっとパワーが足りない。ソプラノの林さん、オペラじゃないんだから、歌いながらの手振りは似合わない。

演奏譜はベーレンライター新全集だったが、何箇所か同全集とは違うところがあった。スケルツォのmm.442/446の2番ホルンはD（実音）を全音符で吹き伸ばしているように聴こえた。また、フィナーレmm.767のテノール＋バスソロの歌詞は、旧全集の“Freude”に聴こえた。（自分の聴き違い？）おもしろいことに、ヴァンスカ氏はミネソタシンフォニーとの録音では、新全集を用いながらもアレグロm.81のフルートをf-bと演奏させているが、今夜の演奏では新全集どおりf-dだった。

クールで熱い「第九」を堪能した。

シュニトケってどうよ（読響＋ロジェヴェン）

Sat, 28 Nov 2009 18:28:34 +0900

読売日本交響楽団　芸劇名曲2009/11/28
指揮：ゲンナジー・ロジェストヴェンスキー
ヴァイオリン=サーシャ・ロジェストヴェンスキー
メゾ・ソプラノ=坂本朱
合唱=新国立劇場合唱団
シュニトケ：
リヴァプールのために【日本初演】
ヴァイオリン協奏曲第4番
オラトリオ〈長崎〉【日本初演】

かつてシェーンベルクが次のように語ったそうです。「グレの歌」が聴衆に歓ばれることは分かっていたと。また、ヴィーンの当時の興行主たちは、なぜ「浄夜」のような音楽をもっと書かないのかと彼に求めたと。真のクリエイターは、常に新しい独自のスタイルを求める。そういう野心が新しい芸術を生み出す原動力なのでしょう。

今日本邦初演された「長崎」は、シュニトケにとっての「グレの歌」。難解なところはない、リムスキー＝コルサコフの著名なテキストブックから学んだのであろう輝かしいオーケストレーション、ストラヴィンスキーのリズム、プッチーニやラヴェルに見られるオリエンティシズム、c-mollとAs-durを中心とする分かりやすい調性感ではじめて聴いてもすっと入って来る音楽。「演奏効果」が非常に高い曲で、これからいろんな合唱団がレパートリーとして取り上げるんじゃないかな。新国コーラスは立派な演奏でした。途中変拍子が交錯するところでちょっとトラブルがありましたが、読響もすばらしかった。

サーシャ・ロジェストヴェンスキーがソロをつとめたコンチェルトは、作曲家がそういうスタイルの進化を求めた作品ですが、なかなかセクシーです。冒頭のg-c-d-eではじまる鐘のようなモチーフとそれに続くAs-durのコラールを中心に曲が組み立てられているようですが、チェンバロが入って、バロックコンチェルトのテイストを再構成した雰囲気。サーシャのソロが美しかった。

そして、シュニトケの最後の作品になるリヴァプール。これも日本初演。聴いたところ、冒頭のダイアトニックな金管コラールとその直後のホルンの短二度＋跳躍音程という２つのモチーフを交互に変装していくというダブルヴァリエーションのスタイルで、ベートーヴェン第九のアダージョ楽章の様式ですね。病床で書いたとのことですが、もしシュニトケが元気なら、おそらくもっと手を入れていたであろうスケルトンのような作品。

さて、シュニトケは20th century classicsとなりうるか？クラシックとはその時々の聴衆の支持を得て、時代を越えて残っていく芸術作品。メンデルスゾーンはバッハを19世紀の聴衆に問い、その支持を得てバッハはクラシックとなったわけです。21世紀を生きる我々も、後世に残すクラシックが何であるかについて審判を下す立場。20世紀の作品では、すでにドビュッシー、ラヴェル、ストラヴィンスキー、シェーンベルク、ベルク、ヴェーベルン、ショスタコヴィッチ、プロコフィエフ、バルトーク、コダーイ、ヤナーチェク、ブリテンあたりは20th century classicsとしての地位を確固たるものにしています。今日ロジェストヴェンスキーが紹介してくれたシュニトケは、ソ連崩壊前後からBISが積極的に録音し、クレーメルが各地で演奏してその名を広めていますが、我々はどう評価するか。ニューヨークの聴衆はちょっと保守的だから、クラシックを残すとすれば東京やロンドンの聴衆は大きな役割を担っていると思います。ぼくはそういうクラシックを後世に伝える役割を果たす能動的な聴衆の一人でありたいと思います。

月曜日のサントリーはさらに洗練された演奏になるでしょう。

ことばの大切さ～都響定期Bシリーズ（辛口注意）

Thu, 19 Nov 2009 23:37:18 +0900

東京都交響楽団第688回定期演奏会 Bシリーズ
2009年11月19日（木）サントリーホール
指揮：エリアフ・インバル
ソプラノ：半田美和子
ラヴェル：シェエラザード
マーラー：交響曲第4番ト長調

半田さん、とても美しい声で、所々にコケットを交えた素敵な歌ですが、歌詞が聴き取れません。サントリーホールは決して歌手に優しいホールではないと思いますが、例えば、マーラーの終楽章なんか、とても薄い伴奏のテクスチュアで決して歌がマスクされるわけではないんだけど、やはり聴き取れない。おそらく目の前で歌っていただいたら、うっとりするような歌なんだろうと思いますが、客席（ぼくはLCで聴いています）では、何を歌っているのか分からない。辛口ですみません。

で、シェエラザードは少々がっかりしました。「魔法の笛」でのすばらしいフルートソロ、クラリネットやコンマスのソロ、「アジア」での見事な木管アンサンブルなど、美しいと感じる瞬間はあるのだけれど、バックデスクまで含め、オケの皆さんがこの曲に心から共感して弾いているようには聴こえない。全体に淡白で、この曲が持っているセクシーな美しさが感じられなかった。ぼくの耳がおかしいのかもしれません。しかし、マーラーのシンフォニーであれほど濃厚な表現を聴かせるのだから、やはり演奏機会が少ないこの曲の場合は、音楽がオーケストラのものにまだなっていないのだろうかと感じた。

メインのマーラーは、これぞ「都響節」という、ねっとりした美しい、温度感の高い表現を堪能しました。少なくともオケについては。今夜の白眉はアダージョの弦楽だった。こういうバックデスクまで一体となった濃厚な表現が聴きたいから、ぼくは都響に通う。ただ、最初に書いたように、歌は自分のテイストでは淡白すぎると感じてしまう。

いつも拙い感想文を読んでいただいているプレイヤーの方々、失礼なことを書いてすみません。我が愛する都響への率直な思いです。お許しください。

悲劇は美しい（ヴォツェック初日＠新国立劇場）

Wed, 18 Nov 2009 23:09:48 +0900

新国立劇場「ヴォツェック」初日を見ました。出演者などはこちら：　http://www.nntt.jac.go.jp/season/updata/20000189_2_opera.html

実によく考えられて、訴えるものが大きく、しかも視覚的にも美しい舞台だった。舞台とはいえ人の不幸を美しいというのは不謹慎かもしれないが、悲劇は美しい。正方形の舞台上は、全面にわたり、浅い水で覆われている。その上にヴォツェックの部屋であろう直方体の空間が宙に浮いていて、前後に動くという舞台構成。先々週のセミナーでのクリーゲンブルク氏の解説によると、舞台上の表象はヴォツェックの視点から見たものであるとのことなので、この空中を浮遊するヴォツェックの家は、同時にヴォツェックの内心を我々に見せてくれる窓でもあるのだろう。奥の壁に十字架上のイエスが描かれた小さな絵。その他にはいくつかの椅子と上方の小窓だけのシンプルな構成。

登場人物は、マリーと息子以外はすべてモンスターのように醜悪な外貌。大尉は超メタボリック。軍医は、ムキムキマンで変態SM風ボンデージ衣装。鼓手長、マルグレットなどを含め、みな白塗りの顔。これらすべてヴォツェックの視点からの主観を表現したものだろう。

注目すべきは、ヴォツェックの息子の扱い。冒頭、兵営で大尉の髭を剃る場面から最後まで、息子は出づっぱり。１幕２場から３場への移行は面白かった。ヴォツェックが"Ein Feuer! Ein Feuer!"と野火の幻影に怯えるところ（285-291小節あたり）で空中に漂うヴォツェックの部屋の暗闇からリチウムの炎色反応みたいな深紅の花火を手にしたマリーが現れ、そのまま３場に移行。ここは、ヴォツェックに取り憑く強迫観念（台本では軍医が"Idee Fixé"と呼ぶもの）についての演出家の解釈を示唆する重要な見せ場。社会的抑圧と貧困の中でヴォツェックが唯一愛情の対象、自分の存在意義の証とするものがマリーと息子であり、マリーの愛情を失うのではないかという恐れこそが彼のIdee Fixéだという解釈なのだろう。非常に説得力がある。

それから、黒いスーツの「黒子」たちの存在も面白い。１幕３場では、鼓手長は黒子たちがかつぐ板の上でポーズをとって軍隊行進。２幕４場の酒場のバンドが載るステージも黒子がかつぐ。池の鯉に餌づけするように、舞台進行のところどころでバケツに入った残飯が水面に撒かれると一斉に黒子がよってきて奪い合い、また四散する。クリーゲンブルク氏によると舞台設定は1820年代とのこと。ナポレオン戦争、ウィーン会議の直後。反動体制。ブルシェンシャフト運動の弾圧。戦争で疲弊しきった民衆。貧困。そうした時代背景の中での無名の民衆たちということなんだろう。

子供がヴォツェックの部屋の壁に黒ペンキで大書する文字、Geld（金）。ヴォツェックの部屋を下から支えている黒子たちの頭にも"Geld"のプレート。子供は、すべての場面に登場。鼓手長とマリーの不倫現場も、軍医にいたぶられるヴォツェックも目撃。やがて、両親と自分の置かれた状況を子供ながらに理解していき、３幕1場（マリーの祈り）では、壁に"Hure"（売女）と大書して、母親に対してこの忌むべきう言葉を浴びせる。貧困と抑圧が敬虔な人間の人格を歪め、悲劇が世代間で再生産されていく。

２幕４場。沼で溺れ死ぬヴォツェック。その後のニ短調の間奏曲の間中、舞台は暗転し、ヴォツェックの遺骸だけが沼の水の色のような青緑のスポットライトに照らし出される。息子がペンライトを持って登場し、父親の遺骸を検分する。暗転して最終場、暗闇からまた黒子が出てきたと思ったら、なんと黒子がみんな子供になっている。両親がいなくなった部屋、空中に漂う心もとない部屋。守ってくれる者がいない部屋に一人残された息子に子供の黒子たちが物を投げつける。貧困が人間性を損ね、世代を超えて受け継がれていくという、やるせない状況。だが、冒頭でも述べたように、ひたすら美しい。

待てよ、、、どこかで見たことがある。20年前にハリー・クプファーがバイロイトでやったリングの陰画（ネガティブ）じゃないか、これ。ジークフリートの葬送の場面、舞台上には英雄の遺骸だけが残されてスポットライト。幕切れは、悲劇の永劫回帰からの脱出を暗示するように、子供がペンライトで足下を照らしながらプロセニアムから飛び出て客席の方に去っていく。当時の新聞では、"Optimistische Tragödie"（楽観的なる悲劇）と評された。これの全く正反対が今回の演出。世代が変わっても悲劇の連鎖から抜け出せない社会状況。メッテルニヒ体制のヨーロッパだけに限ったことじゃない。我々が生きている今のこの国だって、同じ状況じゃないだろうか。暗澹たる思い。しかし、やはり悲劇は美しい。

それから、クリーゲンブルク氏も指摘されているのですが、母子とヴォツェックの関係、これは、聖マリアと主イエスの母子に対するヨゼフ（マリアの世俗の夫）の関係の陰画。新約聖書では、ヨゼフは自分の運命を粛々と受け入れるわけだが、そこで語られない「ヨゼフの葛藤」というのも興味深いモチーフだ。

音楽について。新国の初日はいつもこんなものだ。冒頭はどうなるんだろうかと心配になった。いきなりはずす管楽器。オケはみな不安そう。２幕１場の60小節あたり、マリーの" 'sist gewiss Gold"が出てこない。伴奏は１小節先に進んでしまう。別に合わせるのが難しいところでもないと思うが、初日はやはりこういう事故が起こる。ああこんなもんかと思っていたら、３幕は気合いが入っていて美しい。聖書のパリサイ人のくだりを朗読する場面とか、マリーの殺害直前の伴奏の美しさ、ニ短調のインターリュードのエモーショナルな盛り上がり。ぼくの想像だが、限りあるリハーサル時間を３幕に集中したんじゃないだろうか。明らかに前半と音楽の完成度が違う。２幕の合唱は立派。560小節からの"Ein Jäger aus der Pfalz..."のぶつかる音程(des-es-ges-as)の美しさ。さすが新国コーラス。これから見に行く方々、新国はいつもそうですが、日を追ってよくなっていくと思います。

最後にもう一度。悲劇は美しい。よい舞台だった。

バティアシュヴィリのショスタコ＠N響アワー

Mon, 09 Nov 2009 11:19:26 +0900

さきほどN響アワーでリサ・バティアシュヴィリのショスタコが放送されました。改めてすごい。１月の日記（ http://blogs.yahoo.co.jp/kamata60/archive/2009/01/10 ）で絶賛したが、印象は全く変わらない。彼女のあの広いNHKホールに響き渡る鈴が鳴るようなハイトーンはテレビでは再現できないが、厳しくも美しい、電気が走るような音楽は十分に楽しめた。西村さんもたまげておられたが、そうだろう。あの日の会場ではほとんどの人がたまげた。

年明けに始まる2009年ベストソリスト投票の最右翼だろう。ひっぱりだこで忙しいんだろうが、来年も呼んでほしい。もう何年も先までエンゲージメントがつまってるんだろうなあ。。。

オペラトーク「ヴォツェック」＠新国立劇場

Mon, 09 Nov 2009 11:17:49 +0900

昨日、新国立劇場のオペラトーク「ヴォツェック」を聴いてきた。お話は、指揮のハルトムート・ヘンヒェン氏、演出のアンドレアス・クリーゲンブルク、進行は東京大学の長木誠司氏。

クリーゲンンブルク氏は、今回の演出意図について、舞台上にある人、物、できごとはすべてヴォツェックの視点から見たものだと説明した。ヴォツェックにとって美しく見えるのはマリーと子供だけで、他の人物はすべて醜悪で怪物のように見えるらしい。それから舞台前面には水が配置されるとのこと。最近、新国立劇場では水を使った演出が多いのでまたかといわれそうですが、、、と前置きしたところで会場から笑い。そういえば、オテロもそうだった。そして、舞台進行には「黒子」が活躍するらしい。彼の話を総合すると、貧困と社会階層による悲劇の再生産と“No Exit”というのがテーマのようだ。ちょっとペシミスティックだがまあしょうがないか。今回のプロダクションはバイエルン州立オペラとの共同制作で、すでにミュンヒェンでは公開されている。その映像を見る限り、非常におもしろそうだ。

ヘンヒェン氏は、作品の音楽的特徴について解説。おもしろかったのは、アトーナルな音楽が支配する中で、2幕1場で全曲を通じただ一度だけC-durの主和音が出てくる箇所、ヴォツェックがマリーに給料を渡す場面（116-124小節）だが、ここについて、ヴォツェックは、家族に貧乏で不自由な思いをさせていることに常々罪悪感を感じており、お金を渡す瞬間だけ彼はそういうストレスから開放されるんだという解釈を述べておられたところ。なるほど、そういう見方もあるわけだ。

ベートーヴェンの第６シンフォニー、シューマンのガイベルによる３つの歌op.30、シュトラウスのサロメなどからの引用についても解説があった。ベートーヴェンとサロメはすぐ分かるが、シューマンはこれまで気づいたことがなかった。どこなんだろう？？

バロックの舞踊組曲、パッサカリア、フーガ、ソナタなど厳格な楽式が、断片的なエピソードを並べたような台本にドラマとしての一体感を与えているというのは、いろんな研究者が指摘し、また我々聴き手も直感するところ。歌唱法については、シェーンベルクが創始したSprechgesangをさらに発展させ、ヘンヒェン氏によると、語りと歌との間に４段階の表現があるという。彼の言葉をそのまま使うと、1 sprechen, 2 etwas gesungen, 3 halb gesungen, 4 ganz gesungen ということらしい。こうしたsprechenのテクニークを使うのは登場人物の中でもいわゆる下層階級に属するキャラクターだけだという指摘はおもしろい。恥ずかしながら今まで見過ごしていた。

音楽の例示として、１幕３場のヴォツェックとマリーの場面（363-483小節）、１幕５場の鼓手長とマリーの場面（666小節から幕切まで）、３幕２場のマリー殺害場面（73-108小節）が演奏された。演奏は、今回アンダースタディに入っている萩原潤、並河寿美、成田勝美の３氏、ピアノは小埜寺美樹さん。ほんの数メートルの距離で聴くと、みなさんすごい声だ。プロフェッショナルというのは、我々の想像をちょっと超えるところで仕事をしている。これだけのメンバーをアンダースタディにしているのはすごくないだろうか。新国は、呼ぶ歌手についてはすごいと思う。その本番歌手たちも後ろの方の席で興味深そうに聴いておられた。

最後にヘンヒェン氏から、いかがでしょう、美しい音楽ですね、シュトラウスやヴァーグナーなど後期ロマン派の音楽をお聴きになるつもりでお越し下さい（のような意味）の発言があった。賛成。むずかしく構えなくても、この音楽、直感的に美しいと思う。

いつものようにホワイエで行われたが、ほぼ満席。200人くらいの人が来ていただろうか。

ゲヴァントハウスの偉大なる田舎風マーラー

Thu, 05 Nov 2009 10:34:40 +0900

NHK音楽祭・ライプチヒ・ゲヴァントハウス管弦楽団
2009年11月4日(水) NHKホール
指揮：リッカルド・シャイー
ピアノ：キット・アームストロング
バッハ：ピアノ協奏曲第１番
マーラー：交響曲第１番「巨人」

まず、キット・アームストロング君。17歳だそうです。東洋系の顔立ちでまだ華奢な体。ピアノの他にインペリアルカレッジ・ロンドンで数学を勉強中のマルチタレント。粒の揃ったタッチで美しいバッハを聴かせました。ブレンデルに教わっているそうですが、独特のロマンティックな表現を聴くと、さもありなん。ただ、その表現が完全に自分をものになっていて内側から湧き出ているかというと、それはこれからの課題というところでしょうか。しかし、現時点でも終楽章でみせたリズムのセンスなど、きらりと光るものは十分にあります。早熟の天才というわけではなさそうですが、こういうタイプは経験とともにじわじわと味わいが出てくるものです。

アンコールは、シューベルトのイ長調ソナタ（D.664の方）からアンダンテ。ぼくも少年の頃、弾きました。そのときは、分厚い重音の中からどうやってメロディラインをきれいに出すんだろうかと悩むばかりでしたが、キット君はさすがに上手に弾き、そこここに師匠の面影を感じる表現がありました。例えば、２つ目のテーマが出てきてH-moll, Fis-moll, G-durへと美しく転調していくところのフレーズのタメとか、中間部で繰り返されるバスの八分音符のリズムが訴える暗く燻る情熱とか。しかしこの音楽にはもっと深いものがあるような気がする。彼は、とてもセンスが良いので、そのうちそういう表現をみつけるでしょう。

さて、マーラー。サントリーホールで聴いた方の日記によると、さすがに大編成で音が飽和してしまっていたそうですが、P席を取り外して前にせり出した舞台に所狭しと並ぶ110名あまりの編成、NHKではちょうどよい音量で、各パートが濁らずよく分離して聞こえました。

いつ聴いても、何度聴いても独特な音色とアンサンブルの感覚を持つオーケストラ。けっしてメカニックに巧くはなく、一言でいえば無骨でごつごつした合わせ方。同じシャイーでもコンセルトヘボウの演奏とは出てくる音が全然違う。弦セクションは地味ながら、上からチェロバスまで細かいフレーズの作り方がきちっと統一されていて、確固としたスタイルになっている。決して重くない、むしろフェザータッチの弦。木管楽器はちょっと粗いかな。東京のオケにももっと腕の立つプレイヤーがいる。今夜のクラリネット首席氏は酔っぱらっていたのだろうか。。何ともいえない音色に大きな影響を与えているのはやはり金管だろう。そんなに力強いなという印象ではないが、とにかくトランペットもホルンも美しかった。洗練されていない、こういう田舎風の朴訥として美しいマーラーもいいんじゃないだろうか。

N響10月Aプロ

Sat, 24 Oct 2009 20:30:41 +0900

NHK交響楽団第1656回定期公演Cプログラム　
10月24日 ( 土) NHKホール
プレヴィン / オウルズ（2008）［日本初演］
モーツァルト / ピアノ協奏曲第23番イ長調 K.488
ショスタコーヴィチ / 交響曲第5番ニ短調作品47
指揮：アンドレ・プレヴィン
ピアノ：池場文美

先週のAプロに関する日記で、次のように書いた。
「マエストロはオーケストラを決して追い立てない。自分のこれまでの経験上、彼がすばらしい演奏を聴かせるのは、オーケストラが曲を十分知った上で自発的にぐいぐい弾いて、そこにマエストロがところどころ美しいニュアンスをつけていくような絶妙なコンビネーションが実現するようなときだと思う。」

今日のCプロは、まさにそういう機会だった。オーケストラは、ショスタコーヴィチのこの曲を知り尽くしている。しかも、シュトラウスのドメスティカと比較すればずっと合わせやすいだろう。全曲を通じて、遅めのテンポながらメリハリよく聴かせ、マエストロのスパイスの効いた指示がとても有効だった。オーケストラの出来はやはりモティベーションによって大きく左右されるのだろう。勝手知ったる名曲、このマエストロのために渾身の演奏を、という意気込みが音になった。管楽器ソロも自分としてはベストメンバーで、満足。フルートは客演首席が続いているが、今日の宮崎由美香さんははっとするような美しい音色と連綿とした節回しすばらしかった。結局、新トップはだれになるんだろう？クラリネットはだれだったのかな？

オウルズ(Owls)って、ふくろうのことですが、もちろん初めて聴く曲。題名を見たときは、そういえば、マエストロのお姿は、ちょっとふくろうに似ているなと思った。森のいろいろな生き物をソロ楽器のペアで聴かせるという趣向の曲らしい。プレヴィン氏らしいセンスの良い曲だった。

コンチェルトを弾いた池場さん、きれいに弾いておられたが、ちょっとオーケストラの中に埋もれてしまって、華やかなところが足りないかなという印象。マエストロに気を遣い過ぎ？

N響10月Aプロ

Sat, 24 Oct 2009 20:30:27 +0900

NHK交響楽団第1656回定期公演Cプログラム　
10月24日 ( 土) NHKホール
プレヴィン / オウルズ（2008）［日本初演］
モーツァルト / ピアノ協奏曲第23番イ長調 K.488
ショスタコーヴィチ / 交響曲第5番ニ短調作品47
指揮：アンドレ・プレヴィン
ピアノ：池場文美

先週のAプロに関する日記で、次のように書いた。
「マエストロはオーケストラを決して追い立てない。自分のこれまでの経験上、彼がすばらしい演奏を聴かせるのは、オーケストラが曲を十分知った上で自発的にぐいぐい弾いて、そこにマエストロがところどころ美しいニュアンスをつけていくような絶妙なコンビネーションが実現するようなときだと思う。」

今日のCプロは、まさにそういう機会だった。オーケストラは、ショスタコーヴィチのこの曲を知り尽くしている。しかも、シュトラウスのドメスティカと比較すればずっと合わせやすいだろう。全曲を通じて、遅めのテンポながらメリハリよく聴かせ、マエストロのスパイスの効いた指示がとても有効だった。オーケストラの出来はやはりモティベーションによって大きくされるのだろう。勝手知ったる名曲、このマエストロのために渾身の演奏を、という意気込みが音になった。管楽器ソロも自分としてはベストメンバーで、満足。フルートは客演首席が続いているが、今日の宮崎由美香さんははっとするような美しい音色と連綿とした節回しすばらしかった。結局、新トップはだれになるんだろう？クラリネットはだれだったのかな？

オウルズ(Owls)って、ふくろうのことですが、もちろん初めて聴く曲。題名を見たときは、そういえば、マエストロのお姿は、ちょっとふくろうに似ているなと思った。森のいろいろな生き物をソロ楽器のペアで聴かせるという趣向の曲らしい。プレヴィン氏らしいセンスの良い曲だった。

コンチェルトを弾いた池場さん、きれいに弾いておられたが、ちょっとオーケストラの中に埋もれてしまって、華やかなところが足りないかなという印象。マエストロに気を遣い過ぎ？