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木下長宏のウェブログ

網膜に積もる淡雪のように（まとめサイト：http://kinoshitan.com）

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次回のABCは３月10日（土）です。

次回の＜土曜の午後のABC ＞は、3月10日（土）14：00～17：00 波止場会館４Bです。
＜「老子」から教えられること＞第三回。
「老子」のなかの「自然」という言葉をめぐって考え、いくつかのテクストを読んでいきたいと準備中です。

メンバーのひとりの大和由佳さんが、このあいだのギャラリー21での池内晶子さんの作品について文章を寄せてくださいました。「ABCの部屋」に掲載しましたので、ぜひ読んでいただいて、また、いろいろ反応をいただけるのを期待しています。
先日は坂本恭子さんから、その前にボクも、と「池内晶子さんの作品」をめぐっての議論が、ゆっくりとひろがっています。一つの作品について、いろんな意見が語り合える場に「ABCの部屋」がなっていくのは、楽しみです。

では、3月10日に。

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大和由佳さんの「池内晶子論」

　　　　　　　池内晶子さんの2017年12月ギャラリー21作品について　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　大和由佳

赤い糸だけでできた作品は、大きく分けて宙に浮いて見える上の層と床に広がる下の層からできています。はじめ、その全体像は大きく回転する星雲を思わせるのですが、部屋の壁の数カ所につながれた糸の張り詰め方は、その総量がどれほどのものかを伝え、いくつもの糸の結び目もまた、それをおこなったひとの指の繊細な動きを想起させるので、膨らみそうになった自分のイメージは等身大に引き戻されていきます。赤という身体に近しい色もそれを後押ししたと思います。

ある作品を前にして、その作品や自分のからだのサイズが、実際とは違うように感じられるというのは時々起こることではないでしょうか。私はそれを作品の魅力に感じ身をまかせることが多いなかで、池内さんのこの作品には等身大で見続けることを誘われたような、というよりも自分がそれを求めたような気がした、そのことが胸にひっかかったのでした。（余談ですが、ギャラリーの受付の横に展示されていた小品の中に、飾りの部分が糸で作られた、ごくシンプルなピアスがありました。たしか2000年はじめの頃の作品だったかと思います。それを見たときに、池内さんの作品はその触れがたさにもかかわらず、身体との親密さは一貫していて、今回の大きな作品についてもやはり等身大で見ることは適っているのではないかと、尚更思うことになりました。）

帰宅して、等身大で見ることについて思いを巡らせているうちに、あの作品を「測る」という動詞で語れないだろうかと考えるようになりました。きっかけは、場所の水平を出す道具である「水糸」からの連想でした。空間に一時的な線をすっと引くような、水糸を張る時の澄んだ感覚を起点にしつつ、そこには止まらない作品の広がりをみていきたいと思います。

大辞林を開くと、測るというのは、次の３つの意味があります。
1. 物差し・枡（ます）・秤（はかり）などを用いて、物の長さ・量・重さなどを調べる。2. 心の中で推定する。想像する。3. おしはかる。予測する。
作品において測る道具は、目盛りのない作家の身体と感覚です。測る対象は、展示室の空間を満たす空気と、これから目の前に現れてくる存在の気配（作家自身もその輪郭を知ることはなく察知するしかないようなもの）との関係であり、その測ることの集積があの作品の中にある。両者は（分けられるものなのかもわからないのですが）つねに変化し続けているので、その震える関係を測り終えることは不可能です。それもあって作品からは、完成したものがもつ到達感よりも、未完なもの、あるいは生まれたての（しかし生まれられるくらいは熟している）存在がもつ「壊れやすさ」を強く感じるのかもしれません。

ここで話は変わり、グラフィティのことを少し書いてみます。目に見えてくる表現としては、池内さんの表現とそれはあまりにかけ離れているようです。しかし、グラフィティを描くひとの視点に触れることで、この「測る」という感覚はより伝わりやすくなるように思うのです。

とはいえ、私はこの分野に詳しいわけではありません。以前は、街の壁、シャッターなどにスプレーで即興的に書かれた絵ということぐらいしか知らず、正直に書けば、あまり好ましく思えないこともあったのですが、ある見方を知ってからすっかり変わりました。それをどこかで読んだのか、誰かに聞いたのかはっきりと思い出せないものの、確かこういう内容でした。グラフィティは都市に対してグラフィティライターがどのように接触したかというマーキングであり、例えば建物の高いところに描かれたグラフィティーは、自力でそこまで昇り、見つからないように手早く描き終えたその能力ごと見せている（見るべき）ものだ、と。さらにこの前、偶然話したグラフィティライターの方からは、ライターは昼はどこに描こうか都市を観察して歩いている、街のグラフィティはいつ消されるかわからないものなので、どこにどのようなグラフィティが現れたかは、常にチェックされ、記録され、情報が共有されている、ということを聞いたりもしました。描く側の視点を知ってからというもの、都市にそのような眼差しが行き交っていることに、どこかゾクゾクする気持ちになってしまいます。描く場所は、まわりの建物の構成やひとの視線（警察官や監視カメラの視線も含む）、壁やシャッターの材質など、ひとつとして同じものはない条件を複合的に判断して決まっているのでしょう。それは、街を動物的に感受しているとも言えると思います。（さらに脱線すると、私がこのことに惹かれるのは、自分が作り手として取り組んでいるインスタレーションという形式が、現代の作家にとって、作品を展示空間に体良く並べる、構成するという意味しか成していないのではないかと感じる時があるからです。グラフィティのほうが空間を扱うことではよほど緊張感があるのではないか、そう自分に問いたくなる時がたびたびあるのです。）

グラフィティが、生きる都市を生身の体で測り描かれているものだとしたら、池内さんの作品は、ギャラリー空間においてそれをしている。そういう身体的な「測る」というものが土台にあって、その土台じたいが作品に含まれ、姿をあらわしていると考えられないだろうか。それがまず私が考えたことです。

ただ、この「測る」というのは、宙に浮いて見える作品の上部にこそ強く感じるものです。その層から下に垂れる無数の糸、さらに床に広がる13kmにおよぶ糸でできた広がりは、「結ぶ」ことからも「測る」ことからももっと自由な、ゆったりと解放されるような感覚をもたらす部分です。撚られた糸のもつ性質に従いながら、全体には糸自身も気づかないうちに巻き込まれていたというような大きくゆっくりとした回転が潜んでいるからでしょうか。上から下へという重力に従うような動きと、下から上へという浮力を感じさせる動きとが共生する、不思議な溜まりがそこにはあります。
床に広がる部分の作り方について、池内さんはたしか「ある時、回転させたらできたんです」と、そのときの驚きを思い出すようにして、ギャラリーにいた方に話されていたのを思い出します（言い方はもう少し違ったかもしれないです）。作家の手の介入が、これほど抑制されることで遂げられた空間の作品化を前にして、その言葉は深く響きました。

あの作品を等身大で見ていたいと私が思ったのは、おそらく、空間とひとの技術・行為とがどのように関係を結ぶか、そのことへの徹底して注意深い試みを、自分の胸に刻みたいと感じたからなのだと思います。
　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　

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次回のABC と5月の日程変更のお知らせ。

次回は、２月23日（金）19:00～21:00 波止場会館４B です。テーマは「見開き日本美術史」を続けます。

その前口上を以下に掲げる前に、５月の土曜日のABC が19日に変更せざるを得なくなったことをお知らせします。このところ、土曜午後の波止場会館の部屋を確保するのが、とても厳しく、当初予定の第二土曜12日は、4Aも４Bもとれませんでした。やむなく19日、これはやっと4Bが確保できたという次第です。
HPのほうには、変更を赤字で掲示しております。
４月5月の気候のいい時に海を眺める部屋がとれなくて、すみません。

さて、次回は、以下のような心構えで、芥川龍之介の「秋山図」という短編を読みます。
テクストは、アドレスをいただいているみなさんには（以下の前口上と揃えて）bccでお送りしましたが、もちろん、当日にも用意しておきます。コピーし忘れた方、はじめてABC を訪ねてくださる方、ご心配なく。（芥川の「秋山図」は文庫に入っているのがなく、ちくま文庫の全集版ですと第４巻に入ってますが、青空文庫は、底本にしているのが仮名に開き過ぎていて、ちょっと芥川に可哀想な日本語。ボクが用意したのは文庫本全集をベースにして調えたテクストです。これも、仮名遣いは新仮名だし漢字は新字。初出通りでないことはそうなのですが...）

さて、前口上です。

これまで、いろいろな材料に当りながら、日本列島で営まれてきた美術の歴史に見つけられる大きな特徴、別の言いかたをすれば、「日本美術史」を貫く「三大特質」として、（Ⅰ）この列島に生きてきた人々の感性・思考に沈み込んでいる〈無文字文化〉の遺産、（Ⅱ）表現の方法としての〈見立て〉、（Ⅲ）表現の型として〈三体（真行草）〉が観察できることを勉強してきました。（〈無文字文化〉は日本列島に限らない、地球的な現象で、それぞれの地域、時代で、濃淡の差こそあれ、観察できるはずです。）
日本列島の場合、この Ⅰ の働きがのちのちの〈文字文化〉の時代に入っても大きな働きをしていきます。

Ⅰ、Ⅱ、Ⅲの相互関係を観察すると、Ⅱの〈見立て〉は、Ⅰ の〈無文字文化〉に支えられ（〈無文字文化〉の意識層が蠢いているからこそ〈見立て〉の方法が選ばれ、〈見立て〉の方法が育ち）、Ⅲの〈三体〉は、 Ⅱ〈見立て〉の方法が共有財産である場で、Ⅱの方法をより生かそうとして、活用されてきたこと、また、Ⅲのうちの〈草〉は、つねに次の世代の〈美〉のありかたを開拓する働きをしていることも、理解してきました。

もう一つ。これらのⅠ、Ⅱ、Ⅲの美的意識の働きを促す、その起源的（身体）動作として、ａ〈覗く〉、ｂ〈握る〉、ｃ〈削る〉の三つの身体行為が観察できることも見てきました。

これらのⅠ、Ⅱ、Ⅲとａ、ｂ、ｃの働きを念頭に置いて、美術館や画集で見る作品を観ていると、作品との新鮮な出会いが待っているはずです。それを期待しつつ、長谷川等伯（その「松林図」屏風）、北齋の諸作（『三体画譜』『富嶽百景』、そこに寄せた彼の文章、俳句川柳）などを訪ねてきました。

北齋については、もっと考えていきたいのですが、その前に、画像が遺っていない、つまり作品（あるいは作者）についての記述は遺っているが、作品は（その画像も）遺っていない作品をどういうふうに受け止めていくか、そんな試みをやってみたいと思います。その素材として、平安中期～後期の絵画の世界を描写している『古今著聞集』という書物を覗こうと思います。が、さらにそれに入る前に（文章から画像を考える作業の楽しさを味わうために）、近現代の小説家が描いた、現在は観ることの出来ない作品を、その作家の文章から読み出していくという作業をやってみたいと思います。

ということは、これから、みなさんと試してみたいのは、〈画像なき美術史〉の可能性なのです。

私たちは、美術史の本など開くと、必ず「何々時代」という項目の下、作品例の図版が載っていて、その作品と照らし合わせて、歴史の一コマを理解しています。しかし、文書に書き遺されているけれども、作品は現存しない作品例はたくさんあります。そしてそれらは、作品が現存しない、図像がないという理由で「美術史」の対象から外されてきました。そういう作品は、文章に書き留められていたということからしても、書き留められないまま現代にまで残ってきた作品より、当時の人にとっては、価値があったはずです。それらを、作品はないし、画像もない、という理由で排除するのは問題だといえます。視覚像としては確証できない作品を全く無視した美術史というのは、重要な事実を無視した歴史書ということになります。

この視覚像としては確証できないが、たしかにその時代にあって人びとの心を動かした作品と、どのように向き合い、それをどのように現代という場に書き起こせばいいのか、これは、とても大切な現代人の課題です。

さらに、問いを詰めれば、画像を添えておけば、作品の説明がつくかのごとく複製図版を掲載している現在の美術史・画集の「図像」は果たして、本物の「作品」のどれだけ「それ自体」を写し出しているか、複製図版を見ていて本物を観たつもりになっているのは、どこにも本物の作品のない「作品」を記述する文章を読んで、その作品をイメージするのと、どこが違うのか。こう考えると、問題はなかなかやっかいになってきます。その問題に挑戦してみようというわけです。

画像は与えられていないけれどその作品の図像絵柄についてイメージ豊かに記述している小説で、ヨーロッパでは、ボクはなによりもまず、プルーストの『失われた時を求めて』の、架空の画家エルステールのアトリエを訪ねて、そこで観たという作品の描写が頭に浮び、それについて語りたい誘惑に駆られるのですが、それは我慢して、「日本美術史」に関係ある小説なら、すぐに思い浮かぶのが、幸田露伴の「観画談」、芥川龍之介の「秋山図」。今回は、芥川龍之介の「秋山図」を読んでみたいと思います。

「秋山図」は、中国の画家を素材にした小説ですが、芥川は、惲南田の文章「記秋山図始末」（今関壽麿『東洋画論集成』一九一八所収）をネタに書き上げたのが、この短編です。

ここから、どんなメッセージを読み取るか、そして、この記述から、どんな「秋月図」をイメージ出来るか。みなさん、たのしんで読んでみてください。　

では、23日に！
kinoshitan

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宇治郷毅氏による「木下長宏」紹介

宇治郷毅氏が「友人木下長宏紹介」と題したエッセイ（というより論）を書いて、同志社大学校友会のブログのに掲載してくれたのを、彼の許しを得て、その全文を「ABCの部屋」に転載しました。

なにしろ、長文ですので、本文を５回に分けて掲載しました。

そしてその前に、ボクが宇治郷氏とはいかなる人か、ちょっと紹介しておきましたから、これを加えると、全６回にわたります。weblogですので、いちばん始めの記事が下に来ます。ボクの「序」がいちばん下にあります。

長いですが、ぜひ読んでください。

kinoshitan

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宇治郷毅「木下長宏」紹介（五）

③ 私塾〈土曜の午後のABC〉を主宰
木下さんは、2005年3月で「大学」という組織から解放され、待っていましたとばかりに2ヶ月もおかずに私塾〈土曜の午後のABC〉を横浜市で開いた。月2回、土曜日の午後に（現在は金曜日も追加されている）開かれ、取り上げるテーマはおもに人物だが、その頭文字をＡからZまで26人を選んで語るという意味で、会の名に「ABC」をつけている。場所は、現在は「波止場会館」（中区海岸通り）である。
木下さんはこの会（集まり）の目的について、「僕の話を聴いてもらって、その日の午後のひと時、なんらかの知的活動の手応えを共有し合える、そんな集まりにしたい」と述べている。木下さんは組織に縛られないで（大学という組織は規則だらけ、拘束だらけなので）、自由に自主的にお互いの考えをぶつけ合い、お互いを高めあっていける、いわばすべての参加者が互いに教えあい、学びあえる場（‘知的活動の手応えを共有し合える場‘）としての真の意味での「私塾」を意図したのかもしれない。効用や利益がすぐに求められ、またそれを売り物にしている市民講座が町に氾濫している現代ではあるが、このようなじっくり考える場が存在するのはまことに貴重である。異色の集まりと言えよう。
会は、2017年度で第12期を迎えている。資格は問わず、いつでもだれでもが参加自由の会だが、美術、文学などに「好奇心のある方」が参加しているようだ。私は参加したことはないが、会のブログやファンサイトなど見ていて、自由闊達な会の雰囲気が伝わってくる。取り上げるテーマやテキストも普通の講座とは一味も二味も違う。たとえば2018年度は、「「老子」から教えられること」と「見開き日本美術史―作品編」だ。
この私塾について木下さん自ら次のように紹介している。これ以上の説明は要しないと思うが、じっくりと歩んでいってほしいと思う。
「木下長宏が企画、運営する、誰でも参加できる勉強会。美術、文学、思想etc.などのジャンルをクロスオーバーして、美の営みの根底にひそむものを考える。ジャンルや歴史区分で分かれ、パッケージングされた「美術史」のワクを取り払い、美の思想とは何かと問い、新たな美の歴史を問い直す連続講座。古代から現代までの詩歌、絵画、小説、哲学、神話、工芸等々に目を配り、人間の営みが生み出したひそやかな表現の襞から、その痕跡を丹念に読み起こす。内容は深く、難解な部分もあるが、誰でも楽しめる語りかたを目指している。」
④ 「芸術思想史」への壮大なる試み
　木下さんは、〈土曜の午後のABC〉で語った内容をまとめて、2009年に『美を生きるための26章　芸術思想史の試み』（2009）を刊行した。次の２６の人物、事績が取り上げられている。
　日本人：与謝蕪村、北一輝、土田杏村、中井正一、岡倉覚三、幸田露伴、坂口安吾、浮世又兵衛、
　外国人：レオン・バティスタ・アルベルティ、屈原、ワシリィ・エロシェンコ、ミシェル・フーコー、アルベルト・ジャコメッティ、イエス、アナ・メンディエタ、マルセル・プルースト、ドン・キホーテ、ヴィンセント・ヴァン・ゴッホ、シモーヌ・ヴェイユ、フランシスコ・デ・ザヴィエル、尹東柱、張彦遠
　事績：大乗寺、埴師―土師、ラスコー、敦煌莫高窟
この編成について、木下さんは「人間の、あるいは人類の知の営みの全体の中で欠かすことのできない活動としての「芸術」と呼ばれる活動を、その活動の最も奥深いところへ目を向けようとした」ときになされたものだと述べている。したがってここでは狭い意味での「美術」の枠を超えて、文学や思想などを含む「文化」としての「人間の活動総体」、とくに「芸術」の世界が俯瞰されている。この視点に立って、彼は「芸術思想史」の可能性を模索しているようである。
　この本で取り上げられた対象は興味深いものばかりである。しかも、それらが読みやすい文章で（これは真の学者の必須条件）、古今内外の文献を駆使しながら、しかも緻密な考察の上で、自制された姿勢を保ちながら、内容の本質を深く掘り下げている。私にとっては、この本は木下さんの著作の中ではもっとも愛読しているもので、またもっとも啓発を受けているものだ。
　木下さんは、この本を始め、最近は『自画像の思想史』（2016）なる浩瀚なる学術的著書や、『ミケランジェロ』（2013）など一般人向け著書も出している。これら最近の活動を見ると、木下さんは、全力で「芸術思想史」への大きな扉を開こうとしているように私には思える。それは他の学者、研究者の追随をゆるさないもので、新しい「日本近代芸術思想史」という地平を開きつつあるように見える。『美を生きるための26章　芸術思想史の試み』（2009）でその第一の嶺を越えた以上、第二、第三の嶺を越えて「地平」の先にたどりついてほしい。
木下さんは、同志社が生んだ最大の近代芸術思想史の研究者と言えよう。また日本の近代芸術思想の分野でも、独自の屹立した地歩を占めつつあると思う。今後に期待するところ大なるものがある。

３、木下さんとの愉快な思いで

木下さんとは50年に及ぶ長いつきあいとなるが、若い時には大いに語り、大いに食べ、大いに飲み、大いに旅行をした。また、大いにキリスト教関係の活動もした。当時は苦しいことも多かったが、今から思えばすべて楽しい追憶のかなたにある。
田舎者の自分にとって京都も大学もまったくの新天地であったが、学問はもちろん思想ことを同志社と「疾風怒濤」といってもよい時代が少しは教えてくれた。中でも友人との付き合いの中で学んだことが多かったが、木下さんは私に最も影響を与えた友人の一人である。木下さんを通じて生きるとは何か、思想とは何か、学ぶとは何か、友人とは何か、といった根源的なもの、現在の自分の基礎になっていることを多く教えられたことを感謝している。
３、木下さんとの愉快な思いで

木下さんとは50年に及ぶ長いつきあいとなるが、若い時には大いに語り、大いに食べ、大いに飲み、大いに旅行をした。また、大いにキリスト教関係の活動もした。当時は苦しいことも多かったが、今から思えばすべて楽しい追憶のかなたにある。
田舎者の自分にとって京都も大学もまったくの新天地であったが、学問はもちろん思想ことを同志社と「疾風怒濤」といってもよい時代が少しは教えてくれた。中でも友人との付き合いの中で学んだことが多かったが、木下さんは私に最も影響を与えた友人の一人である。木下さんを通じて生きるとは何か、思想とは何か、学ぶとは何か、友人とは何か、といった根源的なもの、現在の自分の基礎になっていることを多く教えられたことを感謝している。
追憶と言ったが、忘れてはならないことで、今でも意義があり、愉快に思っていることがある。それは木下さんの助力を借りて二冊の本を出すことができたことと、一冊の本に木下さんと共に名を連ねることができたことである。前者は、１、『変貌の季節を』（海声社、1988）、２、『言葉の礫　河崎洋子が問い続けたもの』（河崎洋子追悼集編集委員会編刊、2016）であり、後者は、３、『死ぬ日まで天を仰ぎ　キリスト者詩人・尹東柱』（日本基督教団出版局、1995）である。
１と２は、大学時代の共通の恩師であり、友人でもある故同志社大学宗教部主事河崎洋子に関する本である。１は、河崎洋子の唯一の著書となったもので、木下さん、森田進さん（当時恵泉女学園短大教授）、それに私（当時国立国会図書館司書）の３人が協力して刊行したものである。2は、河崎洋子の追悼集（遺稿を一部含む）であり、同志社大学時代、キリスト教関係団体で知り合った上記3人と森田直子（森田進夫人）、工藤弘志夫妻、岡本紀明、菅野真知子、人見一晴の諸氏にも加わってもらい編集刊行したものである。苦しいことも多かったが、多くの仲間と共に同志社史に特筆すべき人物の記録を残すことのできた喜びと幸せを今でも感じている。
３は、同志社大学在学中に治安維持法の犠牲となり1945年に獄死した韓国の国民的詩人尹東柱（ユン・ドンジュ）についてのもので、その没後50周年を記念したもの。日本基督教団出版局の編集したものだが、木下長宏、森田進、宇治郷毅など7人の共著である。
まことに思い出深い三冊の本であるが、これらにより木下さんと共通の精神世界を共有できたことを深く感謝している。
　　　　　　　　　　　　　　　　　　（うじごう・つよし、2018年1月21日記す）