茂木大輔：もぎ議録

続きです。

Fri, 27 May 2016 15:15:19 +0900

・鉄道、鳩

ドボルジャークは家庭人であると同時に趣味人であり、その究極は鉄道マニアと伝書鳩の飼育でした。

この交響曲に限らず、ドボルジャークの作品には鉄道を思わせる、規則正しい無骨なリズムや、連結器のぶつかるような音、汽笛、ブレーキなどを連想させる一種のノイズが聞かれます。ただ、これらがどの程度具体的に鉄道と関連しているのかは不明で、もともとの作風にそうした雰囲気があって、後世の人々がそれを個人的趣味と結びつけて語るようになったという部分も否定できないと考えています。鳩の声は、第３楽章の結婚式の場面で啼く声としてクラリネットなどのトリルで表現されており、これはかなり似ています。ドボルジャークがお金欲しさに（？）アメリカでの仕事を引き受けた理由の一つが、「伝書鳩の小屋を建てたかったから」という逸話がありますが、この真偽も自分には不明です。なお、今日、ウィーンとプラハを結ぶ特急列車には「アントニン・ドボルジャーク号」と命名されたものがあるそうです。

鳩に餌を上げるドボルジャーク

・弦楽４重奏曲第１２番ヘ長調「アメリカ」作品９６より第１楽章

ドボルジャークは、「新世界から」交響曲を完成したあと、ニューヨークでの多忙な生活を離れて、チェコ人のアメリカ入植地であった「スピルヴィル」という田舎で最初の休暇を過ごすことにし、チェコに残っていた子供たちも呼び寄せて、久しぶりにチェコ語で会話出来る喜びに安心しながら過ごしました。このスピルヴィルで、ドボルジャークは強い作曲上の霊感に捕われ、驚異的な短時間のうちに弦楽４重奏曲「アメリカ」を完成しました。この曲はパスティッチョでもなく、何か強い外的な要請や責任から離れたところで作曲されており、「新世界から」に比べても、自由でのびのびとした創作であると感じられます。

弦楽４重奏曲というジャンルの特徴である複雑な緊張感のある曲ではないのですが、すべての主題がペンタトニック的素朴な民族性を持っており、遠い距離感から強い望郷の念を感じさせます。ヴィオラ奏者であったドボルジャークの名人芸的な弦楽器の扱いも、この作品を弦楽４重奏曲というジャンルでもっともポピュラーなものにしています。今日は、N響メンバー４人で、それぞれに室内楽、ことに弦楽４重奏の分野で素晴らしい業績を重ねている宇根京子さん（第１ヴァイオリン）今回のコンサートマスターでもある大宮臨太郎さん（第２ヴァイオリン）飛澤浩人さん（ヴィオラ）藤村俊介さん（チェロ）によって、この第１楽章を聴いて頂きます。お楽しみに！

当時のスピルヴィル

・チェロ協奏曲ロ短調作品104

チェロが協奏曲を演奏できる楽器である、ということを多くの作曲家が意識していたことは間違いないでしょう。モーツアルトには未完の「協奏交響曲（ヴァイオリン、ヴィオラ、チェロのための）」がありますし、ハイドンの名作「チェロ協奏曲（第２番：1760頃？）」を書かせたアントン・クラフトはベートーヴェンと親密な関係にあったシュパンツィヒ弦楽四重奏団の初期メンでもありました。しかし、ベートーヴェンからは「３重協奏曲（ピアノ、ヴァイオリン、チェオのための）：チェロの比重が極端に大きい」以外にはチェロ協奏曲は書かれませんでした。

ハイドン以降、音楽史に意味深いチェロ単独のための協奏曲が現れたのはシューマンの傑作（1850）が久しぶりのもので、サン・サーンスにも佳曲（1872,1902）があります。そのあと、本日演奏するドボルジャークの大傑作（1895）まで、ほとんど名作は生まれませんでした。

チャイコフスキーの「ロココの主題による変奏曲（1877）」は実質的なチェロ協奏曲ですが、規模は小さく、また、初演者による大胆なカットと改定が問題を残しています。独奏とは違いますが、チェロが重要な協奏曲としてはブラームスの「ヴァイオリンとチェロのための２重協奏曲（1887）」があります。

このように、チェロを管弦楽と共演させるという素晴しいアイデアは、なにかの事情によって、大きく流行することなく１９世紀は終わろうとしていたことになります。

ドボルジャークのアメリカ滞在の終わり頃、むしろ帰国直前になって、突如としてこのチェロ協奏曲の創作が開始されました。それは「チェロ協奏曲」というジャンルの不動の最高傑作となったのでした。

この曲の中で、チェロの持たされている役割が、必ずしも重要旋律を常に歌い続けている、前面にいて活躍する、といった協奏曲ソリストの普通の立場ではなく、管楽器の長いソロや重奏を繊細に伴奏し、あるいはその一パートとなって一緒にアンサンブルし、また弦楽器への対旋律を作り、といった、多様なものに設定されていることは決定的に新しく、興味を惹きます。

それまでの時代に、ヴァイオリン協奏曲やピアノ協奏曲と同じ発想でチェロ協奏曲を作ろうとして成功しなかった理由の一つに、音域が存分に広いが、高音域の音量や透徹力が弱いという問題があり、ドボルジャークはそのやや鼻にかかったか細い声を、逆に存分に利用して、変化に富んだこの傑作を編み上げたのでした。前述のように管弦楽（ことに管楽器）にも単なる伴奏に留まらない極めて重要な役割が与えられていて、第1楽章の冒頭やホルンの美し過ぎる旋律など、オーケストラの演奏には大きな喜びとやりがい、緊張感が伴います。

・なお、２０世紀に入って、名手の活躍が増えて来たこともあるのか、「チェロ協奏曲」には立て続けに素晴らしい作品が生まれています。本日の独奏者、新倉瞳さんの新しいCDにも収録されたエルガー（1919）、ショスターコービチ（1959、1966）現代音楽にもかかわらず人気曲となったデュティユー（1970）等多数があります。

チェルマーコヴァ問題

ドボルジャークは、まだ２４歳の若き頃、生活のためにチェルマークという家の姉妹の音楽の家庭教師となりました。姉のヨゼフィーナ・チェルマーコヴァにドボルジャークは熱烈な恋心を抱いて、たくさんの歌曲を捧げましたが、この恋は実りませんでした。のちにドボルジャークが結婚したのは、妹のアンナのほうでした。

「チェロ協奏曲」の作曲中、ドボルジャークはその初恋の人（いまは義理の姉にあたる）ヨゼフィーナが重病であるという知らせを受け、かつて作曲し、彼女に捧げた歌曲「１人にして（Lass mich allein）」を第２楽章の中に引用しています。

姉：ヨゼフィーナ・チェルマーコヴァ

作品の完成後、ヨゼフィーナの死を知らされたドボルジャークは、第３楽章の最終場面をさらに描き直しました。この旋律を改めて静かに引用してそれが祈りの音楽（教会の鐘やコラール）とともに清らかに昇天してゆく部分を作ったのです。

この部分を非常に重要と考えていたドボルジャークは、「カデンツアを入れて欲しい」という、予定されていた独奏者ハンス・ヴィハン（本作品の成立にも助言し、かなり親しい信頼していた演奏者でした。）からの希望に激怒して、初演者をレオ・スターンに変更してしまったほどでした。

情熱的なチェロ協奏曲の最後、故郷と青春を回想して高音域で静かに歌うチェロは、それを知って聞くものに必ず涙を誘うでしょう。

・ドヴォルジャーク：かつての恋人（姉）のための歌曲「１人にして」冒頭

・「チェロ協奏曲」最終場面での引用（ヴァイオリン独奏：前後に死の暗示と昇天の暗示）

茂木大輔（2016）

アメリカのドボルジャーク（りゅーとぴあ６月１２日）パンフレット先読み！

Thu, 26 May 2016 21:13:08 +0900

６月1２日：りゅーとぴあでのコンサート是非お越し下さい！

http://www.ryutopia.or.jp/schedule/16/0612c.html

プログラム

ごあいさつ

昔は、「ドボルザーク」と呼び、交響曲第５番「新世界」といい、「家路」と言ったものでした。

高校の入学式で、この曲の第４楽章を吹奏楽部が演奏したことが、自分をブラス少年としての高校時代、ひいては音楽大学、プロの道へと導きました。最初に入団したオーケストラであった新星日響（現在東フィルと合併）では、中高の音楽教室でおびただしい回数、この「新世界」を演奏してきました。その不思議な和音やダイナミックな金管楽器が咆哮する響きのあちこちには、理屈抜きの音楽へのゾクゾクする感動の記憶が染み込んでおり、音大３年で徒弟のように入団したオーケストラの本番でやらかした数々の失敗、体育館でヒザを抱えて聞いている少年少女の光景や、亡くなってしまった佐藤功太郎先生（当時の常任指揮者）の思い出とともに、蘇ります。

そうした、どこか懐かしい、少し汗臭いような心の温かさを感じるのは、ドボルジャークという作曲家の個性であり、最大の魅力でもあるでしょう。

おそらく地球上で最も愛され、演奏回数が多い交響曲である「新世界から（新世界より）」（ドボルジャーク；交響曲第９番ホ短調作品95）、そして、チェロという魅力的な楽器のための最も有名な協奏曲＝ドボルジャークの「第１０交響曲」でもある「チェロ協奏曲ロ短調作品104」を中心に、今日は皆さんと一緒にじっくり楽しんで行こうと思います。

いつものように、演奏と解説演奏に協力してくれるのはコンサートマスター大宮臨太郎さん以下、N響の同僚を中心に実力派の若手奏者の集まった「もぎオケ交響団」、その精鋭によるカルテット（弦楽４重奏）、そして今回、チェロのソリストとしてスイス在住でトップレベルの活躍中である新倉瞳さんをお迎えしています。どうぞ、最後までごゆっくりお楽しみ下さい。

茂木大輔

演奏曲目ページ

ドボルジャーク：交響曲第９番ホ短調「新世界から」

解説演奏

・「望郷」の響き

・黒人霊歌とそっくりな主題

・練習してから付け足した２小節（第１楽章）

・「家路」の名旋律は音が違っていた？

・５つしか音が無い音階は懐かしい。（「アメリカ」４重奏曲も）

・チューバ、トロンボーンは葬儀の象徴

・オペラになるはずだった「新世界」（第２楽章）

・結婚式に道化が踊り、鳩が啼く？（第３楽章）

・汽車が大好きドボルジャーク

・ワグナー大好きドボルジャーク（第４楽章）

ほか

全曲演奏

演奏：もぎオケ交響団

イングリッシュホルン：和久井仁

指揮：茂木大輔

休憩

ドボルジャーク：

弦楽４重奏曲第１２番へ長調「アメリカ」より

第１楽章

N響メンバーによる弦楽４重奏

宇根京子（第１ヴァイオリン）

大宮臨太郎（第２ヴァイオリン）

飛澤浩人（ヴィオラ）

藤村俊介（チェロ）

ドボルジャーク：

チェロ協奏曲　ロ短調作品104

全曲演奏

チェロ：新倉瞳

管弦楽：もぎオケ交響団

指揮：茂木大輔

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出演者写真、パンフレットページ

茂木大輔

ミュンヘン国立音楽大学大学院修了（オーボエ専攻）バンベルク交響楽団、バイエルン放送交響楽団などで首席オーボエ奏者に客演するほか、ヘルムート・リリンクのもとバッハ演奏を集中的に学び、録音、世界各地への演奏旅行などに参加。86年からシュトウットガルト・フィルハーモニー管弦楽団の第1オーボエ奏者を経て、1990年からNHK交響楽団首席オーボエ奏者。ソロ、協奏曲、音楽祭への出演など多方面で活躍するほか、独自の企画による多数のＣＤをリリースして注目を集める。

96年から指揮活動に入り、オーケストラの楽器や、バッハの教会音楽、ベートーヴェンのシンフォニーなどの解説コンサートで全国的に活躍。現在までに仙台フィル、山形交響楽団、アンサンブル金沢、東京フィル、名古屋フィル、兵庫PAC、広島交響楽団、九州交響楽団など多数の団体を指揮している。

山下洋輔・筒井康隆をはじめジャズ、文学とのコラボレーション、作曲、即興、「Ｎ響アワー」「ららら・クラシック」「DJクラシック」「たけしの誰でもピカソ」「NMBとまなぶくん」などテレビ・ラジオへの出演、NHKカルチャーを始めとするレクチャー、音楽史研究、楽譜研究など活動は硬軟含めて極めて多岐に渡っている。

二ノ宮知子「のだめカンタービレ」原作に取材協力、ドラマ、アニメ、映画では「クラシック監修」と俳優の演奏演技指導などを担当した。自ら企画・指揮する「生で聴くのだめカンタービレの音楽会」を全国展開。一流オーケストラとソリストを起用して本格的演奏で高い評価を得ている。

2009年より、４年間にわたって東京音楽大学および大学院にて指揮実技、音楽理論、スコアリーデイングなどを学び、２０１３年優秀な成績をもって大学院を卒業。指揮を故：岩城宏之、および外山雄三、広上淳一、田代俊文、三河正典の各氏に師事。

執筆でも知られ、「オーケストラ楽器別人間学（新潮文庫）」など多数の著書がある。

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以下解説

・ドボルジャーク

ドボルザーク？ドボルジャーク？

この作曲家の名前は、チェコ語でDVORAK(複雑な記号がついてます。タイプできないので、印刷では再現して下さい。)です。

Rの上にVのような記号、Aの上にはアクソンのような斜線/記号が付いています。このＲ（記号付き）は、どうやら、Rzh、のように（一音として）発音されるべきもののようで、ムリに片仮名で書くと「ルズ」、母音aを伴うと「ルジャ」に近いもののようです。

「ようです」ばかりで要領を得ないのですが、実はシュトゥットガルト・フィルに在籍していたとき、第２ヴァイオリンの首席奏者がチェコ人（指揮者ラファエル・クーベリックの甥で、やはりラドファン・クーベリック氏）で、演奏旅行の途中、汽車のコンパートメントの中で向かい合って、この発音を教えてもらったことがあるのです。しかし、３０分間もトライしても、（片仮名では「ルジャ」にしか聴こえないのに）どうしてもオッケーを貰えませんでした。おそらく世界中の人にとっても難しい発音なのではないかと思います。

スペルから見ても、せめて「ドボラーク」ならそれらしいが、「ドボルザーク」ではあまりにも間違い過ぎ、という事で、せめてもの処置として最近は「ドボルジャク」または「ドボルジャーク」と表記しているようです。

「新世界」？「新世界から」？

ドボルジャーク自身のつけたチェコ語の標題（「Z NOVEHO SVETA」）(編集注！２つの「E」の上にアクソン記号アリ)があり、英語に訳すと、「フロム・ザ・ニュー・ワールド」となるもののようです。ようです、ばかりですみませんが、チェコ語が全く解らない物で・・・・。「新世界」とはアメリカ大陸のことを当時広くこう呼んだようで、それを指していますが、「新世界交響曲」だけでは、「アメリカを描写した交響曲」となってしまい、本来の、「アメリカからの（故郷チェコへの）便り（今アメリカにいて、故郷を思う、アメリカの印象を伝える）」というニュアンスが消えてしまいます。日本の場合、人（出身地）によっては「通天閣」などを連想してしまうかも・・・笑。

この交響曲は、ドボルジャークの故郷であるチェコではなく、アメリカで作曲されました。ドボルジャークは51歳であった1892年の１０月から、途中一度の帰国をはさんで1895年の４月まで、約３年半のあいだ、ニューヨークに創立された「国民（National）音楽院」の院長（教授）としてアメリカに滞在していました。この期間のドボルジャークは非常に多忙であって、作品の数は決して多くなく、この交響曲第９番、弦楽４重奏曲第１２番「アメリカ」、および、アメリカを引き揚げてくる直前に書かれた「チェロ協奏曲」以外には、ほとんど大きな作品は書いていません＊。そして、不思議なことには、この３曲は、それだけでドボルジャークの名声、人気を数倍にも引き揚げたのではないかと思える魅力を放っており、もし、この３曲が無かったら、おそらくドボルジャークは現在よりもはるかに低い評価、演奏回数しか得られていなかったのではないかと思います。「新世界」での生活が、この大作曲家の創造力を、さらに高めて音楽史上最高の作品を生み出させる事になったと言ってもよいでしょう。

＊ほかに、カンタータ「アメリカの旗」、弦楽５重奏曲、ヴァイオリンのためのソナティーナ、ピアノのための組曲、「聖書の歌」、「ユーモレスク」がある。

アメリカに到着したドボルジャークと家族

交響曲第５番？第９番？

最近、というよりぼくが子供の頃にはすでにこの曲は第９番でしたが、かつて第５番と呼ばれたことがある、という情報は知っていました。シューベルトの交響曲も番号が何回も変動しましたが、実は２１世紀の今、このことを書くのは少し理由があります。

つまり、この曲が第５番であったのは、初期の４曲が黙殺されて出版されず、現在の第５、６、７、８、９番のみが出版されて、それぞれ３（５番の出版が遅れたため）、１、２、４、５番と呼ばれていた、という事情によるものです。（一番遅い「第２番」は１９６１年の出版。）

このことは、死後発見された現在の第１番は別としても、ドボルジャークの初期作品が今から考えるよりは人気がなかったという事実と、さらに重要な問題として、チェコという当時文化的には後進国と考えられた国の作曲家であるドボルジャークが、自作の出版、ひいては全ヨーロッパからアメリカに至る名声を獲得する上で超えて行かなくてはならなかったハードルがあったことが解るのです。

ドボルジャークはチェコのプラハで国民劇場のヴィオラ奏者として生計を立てながら、先輩スメタナの（チェコ音楽史最初の大作曲家：「モルダウ」などで知られる。）協力で交響曲が初演されるなど才能を次第に認められて行きましたが、生活は苦しく、希望していたオペラの作曲のために時間を取る事が出来ずにいました。

こうした状況を打開したのは、オーストリア（歴史的にチェコの支配国家であった）の奨学金に応募してそれを獲得したことであり、その審査員であったブラームスに認められて、ドイツの出版社ジムロックを紹介された事でした。

つまり、チェコの国民楽派は、自国内の需要・評価だけではまだ自立してゆくことができず、ドイツ語圏、またのちにイギリス、やがてはアメリカといった外国で成功することが、新しい歴史のために必要なプロセスだったと言えるでしょう。

このジムロックとの出版をめぐるやり取りからは、ドイツの出版社ジムロックがチェコ人ドボルジャークに求めていた物が、出来る限り民族的な、しかもピアノ曲（「スラブ舞曲」など）や歌曲のような通俗的な小品であり、作曲家の名前さえチェコ語ではなく、ドイツ語で表記するという屈辱的な取り扱いを続けていたことが解ります。この状況を打開出来たのは、１０年も経ってからのことでした。それでもなお、交響曲は売れ行きが悪い、と「第８番」を買い叩いたことで、ドボルジャークは出版社と決裂、この作品はイギリス（ノヴェロ社）から出版され、「イギリス交響曲」と呼ばれることになりました。
なお、「新世界より」の第９番は1893年１２月のカーネギー・ホールにおける初演も空前の大成功を収めており、再びジムロックから、ブラームスの校訂によってドボルジャークのアメリカ滞在中である初演の翌年、1894年に素早く出版されました。

ドボルジャークと出版社を巡る関係の変化は、ドイツ、フランス、イタリアだけが独占してきた音楽文化の生産が、ロシア、チェコ、ポーランドなどの民族主義運動と連動して力強くなってゆく歴史そのものであったと言えると思います。

アメリカのドボルジャーク

ドボルジャーク（1841－1904）が５０歳となった1891年に、大富豪の夫人であったアメリカ人、ジャネット・サーバー女史から、新しく設立する「ニューヨーク国民音楽院」の院長としてニューヨークに来て欲しいという依頼を受けました。

この時期までにドボルジャークはチェコ国民楽派を確立した大作曲家としての国際的評価を得ており、たびたびイギリスを訪問して大成功するなど、充実した活動期にありました。
自然と故郷を愛するドボルジャークにとって「新世界」アメリカへの移住は気が重く、一度は断ったのですが、提示された報酬は非常に高い物で、子だくさんでもあったドボルジャークは就任したばかりのプラハ音楽院教授を休職して、夫人と二人の子供（６人の子供がいた）だけを伴ってアメリカに渡る決意をしました。

なぜ、アメリカに新しく専門の音楽学校を創立するという高い志をいだいたサーバー女史がドボルジャークを選んだのか、という点は興味のあるところです。

フランスはパリ音楽院（「コンセルヴァトワール」）を筆頭に、音楽理論、演奏実践の教育機関としては世界一の国で、多数の優れた教師を輩出していましたし、ドイツにもブラームスを始め多くの音楽史に名を残す作曲家や演奏家がおりました。

それにも関わらず、あえてチェコ人のドボルジャークに白羽の矢を立てた理由として考えられる事は、サーバー女史が目指していたのが、ドイツやフランスのコピーとしての音楽（と、その作り方、演奏法）を「輸入」することではなく、まさにチェコやロシアのように、国民の独自性に基づいた「アメリカ音楽」を創始することであったから、という事実があります。

その一つの素晴らしい現れは、サーバー女史の音楽院には、人種差別の厳しかった時代にも関わらず、黒人や先住民族の若者にも門戸を開いて学ばせる開放的な制度があったことでした。

この制度を通じて院長就任後のドボルジャークは、（実際には住居と学校、そして趣味の鉄道や船を見るための駅や港への往復しか行動範囲が無かったにもかかわらず）黒人や先住民族の歌や音楽を多数集める事ができ、それに基づいて論文も発表しているほどでした。この成果が、「新世界より」の交響曲には結実しているという見方もあり、多くの学者がそれを分析して来ましたが、確固たる結論には至りませんでした。

のちほど御説明する「ペンタトニック」（５音音階）など、民俗的なムードを持つ旋律は、黒人霊歌などに共通するものでもありますが、スラブ風の音楽にも感じられ、事実、ドボルジャークのヨーロッパ時代の創作にも、多く観察されるものだからです。

ドボルジャーク自身は書簡にこのように記しています。

“私がインディアンやアメリカの主題を使ったというのはナンセンスです。嘘です。私はただ、これらの国民的なアメリカの旋律の精神をもって書こうとしたのです”

1900年頃のニューヨーク

ドボルジャークの作風

先ほども書いたように、ドボルジャークの作品は作品番号のつけられているものだけでも１１５曲もあり、それが１１曲ものオペラ、３つの大きなオラトリオ、９曲の交響曲、複数の交響詩、１４曲の弦楽４重奏を含んでいるなど、ほぼベートーヴェンの全創作と釣り合う分量があります。

しかし、初期の「スラブ舞曲」、「スターバト・マーテル」や「レクイエム」、交響曲では７、８、９番、チェロ協奏曲など、日常演奏される曲目は人気が集中する傾向にあります。逆に言えば、作品の大半は、これほどの人気作曲家の割には顧みられていないとも言えますね。

というわけで、ぼくも全作品を知っているわけではなく、（交響曲でさえ）こうした人気作品からの印象でしかないのですが、その作風はまずなによりも非常に豊かな旋律にあります。

ブラームスが「私は彼がくずかごに捨てたスケッチから交響曲を書けるだろう」と言ったという逸話は有名ですが、「アメリカ」４重奏曲の第１楽章を一晩で書き上げてしまうほどの早書きでもあったドボルジャークは、一つの楽想を丹念に練り上げて、緻密に構成してゆくというよりは、心に浮かび上がってくる旋律を次々に作品に盛り込んで行くだけで充分魅力的な作品になってしまうという作曲法を取っていたように感じられます。

スコアを調べても、伴奏形や旋律の発展（展開）には凝り過ぎたようなところはなく、むしろ単調な反復などが多く、それがポップスなどにもつながって行く、自然に聞いて楽しめる音楽としての側面につながっているのかもしれません。
皮肉な事に、「新世界から」と「アメリカ」は、こうした「単純だが旋律満載」の作風の究極とも言える物で、例えば交響曲６、７、８番などは、旋律にも魅力はありますが、全体の知的な構成や微細な変化の工夫等において、「新世界から」よりも精密、ことに７番のたたえている情感の深さや８番のかっちりした構成は本当の名曲であると感じられるのに、人気は９番が圧倒的。「旋律は曲の顔である」と良く言いますが、「顔のいい、気難しくない人（元気な人）はモテる！」なのかも知れないですね。笑。

その、旋律美と深みという一見矛盾するような２つの原理ですが、その双方を頂点において結実させたのではないかと感じられるのが「チェロ協奏曲」です。あまりにも豊かな、つぎつぎと湧き出る名旋律の泉と、丹念に筆の先を巡らせて塗られた水彩画のような緻密な音響の結合がこの作品にはあります。独奏チェロの活躍を伴った「交響曲第１０番」、と呼びたくなるほどの管弦楽の活躍もまた、この曲の演奏の喜びを数倍にもしてくれています。今回、作曲順に従って「チェロ協奏曲」を演奏会の最後に持って来たのも、そうした理由からでもあるのです。

「ペンタトニック」と「シンコペーション」

ドボルジャークの、「国民楽派的」な、民族性を感じさせる音楽の要素として重要なのは、なんといっても民族舞踊のリズムを強力に取り入れた事と、民族衣装のように色彩的な音色（管楽器など）の用い方でしょう。２拍子と３拍子が衝突しながらダイナミックに開始される「スラブ舞曲集」（第１番）に、その精神は漲っています。

ロシアのチャイコフスキー、ボロジンなどが民謡風の、悲しくセンチメンタルな旋律を多用したのに対し、チェコのドボルジャークは、どちらかといえば明るい、明快な旋律を得意としています。（むろん、短調での情熱的な爆発もありますし、短調と長調が一瞬で交代するのも民族的に響きます。）この明快さの秘密は、「ペンタトニック」（５音音階）と呼ばれる、旋律の音の用い方にあります。

普通音階は、長調ならドレミファソラシド、と７つの音が一オクターブを構成していますね。ピアノの白鍵の音がそれに当たります。

これ以外にも黒鍵の音（合計１２）があるのですから、７音だけでもシンプルなほうなのですが、ペンタトニックではさらに、「ファ・シ」（４、７番目の音）を抜いて

ドレミソラ、と５つの音だけを用います。

（ノイズは消す事）

日本の演歌でも「ヨナ抜き」と言ったりして同じ音階を使いますし、そもそも民俗的な音階を調査するとその多くは（配列には相違があっても）オクターブに５個の音階であることが多いそうです。人間古来の本能なのかもしれません。

ちょっと専門的になりますが、４、７の音は、その組み合わせだけで「ドミナント」（属７；ハ長調ならG７）の和音を構成することができる「増４度」の音程を作ります。この音程は、その和音を強制的にトニカ（主和音）であるドミソの和音（C）に進行させる機能があり、それが西洋音楽の根本を作って来ました。

音階から、あえてこの４、７の音を抜いて旋律を作れば、それは非常に安定した、どこまでも歌い続けられるようなシンプルなものにすることができるのです。

しかし、それだけでは交響曲は作れませんでしたから、国民楽派の作曲家たちは、ペンタトニックと、普通の和声法に基づく音の配合（ドミナント進行）を共存させるように様々な工夫をしていました。新世界交響曲の第２楽章のテーマが初稿で持っていた音の動きは、まさにそうした折衷的な方法の名残であったと思われます。（作品が完成したのちに推敲してペンタトニックのみで主題を作った。）

もう一つ、「シンコペーション」は、リズムの力点（アクセント）をあえてずらしていく方法で、新世界の第１主題が典型的にそれに当たります。これは旋律にがくがくとしたショッキングなエネルギーを与え、ちょっと「不良」のような、ワルなイメージにすることができます。

貴族、王侯（ひいてはキリスト教教会）の安全な生活や権威を、清潔、正確に規則正しく守られて行く（「メヌエット」など）小節冒頭のみの強拍・弱拍の交代とするならば、シンコペーションは、理屈抜きの民族のエネルギーを象徴するものと言えるでしょう。新世界の第１主題、第３主題との類似が指摘される黒人霊歌「揺れろ、幌馬車」（スイング・ロウ、スイート・チャリオット）には、典型的な逆付点シンコペーションがあり、非常にアメリカ的に響きます。

余談ですが、差別され続けた黒人の精神力の音楽であるモダン・ジャズが、そのシンコペーション力をすべての根源に発展してきたこと、そして、ジョン・コルトレーンやマッコイ・タイナー、チック・コリア等によって「モード・ジャズ（まさに旋法、５音音階のジャズ）へと昇華して行った事は、国民楽派音楽史の再体験とも言える歴史的現象だったと思います。

それぞれの作品

交響曲第９番ホ短調作品95「新世界から」

・「ハイアワサの歌」問題

この作品は、サーバー女史によって、「アメリカ最初の国民的交響曲」として激しく期待されていた事実があり、カーネギー・ホールでの初演に至るまで、相当の注文、催促があったと思われます。

そのことはニューヨーク滞在初期の、落ち着かない、忙しい生活のなかでドボルジャークが創作するには一定の制約をもたらしたのではないでしょうか。

ドボルジャークは、チェコ時代から、アメリカ先住民の生活・習慣・情緒を描いたロングフェロー(H.W.Longfellow)の長編叙事詩「ハイアワサの歌（The Song of Hiawatha:実質上の小説）」を愛読していましたが、この叙事詩は当時ヨーロッパで非常に幅広く読まれていた物でした。ドボルジャーク自身も、アメリカ滞在以前にもこの叙事詩を交響詩などの形で作曲を試みていましたし、サーバー女史はこのオペラ化を強く推薦していたようです。

結果としてこれらの試みの素材は、主人公ハイアワサの結婚の宴（「インディアンの踊り」；第３楽章）飢饉で死ぬハイアワサの妻ミネハハの音楽（葬儀の音楽、飢饉の音楽：第２楽章）として、「新世界から」の交響曲に用いられることになりました。「新大陸＝新世界」アメリカに対してドボルジャークが抱いていたイメージと、実際にその目で見た新しいエネルギッシュな近代国家アメリカとの印象が、「ハイアワサの歌」の素材によって音楽化されたということでしょうね。

具体的には、第２楽章の「家路」として知られる名旋律は、ミネハハの葬儀の音楽が元になっていると思われます。

「ギッチェ・マトニー、全能の神！

父よ、子供らに食べ物を！

どうか食べ物を、でないと死にます！

ミネハハに食べるものを

危篤のミネハハに食べ物を！」

「いとしいミネハハが目の前に

死んで冷たく寝ているのが見え

心の臓が張り裂けて

苦悶の叫びを上げたので

森も嘆いて打ち震え

点にある星までが

苦しみに揺れてまたたき震えた」

（中略）

やがて一同はミネハハを葬った

雪の中に墓を作った

奥深い暗い森のなか

なげきそよぐ栂（つが）の木の下に。

一番立派な晴れ着を着せ

白貂の毛皮でつつみ

白貂のように雪をかぶせて

一同はミネハハを埋葬した。」

「夜になると火を焚いた

墓の上で四度も燃やした

死出の旅路の魂が

極楽の島へ行けるように。」

（「ハイアワサの歌」ロングフェロー、三宅一郎訳：作品社刊より）

トロンボーン、のちに付加されたチューバ（葬儀の象徴）による荘厳なコラール、イングリッシュホルン（バッハ時代から狩りのオーボエと言われ、狩りが動物を殺すことから死の象徴とされてきた楽器）が主旋律を担当するなど、濃厚に死を扱った音楽と理解することができます。もっとも、この音楽は「望郷」や「家庭」を強く連想させる温かみにも満ちており、そうした理解で受容されてきた度合いのほうが強いというのは、皆様の実感でもあろうと思います。

注：むろん、これは「素材」を過去のスケッチを転用したということであって、交響曲「新世界から」が、この物語を表現した音楽でないことは、後に述べる第３楽章（結婚の宴）が、第２楽章の葬儀のあとに来ているということからも明白です。

「お聞きなされよ、どのように

やくざなポプクキーイスが

エナジッジ、伊達男が

ハイアワサの婚礼で踊ったか

楽師の中で名人チビアボスが

あこがれと恋の歌を歌ったか

大ボラ吹きのイアグーが

世にも珍しい語り部が

ふしぎな話を語ったか

祝いの席をにぎやかにし

たのしく時がすぎるように

お客が満足するように。」

（「ハイアワサの歌」～「第１１の歌：ハイアワサの婚礼宴」より）

このように、様々な別目的で発想した主題、旋律から交響曲を作ってしまうようなやり方を「捏ね合わせ（パスティッチョ）」と呼びますが、パスティッチョ交響曲の特徴は、旋律と雰囲気に富み、しかし統一感や緊張感が少ない、ということです。「新世界から」には、まさにこの特徴が宿っていると思われます。

・楽器法の贅沢

「新世界から」第２楽章冒頭の自筆楽譜。

この葬儀の音楽（第２楽章冒頭のみ。第２楽章最終場面にも追加するのは類推。）にのみ登場するチューバ、全曲で一発しか打たれないシンバル、第３楽章のみに登場するトライアングル、わずか４小節のみのピッコロ、家路主題のみのイングリッシュホルンなど、従来の交響曲に比べて楽器法の贅沢が目立っています。この交響曲がカーネギー・ホールで初演された段階（初演指揮者はワグナーの盟友ザイドル）までに、アメリカの管弦楽が充分に成熟して、楽器や奏者にも余裕があったこと、こうした追加の楽器を加える事で、第８番までの自らの交響曲とは異なる音響に進出して行こうとするドボルジャークの好奇心、意欲が感じられます。

ちなみに、この交響曲の全ての主題は管楽器の、多くは独奏（ソロ、またはソリ：一種類の楽器複数）によって提示されています。第１楽章

１；ホルン（２人）

２：フルート＋オーボエ

３：フルート

第２楽章

１：イングリッシュホルン

２：フルート＋オーボエ

第３楽章

１；オーボエ＋フルート（２番）

２：フルート＋オーボエ

３（中間部）木管合奏

第４楽章

１：トランペット（２人）＋ホルン（２人）

２；クラリネット

このことは音色の強い表出、変化を意味していて、また演奏も鮮やかで印象深い、独立感の強いものになります。

ことに印象深いのが第２楽章のイングリッシュホルン（大型のオーボエ）独奏ですが、それについては次項でも触れます。

・いくつかのオマージュ（敬意をこめて模倣すること）

ベートーヴェン「田園」

第１楽章の第１主題、第３主題が黒人霊歌と類似していることはすでに述べましたが、第３楽章の第２部分（「ハイアワサの歌」の結婚式の踊り）における、リズム感の狂った管楽器（バグパイプ等？）の描写は、直接的にベートーヴェンの交響曲「田園」を想像させます。ドボルジャークは、交響曲第８番を様々な意味でベートーヴェンの「エロイカ」（英雄；交響曲第３番）に似せて作りましたが、「民俗的」な素材を扱う上で、ベートーヴェンが「田舎の人々の愉快な集い」と書き加えた「田園」第３楽章が、ひとつのモデルとなっていたことは間違いないでしょう。

チャイコフスキーの作品

第２楽章の主題がイングリッシュホルンによる長いソロで提示されることは、この交響曲作曲より少し前の時点で交流が始まったチャイコフスキーの交響曲第５番（第２楽章が長いホルン・ソロで開始）からの影響が考えられます。

二人はお互いに自作交響曲のスコアを交換したことがあり、それはドボルジャークが「第７番」（1888年のプラハ）を贈り、その返礼としてチャイコフスキーが「第５番」、であったそうです。話は飛びますが、ドボルジャークの「チェロ協奏曲」の冒頭はこの「第５番」の冒頭にそっくりですし、チャイコフスキーの「ヴァイオリン協奏曲」第２楽章の冒頭は木管楽器の静かなアンサンブルで開始されますが、このやり方を、ドボルジャークは「チェロ協奏曲」で真似ています。

ワグナー

重要なオマージュのひとつは、ドボルジャークが作曲家として出発する時点であまりにも強大な影響力を持っていたワグナーとの関係を示しています。「新世界から」の第２楽章、第2主題（クラリネット・ソロとチェロによる応答）は、ワグナーの楽劇「タンホイザー」とあまりにも良く似ており、まごうことなきオマージュ（尊敬して、自作に取り入れる事）を形成しています。

ドボルジャークは初期の交響曲などではワグナーそっくりの音楽をいくつも書いているという事ですし、「パクり」というよりは尊敬のあまり似ている音楽をあえて書く、「オマージュ」という分類が正しいと思われます。

ほかにも、ペンタトニックを離れた部分での半音階的な旋律形成や、各楽章の旋律があちこちに顔を出す「循環形式」も、ワグナーの、それぞれの人物や対象を現す旋律が度々回帰する「指導動機（ライトモティーフ）」の効果と類似していると考えられ、これもワグナーへのオマージュかもしれません。

・鉄道、鳩

ドボルジャークは家庭人であると同時に趣味人であり、その究極は鉄道マニアと伝書鳩の飼育でした。

この交響曲に限らず、ドボルジャークの作品には鉄道を思わせる、規則正しい無骨なリズムや、連結器のぶつかるような音、汽笛、ブレーキなどを連想させる一種のノイズが聞かれます。ただ、これらがど

３月６日；群馬交響楽団を指揮！

Tue, 02 Feb 2016 21:14:24 +0900

http://www.city.takasaki.gunma.jp/docs/2015022300098/

３月６日、群馬交響楽団にお邪魔して楽しい△を振って来ます！
ベートーヴェン７番(ちょこっと解説つき）「舞踏の権化」、「加速するメヌエット」として交響曲第３楽章の歴史、そして「３つの舞踏会」花のワルツ、こうもり、仮面舞踏会のワルツ。是非皆様お越し下さい。戦艦榛名作ろうかな！！！

「この交響曲は舞踏の神化である」（ワグナー）と言われたベートーヴェンの交響曲第７番。
それにちなんで、「舞曲」を中心にした音楽です。

第１部：

「加速するメヌエット」
宮廷舞曲であるメヌエットが、第３楽章の定位置を得て、次第にテンポが加速して踊れなくなるベートーヴェンまでを３つ。
（バッハ、モーツアルト、ベートーヴェン交響曲1番）

第２部

３つの舞踏会

舞台作品から、舞踏会にちなんだワルツを３つ。△
・こうもり序曲（仮装舞踏会）
・くるみ割り人形；花のワルツ（ネズミの王様を撃退したお祝い、こんぺいとうやチョコレートが踊る魔法の舞踏会）
・ハチャトリアン「仮面舞踏会」のワルツ：浅田真央のテーマでもあります。妻の浮気を疑ってついには殺してしまう暗黒の心理を描くワルツ。

休憩

第３部

ベートーヴェン；交響曲第７番（ちょこっと解説つき）
たった３っつの音からなるリズムが、長い交響曲全体にずっと繰り返されていることにお気づきですか？
さらに加速した第３楽章とともに、この踊りの神様（全曲）をお届けします！

コンサート全体を三部構成△に、その中も３曲づつ、ワルツ３拍子△、第３楽章△、３にちなんだ構成です。

お楽しみに！！

2015年の振り返り：皆様、お世話になりました。よいお年を！

Thu, 31 Dec 2015 17:27:51 +0900

2015年振り返り

１月

茂木大輔の生で聴く ” のだめカンタービレ ” の音楽会
室内楽スペシャルin東郷
1月31日（土）東郷町町民会館ホール
▼出演　茂木大輔（企画・オーボエ・お話）、三浦友理枝（ピアノ）、大宮臨太郎（ヴァイオリン）、亀井綾乃（ヴィオラ）、長瀬夏嵐（チェロ）、河村幹子（ファゴット）
▼プログラム　
・ベートーヴェン：ヴァイオリン・ソナタ「春」全曲
・モーツァルト:オーボエ四重奏曲ヘ長調Ｋ．３７０（３６８ｂ）、
・プーランク:オーボエ、ファゴット、ピアノのための三重奏曲など

２月

＊2月14日
■モーツァルティック・バレンタイン
会場：春日井市東部市民センター
茂木大輔の木管歌劇場
N響＋名古屋のオーケストラメンバーによる木管９重奏
ベートーヴェン：ロンディーノ変ホ長調
モーツアルト：管楽セレナーデ変ホ長調
モーツアルト：「魔笛」抜粋（１８世紀の編曲による）

＊N響ヤルヴィ就任前定期：マーラー1
定期＊レコーディング：英雄の生涯、ドン・ファン

＊茂木大輔×愛知室内オーケストラ　feat.松下洋
ビバ！フランス！　～フランス音楽特集～
尾西市民会館ホール■ プログラム
ジャック・オッフェンバック／喜歌劇「天国と地獄」序曲
ジャック・イベール／アルトサクソフォーンと11の楽器のための室内小協奏曲
旭井翔一／パガニーニ・リミックス
ジョルジュ・ビゼー／「アルルの女」より第2組曲、
「カルメン」第1組曲より〈トレアドーレ〉
モーリス・ラヴェル／亡き王女のためのパヴァーヌ　　他
■ 出演者
茂木大輔（指揮）　松下洋（サクソフォーン)　愛知室内オーケストラ（管弦楽)

３月

■生演奏と投影で綴る　大作曲家・大傑作シリーズvo1.1　モーツァルト
フィガロの結婚抜粋
交響曲第４０番ト短調K550ほか
北原瑠美（ソプラノ）、浅井隆仁（バリトン）ほか
名古屋フィルハーモニー交響楽団
会場：春日井市民会館

４月

N響オペラ「ワリキューレ」ヤノフスキ

５月：なし（アマオケリハーサル）

６月

N響練習場改装落成

＊６月２１日：山梨交響楽団定期演奏会（指揮）
マ・メール・ロワ
チャイコフスキー：ロミオとジュリエット、交響曲第４番

＊６月２８日：新潟りゅーとぴあ：徹底解シリーズ（もぎオケ：指揮）モーツアルト最後の年
レクイエム、クラリネット協奏曲、「ティト」よりアリア。伊藤圭クラリネット、山根孝司バセットホルン
渡邊恵津子ソプラノ、相加佐代子アルト、にいがた東響コーラスほか

７月：なし（アマオケリハーサル）

８月

＊８月１＋２；のだめカンタービレの音楽会【２プログラム】
兵庫芸術文化センター：HPAC
企画＋指揮：茂木大輔
1812,ボレロ、ラフマニノフ、ショパン、モーツアルトオーボエ協奏曲、ブラームス1ほか
高橋多佳子、池田昭子ほか

＊８月１４～１９：国際ダブルリード協会フェスティヴァル（指揮）
マルティニュー：オーボエ協奏曲（ギシャール）
パスクッリ：「シチリア島の夕べの祈り」によるオーボエ大協奏曲（ハルトマン）
ハイドン：オーボエ協奏曲（キャペザリ）

＊８月２２日：久慈アンバーホール：山形交響楽団（指揮）

ベートーヴェンの生涯その２；エロイカとベートーヴェンのパリ・幻のナポレオン御前演奏
（トリプル、エロイカ、プロメテウス音楽ほか）
山根一仁ヴァイオリンほか

＊８月３０日：京都シンフォニカ定期演奏会（指揮）

シベリウス：ヴァイオリン協奏曲：石上真由子
オベロン序曲、ブラームス：交響曲第２番
長岡京

９月

＊N響広上先生定期：ラフマニノフピアノ３番＋ドボ８（名演！）

＊９月２７日：オンディーヌ室内管弦楽団定期演奏会（指揮）
ドボルジャーク：チエロ協奏曲：新倉瞳
ブラームス：交響曲第１番
フィリアホール

１０月

＊葉山で木管５重奏

N響ヤルヴィ定期＋レコーディング
ドン・キホーテ、ティルほか

＊こがねいガラ
ベートーヴェン；交響曲第２番
イドメネオ序曲、ブランデンブルク協奏曲第５番、モーツアルト：フルート協奏曲第２番
高木綾子、奥村愛、茂木裕子

中部フィル、小牧市内中学校音楽教室
ハーリ・ヤーノシュ、ドボルジャーク：交響曲第８番ほか

１１月：なし

１２月

＊N響サロメ、マーラー３、（デユトワ）

＊伊豆新世紀合唱団：プーランク「グローリア」

＊渋谷大和田クリスマスコンサート
静岡模型教材協同組合６０周年記念コンサート
モーツアルト：ホルン協奏曲、おもちゃ交響曲、ブランデンブルク協奏曲第２番
竹山愛、礒絵里子、神谷未穂、坪池泉美、多田将太郎、福川伸陽

＊N響第９：ヤルヴィ

お知らせ

Mon, 14 Dec 2015 23:30:55 +0900

重要なお詫び

先日来、明日（１５日）の渋谷大和田さくらホールのチラシ画像を公開して参りましたが、小生の手違いにより、ときおりゲラの画像が混入しておりました。具体的には、チケットの金額が、
定価４５００円、前売り４０００円が正解です。
４０００円、前売り３５００円はゲラ画像のみにダミーで入力されていた間違った金額ですので、ここに深くお詫びして訂正させて頂きます。皆様には混乱させてしまい、大変申し訳ありませんでした。（この画像が正解です。）茂木大輔

１２月１５日：渋谷大和田クリスマスコンサート曲目解説先読み！

Fri, 04 Dec 2015 13:53:45 +0900

ごあいさつ

本日はようこそいらっしゃいました。

ヨーロッパの街では、クリスマス（イエスの生誕）を待ち望むこの季節（アドヴェント）に、普通の日常とは少し違ったコンサートが沢山開かれます。

少し違った、というのは、日頃のマーラーやチャイコフスキーなどの大きなシンフォニーに代わって、バッハ、ハイドン、モーツアルトたちの小さな編成のオーケストラを中心に、いろいろな楽器のソロを楽しむ「室内オーケストラ」のコンサートが盛んになるということなのです。

実は、音楽の歴史的には、この季節（待降節）と復活の前の時期（四旬節）は古来、断食なども行われたそうで、オペラの上演が禁止されていました。

そのため、空いている歌劇場のステージを使って、歌の入らない、オーケストラのコンサート（チャリティー・コンサートなどの慈善目的）のみが許されて、それが次第に、オペラ中心の音楽生産からシンフォニー・コンサートという新しい習慣を作ったきっかけともなっているのです。

ハイドンに多くの交響曲を依頼したパリの「コンセール・スピリチュエル」というオーケストラもこうした劇場閉鎖期に活躍しておりましたし、ベートーヴェンのほとんど全てのシンフォニーはこの時期（１２月）に劇場で初演されているのです。

そうしたオーケストラ・コンサートの歴史が、２１世紀の今日まで受け継がれているのがヨーロッパの面白いところだと思います。

もちろん、教会では多くの「クリスマス・オラトリオ（バッハ）」や、「メサイア（ヘンデル）」などこの時期のための音楽が上演されていますし、放送交響楽団、フィルハーモニー管弦楽団、歌劇場管弦楽団などのメンバーは、大忙しで楽器を持って駆け回る、という時期にもなります。ちょうど日本で「第９」がそうであるように、文字通り音楽家の「書き入れ時」になるんですね。

常設で１５人くらいの「室内管弦楽団」はヨーロッパにも数が少なく、演奏は、こうした種々のオーケストラのメンバーたちが「祝祭的」に、一夜限りのオーケストラを作って行うことが多く、メンバーたちの交流の機会にも「なっています。

今夜は、ぼくが留学中に数多く聞いて来たそういうコンサートを、是非日本でも行いたいという想いから、N響の同僚の皆さんや，「もぎオケ」での活動を通じて力になって下さっているソリストの皆さんにお願いして、長年お世話になっているリブロ・コーポレーションのお力を借りて、一夜限りのオーケストラを編成して行うものです。

バッハ、モーツアルト、ハイドンなど、限りなく美しい音楽を、家庭的サウンドとともにお届け出来ることをとても楽しみにしています。最後までごゆっくりお楽しみ下さい。

茂木大輔

曲目解説

・バッハ：カンタータ第１４７番より・コラール変奏曲

“「主よ、人の望みの喜びよ」”として、ピアノ編曲などでも知られるバッハの名曲です。原曲のカンタータは、イエスがマリアの胎内にいる時に、同じく胎児であった預言者ヨハネを感じて踊った、という奇跡を中心に歌われるもので、バッハはライプツィヒでの改作のおりにこの合唱曲を追加しました。今日は合唱部分を管楽器に、オルガンのように編曲してお届け致します。

・モーツアルト：ホルン協奏曲第1番・ニ長調　K412＋514

ホルン独奏：福川伸陽

モーツアルトには４曲のホルン協奏曲があり、いずれも、ザルツブルク時代からウィーンでの晩年までの親友であったホルンの名手、ロイトゲープのために書かれています。この第１番は最後に書かれたものであり、モーツアルトが完成したのは第１楽章のみ。第２楽章の残されたスケッチを弟子ジュスマイヤーが完成したのは、あの有名な「レクイエム」と同じ経緯であるばかりか、ジュスマイヤーが中間部に「エレミアの哀悼」という悲しい賛美歌を挿入していることから、「ホルン協奏曲のレクイエム」のような位置づけになっています。

いみじくもモーツアルトの命日（１２月５日）も最近でしたね。

先年より、日本フィルから移籍してN響の首席ホルン奏者となった福川さんは、現在、管楽器という枠を大きく超えて，日本で最も活躍する演奏家の一人になっています。この演奏会の当日もマチネーのリサイタルをしてから到着するという超絶スケジュールです。美しい音と妙技、ご期待下さい。

・クライスラー：「愛の喜び」「美しきロスマリン」

ヴァイオリン独奏；礒絵里子

１９世紀後半の天才的ヴァイオリニスト・作曲家であったクライスラーの有名な小品を、ヴァイオリンと弦楽オーケストラでお聴き頂きます。

クライスラーはブルックナーに作曲を習ったそうですが、あの1時間を超える交響曲を連発したブルックナーと、数分の愛らしい小品が今も世界中で演奏されるクライスラーの対比が面白いですね。親交のあったラフマニノフはこの２曲をピアノ曲に編曲しているそうです。ベルギー留学から帰国されたデビュー当時から親しい共演を重ねてきた礒絵里子さんのソロがとても楽しみです。

・モンティ：チャルダッシュ

ヴァイオリン独奏：Duo Prima(神谷未穂・礒絵里子)

仙台フィルのコンサートマスターという重職にもありながらソリストとして世界的に活躍される神谷さんと、礒絵里子さんは従姉妹同士で、２重奏ユニット「Duo Prima」として活躍されています。クライスラーと同時期に活躍したイタリアの指揮者モンティの名曲、超絶技巧が炸裂する、ハンガリー風舞曲の「チャルダッシュ」を弦楽オーケストラとともにお聴き頂きます。

・ハイドン：交響曲第４３番変ホ長調「マーキュリー（水星）」

第１楽章：Allegro(快活に)

第２楽章：Adagio（心地よく）

第３楽章：Menuett（メヌエット：フランス風宮廷舞曲）

第４楽章：Finale,Allegro”Merkur”(フィナーレ・快活に：「水星」)

「交響曲の父」として、なんと１０６曲もの交響曲を残し、このジャンルの形式や音楽的内容を、をあらゆる試行錯誤を経て完成に導いたのがハイドンです。

実はハイドンの初期にはそのオーケストラ（エステルハージ宮廷楽団）は１５人くらいの編成で、その人数のために非常に多くの曲が書かれましたが、今夜のオーケストラはまさにその編成を再現しているものです（フルート1、オーボエ２、ホルン２、弦楽器数名づつ）。この時期のハイドンには隠れた名曲がおびただしく残されていますが、現在のオーケストラ演奏会（６０～１００人くらい、ホールは２千人くらい）には馴染まないため、演奏されないのが残念です。今夜はその中でもとびきり美しい、可愛らしく、輝かしく、どこか温かみのある「水星」交響曲を聞いて頂きます。「音楽の大理石」と呼ばれるハイドン交響曲、１５人のオーケストラ。皆さんはどうお聴きになるでしょうか。

休憩

・モーツアルト：フルートと管弦楽のためのアンダンテ・ハ長調　K315

フルート独奏：竹山愛

「神童」としてヨーロッパ中を席巻したモーツアルトですが、２０歳のころには人気が落ちて、就職活動のために旅に出なくてはならなくなりました。その途次のマンハイムで恋に落ちて行き足の止まったモーツアルトに舞い込んだのは、裕福なオランダ人医師（アマチュア：東インド会社）からのフルート協奏曲作曲の依頼でした。お金のためにイヤイヤ取り組んだにしては、あまりにも素晴らしい、成果中のフルート奏者が今日でも宝物にしている協奏曲や４重奏曲がこのときに生み出されました。東インド会社には感謝ですね。メセナは大事です。笑。

おそらく、そのなかでト長調協奏曲K313の第２楽章が（彼には）難しかったために、新たに書き直されたのがこの「アンダンテ」です。これまたほんとうに珠玉の名曲であって、ドジャン先生がヘタクソで良かった・・・・笑。

日本音楽コンクール1位ほか輝かしい経歴で、N響は勿論全国のオーケストラでも活躍する竹山愛さんに美しい音で独奏して頂きます。

・アイブラー：（伝；ハイドン、またはレオポルト・モーツアルト）；

ベルヒルガルテンの木製児童楽器を伴うカッサシオン（「おもちゃ交響曲」）

ザルツブルク近郊の山岳地帯にあるベルヒスガルテンという村は、ヒトラーが山荘を作っていたことでも有名な、風光明媚な高地です。ここでは１８世紀当時、豊富な材木を背景として、子供たちのための木製楽器（教育用、玩具用）が多数生産され、ヨーロッパ中に輸出されていました。アオシマ、タミヤ、ハセガワ（５０音順）日本のプラモデルのようですね。

ちょうど今のようなクリスマスシーズンには、これらの木製楽器は、楽譜などとセットになって、ヨーロッパ中に出荷されました。このための曲も、楽器会社から依頼されてザルツブルクの音楽家たちが作曲していたものと考えられています。通称「おもちゃ交響曲」は、その愉快なおもちゃ楽器の使い方や、作品が実は大変良く作られていることから、長い間ハイドンの作品として出版され、信じられて来ました。最近の研究から、まずモーツアルトの父レオポルト、ハイドンの弟ミヒャエル、と推測が変遷し、それぞれに楽章の数や調性も違いますが、今では無名の音楽教師アイブラーの書いたものというのが定説になっています。

ラッパ（木製）太鼓、うずら、水笛、カッコーなどを、本日の出演者である一流音楽家の皆さんが真剣に演奏いたします。クリスマスシーズンのザルツブルク、送られて来たプレゼントを開けて喜んで家庭で合奏する光景などを想像しながらお聴きになって下さい。

・バッハ：ブランデンブルク協奏曲第２番ヘ長調・BWV1047

独奏：

ピッコロ・トランペット：多田将太郎

フルート：竹山愛

オーボエ：坪池泉美

ヴァイオリン：神谷未穂

演奏会の最後には、本日の「総力戦」であり、かつ、クリスマス期の音楽にはつきものである高音専用トランペット、「ピッコロ・トランペット」（独奏：多田将太郎）という最終秘密兵器投入により、輝かしい音楽の喜びを味わって頂けたらと思います。

バッハは宮廷音楽家として勤務していた時代に作曲した数多くの協奏曲から、異なる独奏楽器の組み合わせによる６曲を選んで浄書し、ブランデンブルク辺境伯に寄贈しました。これは就職活動の意味もあったと思われます。この６曲は演奏されないまま綺麗に保存されていましたが、元の宮廷での創作は全て散逸してしまったことから、不思議な運命によって「救出」されたことになりますね。このうち第２番にはこの高音トランペットの、精神にも官能にも最大の興奮をもたらすソロがあり、その妙技に組み合わせたフルート（リコーダーが原曲）、オーボエ、ヴァイオリンという弱音の楽器が、見事にバランスを保ちながら美しい綾なす音楽を紡いで行く魔法のような魅力があるのです。

クリスマス期にはバッハの「クリスマス・オラトリオ」がありますが、ここで活躍する楽器たちは、トランペットは神を、オーボエは羊飼いを、そしてフルートは天使（精霊）を、さらにはヴァイオリンは（おそらく）「人間」を象徴しています。イエスの受胎告知・静かな生誕・東方３博士の礼拝などの喜びになぞらえて、この３楽章からなる音楽をお聴き頂くのも佳きことかと存じます。N響オーボエセクションの新人、坪池泉美のソリストデビューでもありますので、今後ともお引き回しのほど、よろしくお願い申し上げます。

では、皆様によいクリスマスと，よいお年が来ますように！

茂木大輔

１２月１５日：渋谷大和田：クリスマスコンサートへのお誘い＊チラシ画像の間違いにより、金額が間違っておりました。お詫びして訂正致します。

Fri, 27 Nov 2015 15:16:10 +0900

クリスマスコンサートへの御案内

クリスマスも近づき、アドヴェントと呼ばれる時期に入ると、ヨーロッパの各都市ではバッハ、ハイドン、モーツアルトなどの音楽を小さな編成のオーケストラで演奏するコンサートが多数開かれます。

ぼくが留学していたミュンヘンでも、ミュンヘン・フィル、バイエルン放送交響楽団など一流のオーケストラ・メンバーたちが交互にソリストとして登場して、こうした演奏会をいっぱい、自主的に開催していました。

寒いヨーロッパの冬、イエスの生誕を待ち望む幸福で静かなクリスマスに、おおがかりな交響曲とは違った室内オーケストラの家庭的サウンドは、とてもよく似合っていたものでした。

今回、東京でもこうしたコンサートを実現したいと考え、N響の仲間たち、および「N響アカデミー」に学ぶ若手や、交流のある素晴らしいソリストの皆さん１５人とともに、以下のごとく開催するハコビとなりました。忙しい日本の年末ですが、美しい音楽とともに心休まる時間を過ごして頂ければ幸いです。

平日の夜ということで、まだ客席に余裕がございます。

大勢でお越し下さい。お待ちしています。

１２月１５日

19：00開演

渋谷文化総合センター大和田：さくらホール

「アドヴェントの贈り物」

茂木大輔と仲間たちの室内オーケストラ

ゴージャス・クリスマス・ガラコンサート

主催・お問い合わせ：リブロ・コーポーレション

03-3372-4531

office@libromusic.co.jp

ウエブサイト

http://www.libromusic.co.jp

コンサート詳細

・クリスマス期のバッハ・カンタータの代表作１４７番から「主よ，人の望みの喜びよ」で知られるコラールで開幕します。

・現在日本のホルン奏者の人気・実力ともにナンバー1であるN響首席ホルン奏者；福川伸陽が、モーツアルトの命日（12/5）に寄せて、「ホルン協奏曲第１番」を演奏します。この曲はモーツアルトの死後に弟子のジュスマイヤが補筆、中間部に「エレミヤ哀悼の賛歌」を挿入していることから、「ホルン協奏曲のレクイエム」とも言われています。今回、管楽器パートには茂木が編曲を施して、オルガンの響きに近づける試みを加えています。

・従姉妹同士でユニット「Duo　Prima」を結成していることでも知られる、ヴァイオリンのソリスト礒絵里子と、仙台フィル：コンサートマスターの神谷未穂が、クライスラー「愛の喜び」「美しきロスマリン」「チャルダッシュ」など、よく知られたヴァイオリンの名曲を華やかに演奏します。

・「交響曲の父」ハイドンは１０６曲ものシンフォニーを残していますが、初期には僅か１３人の楽団のために書かれていました。今回その時期の、美しくも繊細な第４３番「マーキュリー（水星）」を取り上げます。音楽の大理石のような味わいをお楽しみ下さい。

・聴き所のひとつは、「おもちゃ交響曲」です。

以前はハイドンの作と考えられて来ましたが、いまではアイブラーというザルツブルクの作曲家の作品とされています。木の、子供用の楽器がたくさん登場するユーモラスな交響曲ですが、実は、１８世紀当時、ザルツブルクの山にあったベルヒスガルテンという村では、こうした木製の玩具を作ることが産業として発展しており、クリスマスにはこうした木製楽器玩具のセットをプレゼントすることが流行したそうです。今回、こうした小さな楽器をN響メンバーなどが大真面目に練習して、楽しい時間を作りたいと頑張っております。お楽しみに！

・最後は日本音楽コンクール一位のフルート；竹山愛、仙台フィルコンサートマスター神谷未穂、N響オーボエ新人坪池泉美、トランペットの新進ソリスト多田将太郎が、バッハの輝かしい合奏協奏曲「ブランデンブルク協奏曲第２番」を演奏します。ピッコロ・トランペットの輝かしい響きと、オーボエ、フルート、ヴァイオリンが見事に調和する，音楽の興奮とスペクタクルの頂点は、イエスの生誕を祝うクリスマスにもぴったりの音楽・合奏の喜びそのものです。

オーケストラ（総勢１５人）は、それぞれにソロパートを受け持ちながら合奏にも参加します。企画・お話しと指揮は、N響首席オーボエ奏者であり、指揮者としても活躍する茂木大輔（「のだめカンタービレ」クラシック音楽監修、エッセイストとしても活躍）が担当いたします。

以上

3/7：演奏曲目について（パンフレット先読み）春日井市民会館ぜひ御越し下さい。

Tue, 03 Mar 2015 01:07:55 +0900

演奏曲目について

＊交響曲第３５番ニ長調「ハフナー」K385

もともとは、1782年にザルツブルクの大富豪ハフナー家の依頼によって書かれたセレナーデ（BGM音楽のセット）で、翌年、ウィーンにおけるモーツアルト自身の大リサイタル（「ブルク劇場コンサート」：1783年３月２３日）のために、セレナーデ特有の「行進曲」や二つのメヌエットのうちのひとつを削除して、フルートとクラリネットを加えて、４楽章形式の交響曲として作り直されました。

このブルク劇場コンサートのプログラムが手紙に残っていますが、コンサートの最初と最後にこの交響曲が書かれており、２回全曲演奏したとは（長過ぎるので）考えられないことから、楽章をバラバラにして序曲がわり、フィナーレ代わりのように用いていたと想定されています。

今日は、４楽章を連続で演奏するのではなく、コンサートのあちこちに、この交響曲を楽章ごとに用いて、当時交響曲が持っていた機能を体感して頂こうと思います。

第１楽章（Allegro con spirito；精気を持って快活に）

は、オクターブを跳躍する圧倒的な開始と中断、直後に続く電気ショックのようなトリルと、そこに対比される静かな弦楽器が作る主題が、爆発的コントラストと興奮を作り出すオープニング。

第２楽章（Andante;進みながら）

は、ハイドンが好んだ、時計のように静かに時間が進む間奏曲。

第３楽章（MENUETTO;メヌエット舞曲）

跳躍、中断、対比される弦楽器など、第１楽章のアイデアを受け継ぎながら、さらなる喜びに至る主部と、田舎風の「トリオ」（中間部）からなっています。

第４楽章（フィナーレ：Presto:非常に速く）

静かに始めておいて不意打ちに大きくなるのは「フィガロの結婚」序曲とも似ている楽しい趣向です。モーツアルトは手紙で、「フィナーレは出来る限り速く演奏するように」と言っています。

☆ひとことメモ

・交響曲の楽章

交響曲（オーケストラのための複数楽章の音楽）を、速い＞遅い＞メヌエット＞速いフィナーレ、という４つの楽章で作ることが一番良いと、多数の実験から示したのは、「交響曲の父（１０６曲現存）」ハイドンでした。ことにウィーンでは、メヌエットを含む４楽章の交響曲が定番となり、それはベートーヴェンの９つの交響曲を作る基礎になり、以降ほとんどの作曲家の交響曲に踏襲されました。ピアノなどの協奏曲は，３楽章形式が基本になっています。

・Kの意味

モーツアルトの作品名の最後には、K、または、K.V.という記号があって、大抵三桁の数字が続いています。これは、１９世紀のケッヘルという音楽学者がモーツアルトの全作品を年代順に並べて番号をつけたもので、「ケッヘル番号」と呼ばれています。なお、その後の研究により年代が大幅に見直されたため、ケッヘル番号は幾度か大規模な変動を受けています。

・トリオ

当時ウィーン風の交響曲やセレナーデ、弦楽４重奏曲は第３楽章にメヌエットを持つのが普通でした。メヌエットは３拍子の宮廷舞曲で、A-B-Aという構成になっています。このBにあたる中間部を「トリオ」と呼びますが、これは文字通り管楽器など３人だけで演奏したことが語源になっているそうです。

＊歌劇（オペラ）「フィガロの結婚」K４９２より

モーツアルトのオペラの中でも、また、オペラというジャンル全体のなかでも最も有名なのが「フィガロの結婚」です。1786年にウィーンで初演され、その後プラハ（チェコ）でも爆発的人気を持って上演されました。

ジャンルとしてはオペラ・ブッファ（喜歌劇）に属しており、全体的にコメディの様相が強い作品です。貴族を風刺するような毒や、エロティックな題材が随所に登場し、宮廷劇場での上演は危険をはらんだものでした。原作はフランスの劇作家ボーマルシェ、台本（イタリア語）はモーツアルトの名パートナーであったダ・ポンテでした。

舞台はセヴィリア（スペイン）、先行するパイジェッロのオペラ「セヴィリアの理髪師（のちにロッシーニも作曲）」では、床屋のフィガロが、令嬢ロジーナに恋したアルマヴィーヴァ伯爵を機知機転で取り持って、めでたく結婚させたことになっています。続編の「フィガロの結婚」では、その手柄で伯爵の従僕になったフィガロが、伯爵夫人（もとのロジーナ）の小間使いスザンナと結婚しようとしている、それを、浮気な伯爵がスザンナに横恋慕して邪魔をする、いろんな人物が入り乱れてああドタバタに・・・という物語が描かれています。今日は、モーツアルト当時のコンサートでよくあったように、このオペラからの名アリアを抜粋してお届けします。

オペラの台本

ケルビーノ（椅子），スザンナ、伯爵（作者不詳）

・序曲

あらゆるオペラ序曲の中でも最も有名なのがこの曲。幕開き前の劇場のざわめきや開始のファンファーレ、聴衆の笑い声までが一緒に聞こえる愉快な序曲です。同じニ長調で書かれた「ハフナー」の第１楽章、第４楽章と比較して頂けるのも楽しみです。

・第１幕より

・第6曲「ぼくは自分がわからない！」（ケルビーノ）

ケルビーノは、伯爵夫人のお小姓で、恋に恋する美少年です。あらゆる女性の美しさに胸をときめかせ、ことに伯爵夫人には熱烈な恋心を抱いている様子。

なお、少年の役ですがメゾ・ソプラノ（女声）に書かれており、歌舞伎の女形の反対ですね。こういうのを「ズボン役」というようです。

・第10曲「もう飛ぶまいぞ、この蝶々」（フィガロ）

あまりにケルビーノに節操がないので、伯爵は彼を軍隊に行かせて邸宅から追い払うと宣告。がっかりしょんぼりのケルビーノをフィガロがからかって歌うアリアです。

・第2幕より

・第11曲「愛の神様、慰めて下さい」（伯爵夫人）　

いっぽうそのロジーナ（伯爵夫人）は、あれほど熱愛してくれた伯爵の愛が冷めて、自分の小間使いスザンナに色目を使っていることを悲しんでいます。

ドタバタの第１幕では登場しなかった伯爵夫人が、２幕の幕開けにいきなり歌うこの曲の美しさは、クラリネットの澄んだ音色と相まって、ストーリーの軽薄さと関係なく聴き手の深い感動を誘います。

・第12曲「恋の悩みを知る御婦人なら」（ケルビーノ）

名曲の多い「フィガロの結婚」のなかでも最高峰の名曲。

スザンナの弾くギターの伴奏で、ケルビーノが伯爵夫人への恋を歌う。

フィガロはケルビーノを女装させてスザンナのかわりに伯爵と密会に行かせる計略。

・第3幕より

・第18曲「訴訟に勝っただと？」（伯爵）

フィガロの計略で、伯爵夫人が浮気をしているという手紙が来たり、スザンナが密会に応じたり、フィガロを別人と結婚させるための訴訟を企てて混乱している伯爵が、フィガロへの嫉妬と復讐の喜びを誓う。浅井さんには、伯爵とフィガロ、二役を演じて頂きます。

・第19曲「あの美しい思い出はどこへ」（伯爵夫人）

ケルビーノを行かせる計略が失敗したので、夫人は今度は自分とスザンナが衣装を取り替えて逢い引きに行くことにする。小間使いの服を着てまで夫の浮気を防がなくてはならない自らの悲しい運命を嘆き、美しかった恋の想い出を懐かしむ。叙唱（レチタティーヴォ；語るように歌うこと）～ゆっくりな回想～速いフィナーレ、と３段構えになった大アリアです。

・フィナーレ「フィガロの結婚」の結婚行進曲

結婚式での結婚行進曲といえば、メンデルスゾーン（「真夏の夜の夢」）や、ワグナー（「ローエングリン」）が有名ですが、「フィガロの結婚」にも、可愛く美しい結婚行進曲が出てきます。オペラの中ではフィガロが楽隊を連れてきて、早く式を上げさせてくれと伯爵にせがむシーンで使われ、実際の結婚シーンではありませんが・・・これからお式を予定されている方、御参考に！（笑）

＊交響曲第４０番ト短調K５５０

モーツアルトには４１曲の交響曲が残されている（３７番は序奏のみ）ということを書きましたが、そのうち、短調で書かれているのは第２５番とこの第４０番の２曲だけ（いずれもト短調：gm）です。どちらかと言えばBGM的な機能が期待されていた当時の交響曲に、深刻な表情の短調は似合わなかったのでしょう。旅先での公開演奏会や、地元の音楽仲間との家庭的集いを想定していたモーツアルトのシンフォニーは、そのほとんどが明るく活発な表情をたたえていたわけです。

ただし、ひとつの宮廷でずっと７０曲以上の交響曲を書き続けていたハイドンには、早い時期から「鑑賞の対象」としての交響曲を書く立場が与えられ、「疾風怒濤」と言われる短調交響曲も一時期集中的に作曲していました。ハイドンを尊敬していたモーツアルトの第４０番にも、その影響は当然現れているはずです。

先述した、「後期３大交響曲（３９，４０、４１番）」は、モーツアルト32歳の1788年に、６月２６日から８月１０日までの、わずか６週間という奇跡的な短期間に集中的に作曲されているのですが、この３曲は明らかにひとつのセットとして構成されていました。堂々たる序奏（イントロ）を持ち、ファンファーレ風に開始される３９番変ホ長調と、フィナーレに「ジュピター」の異名をとるきっかけになったと思われる偉大な宇宙的フーガを持つ４１番ハ長調の間に挟まって、もっとも小さな楽器編成の、繊細で情熱的なこの第４０番ト短調が挟まっているのです。

このセットの目的が「連続して演奏する」ことではなかったのは前述したような当時の習慣からはほぼ確実で、さらに貧しかった当時のモーツアルトが演奏する（＝収入）の宛もなく作曲するとは考えられないので、セット出版、大きな演奏会シリーズ、または献呈などが作曲の理由と想像されています。なぜ、これらが書かれたのかについては何も資料が残されておらず、演奏されたという具体的な記録もないために、モーツアルトを神秘的にとらえようとした１９世紀には、「聴くこと無く世を去った」という伝説も作られていました。

しかし、この第４０番には、スコア（楽譜）の最終ページ以降に、クラリネットを２本追加して、その分オーボエのソロを減らすなどした改訂稿が書き付けられており、演奏する機会なく改訂することはさらに考えられないため、「どこかでは演奏された」と考えるのが自然でしょう。

この作品は、その異様ともいえる集中力、緊張感、激情や深い悲しみ、それに差し込んでくる癒しの光など、ベートーヴェンを始めとする後世の作曲家に、あまりにも深い影響を与えてきました。ベートーヴェンは、「運命」を作曲中のスケッチ帳にこの４０番のフィナーレの旋律を書き写し、そこから運命の第３楽章を作っているほどです。N響に客演していた名指揮者で作曲家でもあるアンドレ・プレヴィン氏は、「ぼくは、ほとんどの曲はどこか直したくなるのだが、この曲だけは一カ所もそれが見つからない」と激賞し、頻繁に指揮していました。

第１、第４楽章には「フィガロの結婚」で好色な伯爵がスザンナの寝室のドアを叩く「どんどん」という恐ろしい音や、ケルビーノの息苦しい悩み、ため息が聴かれ、第２楽章では後の「魔笛」でタミーノ王子が初恋を感じる甘い瞬間につながる旋律も見られます。また第３楽章のメヌエットはもはや宮廷舞曲ではなく、前衛的な音楽の実験ともいえる厳しい表情を持っています。

創作当時モーツアルトにとって３部作の中間地点であったかも知れないこの交響曲は、結果的に音楽史の中での交響曲の位置づけを大きく進化させる価値を持ち、後世から見れば彼のオペラやピアノ協奏曲で培った声楽・器楽の表現を集大成した作品とも言えるでしょう。演奏前に、幾つかのポイントを解説してお聴き頂きます。お楽しみに！

モーツアルト。3/7：春日井市民会館パンフレット先読み。皆様是非お越し下さい。

Tue, 03 Mar 2015 00:59:03 +0900

プログラム解説（茂木大輔）

＊モーツアルトについて

ウォルフガング・アマデウス・モーツアルト（1756-1791）は、すべてのクラシック音楽の作曲家の中で、最も人気のある一人です。（ほかに、ベートーヴェン、ショパンなどが人気の横綱ですね。）これは作品がとても優しく、心地よく、気品があり、軽やかで聴きやすいということのほかに、幼少時から天才少年として世界中を回りながら、わずか３５歳で貧困のなか、病死してしまったという悲劇的な人生のイメージも、その透明で深い悲しみをたたえたような作風と一致して聴かれているのかもしれません。

オーストリアのザルツブルクで、宮廷音楽家の父親のもとに生まれて英才教育を受け、ピアノの名手として即興演奏や作曲も披露しながら、音楽の本場イタリア、宮廷文化の中心地パリ、最大の大都市ロンドンなど、文字通り全ヨーロッパを公演して歩きながら成長しました。（そのため、モーツアルトは学校に行けませんでした。）旅が多かった故に残されている膨大な手紙（書簡）には、母国語のドイツ語のほか、幼少時から自然に話していたイタリア語、フランス語などが頻繁に書かれています。１５歳頃にはすでにオペラの本場ミラノ（イタリア）で委嘱を受けてオペラを作曲、その後毎年新作を依頼されるなど、世界中の音楽を子供時代から呼吸して育ったモーツアルトの作品は国際的で、ことに、ドイツ的な形式の中にイタリア風の美しい旋律を自然に一体化していることが大きな魅力になりました。

当時、音楽家として生きて行くためには宮廷に就職することがほとんど唯一の道で、さらに大きな作曲を仕事にするためには宮廷楽長になることが条件でしたが、モーツアルトはなかなかその就職先を決めることができないまま、二十歳を過ぎても故郷ザルツブルクで無理解と冷遇に甘んじていました。２５歳のときついにウィーンで上司コロレード伯爵と訣別して飛び出し、以後、ウィーンで結婚・定住して、一時は演奏会が大人気を博したものの、以後は貧しく、亡くなるまで様々な小さな依頼仕事をこなしながら、フリーの音楽家として活動したのです。

＊モーツアルトの作品

こうした人生のあり方と、１８世紀末という時代の特徴から、モーツアルトの作品の主要ジャンルは、後世の作曲家と少し異なっていました。重要と思われるものから書いてみましょう。

・オペラ

モーツアルトの最大ジャンルです。イタリア滞在経験を生かし、歌手の声を存分に歌わせながら、感情の機微を描き出す音楽をこまやかに作り出すことができたこと、若くしてすでに相当の経験を積んでいたことから、作曲を依頼されるケースがあったのが要因。本人もまず第一にオペラを書きたかったようです。イタリア語の宮廷型のオペラ「フィガロの結婚」「ドン・ジョヴァンニ」などと、庶民向けのドイツ語の歌芝居「後宮からの逃走」「魔笛」など、両方のジャンルに不動の名作を残しています。テレビのない時代、歌劇場は唯一の夜の娯楽であって、町中の人が集まる場所でした。大人数の歌手や舞台を含む大作を一人で作り上げるオペラ作曲家は、現代の映画監督のような立場・快感だったのではないでしょうか。

・ピアノ協奏曲

モーツアルトは何をおいてもピアノの名手で、そうした自分自身をアピールするためには、オーケストラをバックに自分が独奏するピアノ協奏曲は最強のツールでした。少し前のバロック時代にはチェンバロという音量の弱い、またにニュアンスのつかない鍵盤楽器しかなく、バッハなどが室内合奏用の協奏曲（編曲）を残してはいましたが、モーツアルトの時代になって次第にピアノフォルテ（ピアノの正式名称：強弱がつけられるという意味）が発達して、公開演奏会での独奏楽器として立派に活躍できるようになったことも作用していたと思われます。モーツアルトは２７曲ものピアノ協奏曲を残しており、ショパンの２曲、ベートーヴェンの５曲、ブラームスの２曲などと並んで、今日でも重要なレパートリーになっています。中でも、ニ短調（２０番）、ハ短調（２４番）など短調で書かれた協奏曲は、後世の交響曲に匹敵するような精神力を持っています。

なお、ヴァイオリンや、フルート、クラリネット、ホルンなどの管楽器のためにも協奏曲は書かれており、それぞれに素晴らしい貴重な作品です。

・交響曲

もしベートーヴェンの主要ジャンルを語るならば、「交響曲」は何を措いても最も重要とされることでしょうけれども、モーツアルトの場合には少し様子が違っていました。８歳のときに書いた「第１番」から３２歳で書いた最後の「３大交響曲」まで、現存している交響曲は４１番までありますが、今日、一般的に演奏されるのは後期の５～６曲、ことに最後の３曲に限定されています。

これは、モーツアルトの時代に交響曲が持っていた役割が、メイン・プログラムというよりは「脇役」であったことが理由と考えられます。そのため、今日の大きなオーケストラで大ホールで集中して聴かれる対象としては、初期～中期のモーツアルトのシンフォニーは、ちょっと「気楽」に感じられるものが多くなっているのです。

当時、コンサートのメインはあくまでもオペラ歌手たちの華やかなアリアや、楽器の名人芸を披露するヴィルトゥオーゾたちで、「シンフォニー（交響曲）」は、そのどちらをも含まない器楽（のみ）の音楽として、幕開けや休憩時間代わりに演奏されることが多かったようです。ベートーヴェンやチャイコフスキーの交響曲を楽章ごとにバラバラにして演奏することなど今日では考えられませんが、当時はBGM的に自由に使われていたと思われます。

事実、今日演奏する第３５番「ハフナー」は、もとは６楽章あるセレナーデ（祝宴のためのBGM）でしたし、娯楽・祝宴用音楽である気軽なセレナーデ、ディヴェルティメントなどと交響曲は、当時はとても似通ったジャンルだったのです。

しかし、モーツアルトがこのジャンルに真剣に取り組んで深い内容の作品を残すようになったのは、ウィーンでの予約演奏会が不調となって、ピアノ協奏曲などの需要がなくなった時期に重なっています。後期３大交響曲（３９，４０、４１番「ジュピター」）が深刻で大規模な内容をたたえているのは、は、あのビートルズがコンサートを停止してレコード録音に集中した時期から急に素晴らしいアルバムが生まれたように、公開演奏できなくなったモーツアルトの創作意欲が注ぎ込まれたからだったのではないでしょうか。

＊ほかのジャンル

「トルコ行進曲」を含むピアノ・ソナタなどのピアノ音楽は可憐で深淵な名曲の宝庫であり、ミサ曲，「レクイエム（未完：絶筆）」などの教会音楽や、弦楽４重奏、５重奏、ピアノや管楽器を含む室内楽など、創作は多岐に渡っていました。オペラが素晴らしいことは勿論ですが、ほかの作曲家のオペラのために、特定の歌手を想定した「差し替えアリア」などとして書かれたり、オペラの場面を設定した上で単独に書かれる「コンサート・アリア」には名曲が多く、当時の舞台を華やかに彩った名歌手たちの声を今日に伝えています。

愛知室内オーケストラ、指揮します！サックスとフランス。超絶熱いバトルです。

Fri, 23 Jan 2015 13:22:53 +0900

まもなく、（２・１１：祝日）新進気鋭、愛知室内オーケストラを指揮します。
今回のテーマは「パリ」。
１９世紀にまさに一世を風靡していたパリのオペレッタのほとんどは今日上演されることがありませんが、その歴史の淘汰を生き延びて不夜城パリの空気を今につたえるオッフェンバック「天国と地獄」の素晴らしい序曲。
フランス（ベルギー）で生まれ、またたくまに木管楽器の歴史を塗り替えた新しい楽器サクソフォンの歴史、そのデビューから現代における最新の作品までを網羅。
初めて（有名曲で）管弦楽にサクソフォンが用いられたビゼ「アルルの女」より第２組曲。
サクソフォン用法においても神であったラヴェルが「展覧会の絵」でアルト・サックスを用いた「古城」
２０世紀フランスの華麗な作曲家、イベールの「室内協奏曲」（割くドフォン協奏曲）は、サックスと管弦楽の共演の最大傑作！
さらに、現代日本で最新の音楽を追求する旭井翔一作曲のパガニーニ・リミックス。
「パリ」と「サクソフォン」、ふたつの軸をテーマに、今年から常任指揮者新田ユリを迎えて新時代を開く気鋭の「愛知室内オーケストラ」が、どんなサウンドを聴かせてくれるのか本当に楽しみです。
ほかに「カルメン」「亡き王女のパパーヌ」などの名曲も聴けます。
サクソフォンの独奏は一宮管楽器コンクールで優勝した松下洋。とてつもない超絶技巧の「パガニーニ・リミックス」は彼のための作品でもあり、オケ中でのサックスもすべて担当するマルチぶりで演奏会全体をリードします。一期一会、聞き逃せない演奏会です。是非お越し下さい。
http://www.ichinomiya.hall-info.jp/…/bisai_e…/pdf/150211.pdf