芸術評論

『カラヴァッジョ展を見て』

　　　　　　　　

　　　　　　　　　　　　　　『カラヴァッジョ展を見て』
　
　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　平成２８年５月２７日
　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　国立西洋美術館において

１．カラヴァッジョの人物

　１５７１年生まれ１６１０年没。
ミラノで絵の修業をしたあと１５９２年から１６０６年ローマで過ごす。
画家としては高い評価を得たが、刀剣の不法所持で逮捕されたり、夜の街での喧嘩が絶えなかったり、品行については悪い評判が立った。
１６０６年若者を殺してローマを追放されナポリへさらにシチリアへ移ったあとまたナポリに戻った。１６１０年ナポリからローマに向かう途中熱病で死去した。

２．カラヴァッジョの絵画

①殺人犯であったということからか、没後その絵画は忘れさられた。その画業への評価が定まるまでには長い時間がかかり、ようやく２０世紀になって再評価の機運が高まったようだ。　

②今回の展示方法の面白かった点は、カラヴァッジョの絵に類似した他の画家の絵を多数展示してあったことだ。カラヴァッジョの画風の影響を受けた画家たちのことをカラヴァジェスティ（カラヴァッジョ派）と呼ぶそうだが、それはヨーロッパ各地に及んでいたらしく、カラヴァッジョの当時の影響力の大きさをうかがわせるものだ。

③カラヴァッジョの絵の特色を挙げてみれば次のようになるだろう。

ⅰ際立って高い写実の技巧

ⅱ光と影の強烈なコントラスト

ⅲ考え抜かれた構図、絶妙な人物や静物などの選択及び配置

ⅳ画題にマッチした色調、背景の色合いの巧みさ、

ⅴ状況にふさわしい人物の表情の的確性

ⅵ宗教や伝説的なテーマにおいても聖母やキリストや使徒が身近な人間のように描かれている。聖俗が渾然一体化している。

ⅶ斬首、殺人といった恐怖に満ちた場面も冷静に正確に描いている。

ⅷしばしば夜の巷でけんかをして他人に怪我をさせたり逮捕されたり逃亡生活を送ったりしながらも、描いた絵は実に安定した技量を発揮して新鮮かつ緻密な出来栄えを示している。

ⅸ聖母やマグダラのマリアのモデルは実在の娼婦であり、その中にはカラヴァッジョの恋人も含まれているらしいが、そのようなことを敢えて行ったカラヴァッジョの大胆さには驚かされる。

④今回展示された絵の中で、特に印象に残ったものをいくつか挙げてみよう。

ⅰ「果物籠を持つ少年」（１５９３－９４）果物画は若い頃のカラヴァッジョの得意分野だった。少年の表情や肌の色、籠の持ち方及びぶどうなどの果物の描き方　そして背景のグレーの微妙な色調の変化等、完璧な出来栄えだ。

ⅱ「バッカス」（１５９７－９８頃）赤ワインが注がれたグラスを持つ少年は神というよりは人間臭い表情をしている。どうやらカラヴァッジョの絵に登場する人物は自画像のようだ。それは当時の画家のよくやるやり方だったのかカラヴァッジョの独自のやり方だったのかは知らないが、自己顕示欲が強かったとしても不思議はない。

ⅲ「ナルキッソス」（１５９９頃）水面で画面を上下に二分した画面にはナルキッソスがからだをくねらせるようにして水に映る自分の姿を覗き込む姿が描かれている。余分なものは省かれナルキッソスの異様な自己愛に集中させている描き方は見る者の意表を突く。

ⅳ「エマオの晩餐」（１６０６）キリストとともに晩餐をとる数名の人物の絶妙な配置、顔色や表情の描き分け、シンプルな背景色など、一切の無駄がない。殺人犯として追われる中でよくこれだけ落ち着きのある絵が描けたものだと思う。

ⅴ「法悦のマグダラのマリア」（１６０６）意表を突くマグダラのマリアの天を仰いだ姿勢とエクスタシーを思わせる半眼の表情そして肌色っぽく色調を抑えた画面は、鬼気迫るものがある。カラヴァッジョが亡くなったときに所持していた絵の一枚だという。

３．カラヴァッジョの影響及び評価

　多くのカラヴァジェスティの絵の中で特に優れていると思われたのは、ジョルジュ・ド・ラ・トゥールの「煙草を吸う男」と「聖トマス」だった。カラヴァッジョ並みの観察力と表現力が感じられた。
　カラヴァジェスティには入らないかもしれないが、その後の多くの画家たちにも、カラヴァッジョは大きな影響を与えたらしい。たとえば、フェルメールやレンブラントなどの完璧な構図や光の捉え方や人物や静物の写実力にそれを読み取ることができるだろう。
　今回、はじめてカラヴァッジョの絵をまとめて鑑賞して感じた結論は、疑いもなくカラヴァッジョの画業は超一流の成果を残したものだということであった。文字通り波乱万丈の３８年の短い生涯を駆け抜ける中で描き残した珠玉の作品群は、今やゆるぎない絵画史上の至宝としての地位を確かなものにしたとしても不思議ではないと言えると思う。

cf.「カラヴァッジョ展」の案内はこちら→http://caravaggio.jp/index.html

コメント（0）

トラックバック（0）

『若冲展』を見る

　

　　『生誕３００年記念　若冲展』（２０１６．４．２２～５．２４　東京都美術館）

１．　伊藤若冲は、１７１６年京都の青物問屋「桝屋」の長男として生まれた。２３歳の時父が亡くなったので家督を継いだが、画業への思いが高じて４０歳の時に次弟に家督を譲り、画業に専念した。
　４４歳の時、鹿苑寺大書院の５部屋に墨絵の障壁画を描く。
　５０歳の時、「釈迦三尊像」三幅と「動植綵絵」２４幅を相国寺に寄進。
　６１歳頃から、石峰寺の「五百羅漢」に着手する。
７３歳の時、天明の大火で居宅とアトリエを焼亡、大坂に避難。
　７５歳の時、大病を患う。西福寺「仙人掌群鶏図襖絵」など制作。
　８５歳、没。石峰寺に葬られる。

２．　観客で押し合いへし合いの会場で、ひとをかき分けながらなんとか今回の展覧会を見終えて感じたことを要約すれば、以下のとおりである。

　①　徹底した写生を通じて動物や植物の細密な描写をする技量を獲得した。
　
　②　鶏は特に関心を持って繰り返し描かれるが、あまりにリアルに描かれるので美醜の境目を超えてしまいそうだ。ヘタをすればグロテスクと思われかねないトサカの強烈な赤色は見るものを狂気へと誘いかねない。

　③　動物には、鶏、雀、カラス，鷲、鴛鴦、鸚鵡などの鳥、鮎などの魚、カブト虫、バッタ、蝶などの昆虫、蛇、カエル、とかげ、犬、猿、ロバ、らくだ、象、虎、鯨、多くの種類の貝類、など、実に多種多様な対象が描かれる。おそらく実物を見たことのない動物も含まれているだろう。
　その緻密な描法は常人の観察力や表現力を超えている。

　④　植物には、青物問屋を営んでいたこともあってか、ナス、くわい、とうもろこし、すいか、にんにく、など多くの種類の野菜が生き生きと描かれている。また、松、梅、竹、櫟、青桐、椿、南天、棕櫚などの樹木、薔薇、芍薬、牡丹、ひまわり、あじさい、菊、桃、芙蓉、などの花が巧みな構図で描かれている。仙人掌が描かれた襖絵も珍しいのではないか。

　⑤　動植綵絵というのは動植物の克明なスケッチを基礎にそれらを巧みに組み合わせた装飾性に富んだ作品群であるが、リアルと装飾性を組み合わせた構図が名人芸そのものである。

　ただ、リアルと抽象が完璧にマッチした作品とややミスマッチの作品があることは否定できないと思う。

　⑥　８５歳と当時としてはかなり長寿であったが、創作意欲は衰えず、膨大なエネルギーを注ぎ続けられたことは驚嘆に値する。
　細かいことを言えば、欠点も指摘することができるが、全体としては、まぎれもなく日本の絵画史上超一流に位置する巨匠の一人だと言えるだろう。

　⑦　今回の多くの展示品の中で、特に印象に残ったものは、「鳥獣花木図屏風」である。
　　縦１６８．７cm×横３７４．４cm。エツコ＆ジョー・プライスコレクション。
　　約１センチに区切られた画面がさらに小さな四角形が作られ色が塗られた「桝目描き」という技法が用いられている。
　この屏風絵の構図、多くの動物の配置やしぐさ、絢爛たる色彩の美しさ、現代アートとひけをとらない斬新性、タイルかモザイクを感じさせる地模様、など最高傑作と言えよう。

　そのほか、「動植綵絵」の多くの作品、「乗興舟」、「菜蟲譜」などは、若冲の描画を楽しむ興趣、自然や動植物への興味や愛情、ひたすら画業に打ち込む使命感のようなものが感じられて虜になってしまった。

　⑧　結論的に言えば、若冲は偉大な画家であり、その残した作品は日本の宝物である。この展覧会は長い時間並んだうえに、混雑したギャラリー内でも押し合いへし合いする覚悟で見る必要があるが、それだけの犠牲を払っても見る価値があると断言してよいと思う。

コメント（0）

トラックバック（0）

「詩人の聲」

　平成２８年４月２８日（木）　自由が丘のカシュカシュダールで「詩人の聲」のプロジェクトの一環として、詩集『永遠の散歩者　A Permanent Stroller 』の朗読を行った。

　その経験から気づいたことを記しておきたい。

「１．日本人が英語で詩を書くということはいろいろな意味で難しい。英語力のレベルがある程度高くないと作品にならないし、英語で書く衝動も必要だし、英語の詩としての完成度も求められる。加えて、朗読する際は発音の正確さや英語らしいイントネーションも重要だ。だが、実際に読んでみると日本人的な発音やイントネーションになってしまう。ジェスチャーや表情の付け方に迷いが生じる。そういうさまざまな困難はあるもののチャレンジすることには意味があると思った

２．言葉は、人間の諸活動の重要な道具であると同時に文学作品を構築する素材でもある。おそらく意思疎通が言葉の最も重要な機能であるが、異なる言語の間では翻訳が不可欠である。翻訳はある意味で文化の総体を踏まえて行われる極めて知的な行為である。ほとんど不可能な異文化間の理解をある程度可能とする翻訳の役割は大切である。同時に常に不完全性による欲求不満に苛まれるリスクをはらんでいる。ひとりの人間が異なる言語を用いるとき異なる文化体系のはざまで精神的な不安定に襲われるおそれがあるのだ。だが、翻訳によって得られる効用は甚大なので、なんとかお茶を濁して精神のバランスを維持しながら翻訳行為を続けることが求められそれに応えようとする人々が居るのはありがたいことだ。

３．自分は翻訳の専門家ではないが、詩を通じてそういう困難さは実感している。特に詩においては意思疎通を超えたポエジーを伝える必要があるので別の難しさもある。わたしも、ささやかながら自分の出来る範囲でやれることをやりたいと思う。

４．村上春樹は、『風の歌を聴け』を書くときはじめに英語で書いてそれを和訳してみたと言っている。それによって新しい文体が見つかったそうだ。わたしも英語で詩を書いて和訳してみることがあるが、たしかに翻訳調の日本語になる。はじめから日本語で書く詩と違った文体になることにわれながら驚く。翻訳は難しいが、新しい世界を開いてくれる可能性もあるのだと思う。」

コメント（0）

トラックバック（0）

「英詩の勉強会」

　　　　　　　　『英詩の勉強会』に参加して

　平成２６年１１月８日自由が丘で開催された、『英詩の勉強会』に参加した。講師はヤリタミサコさんと南川優子さん。おふたりともよく勉強されていてきわめて刺激的で内容の濃いレクチャーだった。　
　ヤリタさんは、メキシコ系アメリカ人のサンドラ・シスネロスの作品を紹介。女性が腋毛を剃ることが求められるメキシコの慣習を巧みにとらえた詩や白人男性をさそりに喩えた詩など、人種問題や社会慣習といったシリアスなテーマをユーモラスに描いた詩を、英語の原詩とヤリタさんの和訳で紹介してくれた。
　南川さんは、英国の詩人を紹介。シニカルな中産階級の白人のブログといったスタイルの詩を書くデイヴィッド・ヴァンコーター、方言や階級による言葉の違いを自分の経験をもとに風刺した詩を書くトニー・ハリソン、スコットランド人の母とナイジェリア人の父との間に生まれ、人種問題や言語問題に悩む詩を書くジャッキー・ケイなどの詩を、パソコンを使って（CDにより）詩人自身の朗読を交えながら、かつ、英語の原詩と南川さんによる和訳によって紹介してくれた。
　ヤリタさんと南川さんの「英詩の勉強会」は、英米における詩人と詩の最新の状況を、現場から紹介してくれる貴重な機会だと思う。できればもっと多くの方が参加されればよかったのに、というのが正直な感想である。

コメント（0）

トラックバック（0）

「菱田春草展」を見て

　　　　　　

　　　　　　　　「菱田春草展を見て」

　平成２６年１０月３日、東京国立近代美術館で開催中の菱田春草展を見た。
　その感想をすこし記しておきたい。

１．さまざまな描き方の試み

　菱田春草は、それまでの日本画の伝統的な技法を問い直して新たな技法を追求しつづけた。
　たとえば対象物の輪郭線を描かずに色彩の使い方によってかたちを浮かび上がらせるというような試みが代表的である。日本画の世界では「朦朧体」と批判されたらしいが、岡倉天心や横山大観と行った欧米では評価が高かったようである。
　百点ほどの絵を見て感じたのは、さまざまな技法の実験の集大成が「落葉」に結実したということである。「落葉」は、構図といい、色彩といい、完璧な出来栄えを示している。こんなふうに樹木を描いた画家はいなかったと思う。写実の技法を根底にしつつそれを装飾的に様式化することで、斬新な画面を作り上げた。

２．菱田春草の短すぎた人生

　菱田春草は、明治７年（１８７４年）に長野県飯田で生まれて、明治４４年（１９１１年）に東京で亡くなった（享年３６歳）。
　腎臓炎とそれに伴う眼疾患に苦しんだ短い一生だった。
　画家にとって視力を失うことは、音楽家が聴力を失う以上の致命的な悲劇である。天才画家が眼病に襲われたという運命は過酷であり皮肉なものだった。
　しかし、菱田春草は、短い人生ながら、画家として前人未到の高みに達した。
　春草は草創期の東京美術学校を卒業後、岡倉覚三（天心）の日本美術院創立に参加した。
　明治３６年、横山大観とともにインドへ、そして明治３７年、天心、大観とともに欧米を訪れた後、明治３９年、天心が日本美術院を茨城県五浦へ移したのに伴い、大観らとともに同地に移って絵の制作に励んだが、明治４１年、眼病治療のため東京に戻った。
　「落葉」という作品は完璧な仕上がりを示した傑作だが、春草３４歳の作である。仮に春草が生き続けたとしたら、その後どのような作品を残したかを想像するのも興味深い。
　３６歳で短い人生にピリオドを打ったわけだが、結婚もし子供も作りながら画業に打ち込んだ人生は果敢であり、挑戦的であり、多くの目覚しい成果を上げた。畏敬と称賛の念を抜きに振り返ることはできない。

３．印象に残る作品

　今回の展覧会に出品されたおよそ百点の作品の中で、特に印象に残った作品を上げれば、「武蔵野」（１８９８年、２３歳）、「菊慈童」（１９００年、２５歳）、「王昭君」（重要文化財、１９０２年、２７歳）、「落葉」（重要文化財、１９０９年、３４歳）などである。なお、この日、有名な「黒き猫」は、展示されていなかった。
　「武蔵野」は、春草らしさが惜しみなく発揮された初期の佳品である。草の描き方が秀逸であるし、草に止まる小鳥の姿が寂寥感を巧みに醸し出している。
　「菊慈童」は、中国の故事に基づく、菊の効能で数百年生きながらえたとされる児童の小さな姿が、複雑な色彩で描かれた山林の背景の中で活き活きと描かれている。「朦朧体」と言われた色彩の使い方が印象的な作品である。
　「王昭君」。前漢時代、匈奴の王から漢人の女性を妻にしたいと要請を受けた元帝は、後宮の女性の中から最も醜い女性を似顔絵帳によって選ぶことにした。似顔絵を描く画家に賄賂を贈らなかったことにより、絶世の美女であるにも関わらず最も醜く描かれた王昭君が、匈奴に嫁がされることになった。宮女たちの中の王昭君の悲しいようすを描いた作品である。
　この絵は、宮女だけが描かれ、人物の配置や姿勢や表情や衣装が計算し尽くされている。背景の省略が人物を浮き上がらせる効果を高めている。
　「落葉」という作品は数作残されているようだが、特に、明治４２年制作の作品は目をみはるような傑作である。樹木、草花、落葉、地面などの描き方は写実生と装飾性を兼ね合わせており、構図といい、色彩といい、樹木の描き方といい、絵画表現の極致に達した作品である。
　
　今回の菱田春草展は、菱田春草の傑出した画業をあらためて確認し、傑作を観賞する喜びを存分に味わうことの出来た展覧会であった。
　
　