イタリア Lezione

Sisley の夏

　夏の日差しも、その密度を増し、季節の色は容赦なく濃くなって行きます。



　その存在を強烈に主張する 「夏」 は、眩しい光一つとっても、他の季節とは圧倒的に風情を異にします。
　肌に突き刺さる夏の光を他所に、空調の効いた静かな研究室に閉じ篭り、日がな1日、ああでもないこうでもないと 「哲学」 をしていると、時には印象派の画家のように、画架と絵具を持って、「夏の色」 を写し取るべく、外に出て行きたい衝動に駆られます。もっとも、印象派のように絵心のない私は、画架と絵具の代わりに、ミネラルウォーターのペットボトルと、汗を拭う小さなタオルを手にして大学の周囲を散策します。






　夏の日差しは、その眩しさに負けて眼を閉じても、痛いほど降り注ぎます。
　圧倒的な 「夏の光」 を感じるだけなら、照り返す都会の照射に閉口するよりも、むしろじっと眼を閉じて、 「光」 そのものを感じるべく神経を研ぎ澄ませ、胸の内で夏の 「光景」 を思い浮かべる方が良いのかも知れません。じりじりと刺さる 「光」 を受けつつ眼を閉じると、突然、A. Sisley の絵、否、「風景」 を思い出しました。


　Sisley 程、「印象派」 という冠が相応しい画家も居ないでしょう。
　私は、Sisley が大好きです。哲学者、それも芸術哲学の研究を生業とする人間が、印象派、それも Sisley を好むなど 「素人」「俗物」 と言って、知己の立派な学者先生は冷笑しますが、その嘲笑を甘んじて受けるだけの魅力を、私は Sisley の画中に見出します。「見出す」 というよりも、「感じる」 と云った方が正確かも知れません。特に 「夏」 を描く Sisley には、この季節が持つあらゆる要素を、そこかしこに「感じる」事が出来ます。それは、強烈な 「夏の光」 を受けながら、じっと閉じた眼の裏側に浮かぶ光景と、寸の相違なく重なる 「印象」 です。


　誰もが持つ 「夏」 の風景。
　橋のたもとに出来た影で涼を取る恋人達、むせ返るような匂いを発しながら青々と茂る土手の草、時間の経過と共に夕立を誘うであろう白い雲、麦藁帽子を被って川の水に手を差し伸べる舟遊びの姉妹、降り注ぐ光を跳ね返す家の白壁・・・そして、それらを全て映し出しては揺らめく、穏やかな川面。

　いつの日か、何所かで観たような 「風景」 は、眼を閉じてこそ「感じる」事が出来る「夏の断片」かも知れません。



　「夏の光」 に、そっと眼を閉じて「感じる」夏の風景。
　Sisley の 「夏」 は、「印象」 という名を負った画家に相応しい色合いです。


　再び開いた眼に、夏の強烈な日差しが蘇り、午後の仕事をするべく研究室へ歩を返しました。

Parma の円蓋装飾

　ドーム状の円蓋部を持つ大聖堂は、イタリア各地にあります。



　最もよく知られるものは、Firenze の Duomo だと思います。
　この巨大な建物の中央部に、これまた想像を絶するような大円蓋を造営する作業は、それがなされた15世紀という時代を考え合わせても、俄かに信じがたい難工事だったことでしょう。円蓋部は、常に「崩落」の危険性を伴い、事実、幾度となくその悲劇に見舞われた聖堂も数知れません。ましてや、Firenze の Duomo のように、群を抜く巨大な円蓋に至っては、創建時に「100年も経たず崩落するだろう」と巷間囁かれていたようです。


　しかし、Firenze の Duomo は、創建から500年以上経過しましたが、今日もその巨躯を誇っています。

これは、今日の建築力学上の観点から見ても、充分、理に適う「二重殻構造」の考案に拠るところが大きいと思われます。この「二重殻構造」の発案と、大円蓋造営にまつわる人間模様、すなわち、F. Brunelleschi と
L. Ghiberti の壮絶な葛藤に関しては、以前この「芸術書庫」で紹介した次第です。


　円蓋部の内側、つまり天井部の最も高い位置には、15世紀以降、華麗な装飾が施されてきました。
　聖堂の最も高い部分に相当する円蓋の内側は、その位置と視覚的効果を狙って、「天国」に関する絵が描かれる事が多いようです。人間は、聖堂の閉ざされた空間に入ると、本能的に最も高い部分である円蓋内部を見上げますから、そこに「高さ」の象徴である「天国」を描く事は、視覚的に最も効果的な「素材配置」です。Firenze の
Duomo 円蓋部の内側には、G. Vasari の手によって『最後の審判』が描かれています。


　この円蓋部の装飾には、必ず持ち上がる厄介な問題がありました。
　それは、「装飾をどのようにして見えるようにするか」という問題です。照明機器が皆無であった時代を考えると、薄暗い聖堂内部で、高い位置にある円蓋部の装飾を視認するのは極めて困難でした。現代のように、電気的な照明施設が自在に設置されるのであればいざ知らず、当時は、視認するのに充分な「光源」を得るという命題を解かない限り、折角、施した装飾や絵画も、全く見る事が出来ませんでした。


　円蓋部の「光源」を確保する最も簡便且つ有効な手段は、「明り取り」の窓を設置する事です。
　事実、多くの場合、円蓋部の下方に、幾つかの丸窓を設けて外光を取り入れ、「光源」にするという手法が用いられました。当然、丸窓の数を増やし、直径を大きくすれば「光源」はより強いものとなります。しかし、丸窓の数を増やし、直径を大きくすると、それだけ「支柱部」が弱くなりますから、円蓋を支えきれないというジレンマも起こります。従って、円蓋の重量と、それを支える支柱部の強度との「微妙な」バランスを考え合わせて、「明り取り」の数と大きさを設定しなければなりません。


　この「バランス」は、力学上、意外と困難な作業だったようです。
　Firenze の Duomo の様に、「二重殻構造」の考案で、円蓋重量を大幅に軽減する等の手当てをした結果、充分な「明り取り」の設置を可能にした例は幸運です。しかし、その一方、この「バランス」の難題が上手く解けず、「暗くて良く見えない！」という「失敗例」も多々あります。円蓋の造営と、それに施された見事な装飾を「楽しむ」には、かなりの労力が必要です。










　私が、イタリアで最も好きな円蓋装飾は、Parma の Duomo にあります。
　この Duomo は、Antelami の手による初期ロマネスクのアーチも見事ですが、円蓋内部に描かれた Correggio のフレスコ画が白眉です。画題は『聖母被昇天』で、見上げる先の円蓋最高部から、昇天する聖母を迎えに来るキリストの姿が実に効果的に描かれています。この絵を見る者は、キリストの迎えによって、聖母と共に「天国」へ導かれる錯覚を覚えます。円蓋部の位置特性と視覚効果を、これ程まで見事に融合し、成功させた例は他にありません。


　また、「明り取り」の問題も、可能な限りの丸窓を設置しているため、充分な「光源」を確保しています。
　Correggio の迫力ある筆致は、創建当時も充分に人々の目に入ったことでしょう。
（ Correggio は、円蓋装飾の依頼を受けた時に、充分な丸窓の設置をその条件にしたそうです。）



　Parma にお出掛けの際は、ぜひ、この素晴らしい「円蓋芸術」をお楽しみ下さい。

Camille

　いわゆる「印象派」と呼ばれる画家の中では、シスレーと並んで、ピサロ（ Pissarro ）が好きです。


　Elie Faure が用いた、有名な「色彩の魔術師」という表現を作品に重ね合わせて、深く納得出来る域に達するには未だ至りませんが、成程、ピサロの「魅力」は、色彩の「多様性」と、それに劣らぬ「柔らかさ」にあるのでしょう。


　ピサロの作品における特徴は、「田園」と「都市」それぞれの風景描写に大別出来ます。
　ピサロが描く「田園」風景は、緑と黄色を主調とした柔らかい筆致で、あたかも時間が経ち、程よく「こなれた」
tapestry のような趣きがあります。概して「空」の部分が少なく、画面一杯に「畑」「野原」「森」が描かれますが、いずれも安定感のある構図に果てしない奥行きが感じられ、目に優しい「柔らかさ」があります。


　この「柔らかさ」は、「都市」の風景においても存分に発揮されます。
　有名なパリのオペラ座通りを描いた連作や、ルーアンの街の風景など、しばしば上空から見下ろしたような構図がありますが、総じて、その色調と併せて「柔らかさ」の効果を上げています。


　「雨に濡れた舗道」「街灯の薄い光」「初冬の空気」「行き交う人々のさざめき合い」・・・どれをとっても、まさに「印象派」のお手本というべき造形描写で、見る人の眼は勿論のこと、「心」にも「柔らかさ」が伝わってきます。





　仕事で少しだけ疲れたら、ピサロの「柔らかさ」を感じて、心を休ませます。

「生」の中の「死」〜『受胎告知』雑感

　明日（3月20日）から、上野の東京国立博物館でレオナルドの『受胎告知』が展示されます。


　フィレンツェの Uffiti に所蔵されているこの作品が、よもや東京、しかも自宅から電車で30分ほどの上野に来ようとは思ってもみませんでした。この『受胎告知』は、Uffizi のコレクションの中でも重要な1点であることは間違いありませんし、レオナルドの作品が日本に来るということ自体、非常に稀ですから、西洋絵画を愛好する方にとっては、オリジナル作品を鑑賞する千載一遇の機会と言って良いと思います。


　私自身は、何度かこの作品を Uffizi で見ていますので、「東京に来ているのだなあ」という感慨は湧き起こりますが、「一食抜いても、ぜに見に行かなくては・・・」という積極的な気持ちはありません。この『受胎告知』特別展の期間中、何万という人が訪れるでありましょうから、普段、閑散とした同博物館が混雑を極め、「人の頭の間から、チラッとだけ見えた・・・」という現象が起きないか、むしろ懸念する次第です。







　周知の通り、レオナルド及びその作品には多少なりとも「謎」があるようです。
　

　「謎」というものは2つに分類出来ます。
　1つは、「謎」を文字通り「謎」とすることです。この「謎」の正体は、誰にも分かりませんから、どのようにでも楽しむ事が出来ます。これは、少なからず美術研究に携わっている者からすれば、非常に嬉しい事です。普段、余り美術に興味のない方が、小難しい理屈に振り回されることなく、この領域に触れて頂く良い契機になるかと思います。「美術・芸術領域」は、長い眼で見れば、出来るだけ大勢の人が作品を見る事によってのみ、その発展が成されますから、端緒は何であれ興味を持つ方が増えるというのは、大切なことだと思います。


　もう1つは、「謎」を学術的な調査対象とすることです。
　「美術作品」は、西洋的な発想では学問の対象ですから、造形絵画に限らず「作品」は、鑑賞対象であると同時に、客観的な研究対象でもあります。レオナルドの人物像、作品に関しても、未だ「謎」が多いとは言え、これまでに数多くの事柄が明らかになってきました。私は、前者の「謎」にも心惹かれますが、職業柄、後者の「謎」に関しても、少なからず興味があります。（というよりも、実を言うと、レオナルドの作品は「鑑賞対象」として余り好みではないので、後者の「謎」の方に惹かれます・・・。）





　レオナルドの『受胎告知』を観て、第一感、目に付くのは「背景」です。
　「受胎告知」というモチーフ自体は、過去何万という画家が描いていますから、特別なものではありませんが、これほど「背景」を広く描いた作品は珍しいと思います。これはレオナルドが、背景画の手法に優れていたフランドル絵画の手法を積極的に学んだ故と考えられます。画面中央の消失点部分に、明らかにフランドル風と思われる尖塔が林立する港町が、「受胎告知」というテーマと何の脈絡もなく描かれていることからも、逆にそのことが裏付けられると思います。


　幾何学的な知識と、フランドル風の優れた描写を融合させる（融合させたい）ために広く描かれた背景の中で、気になる箇所があります。画面左手奥に、逆光で黒々とした4本の糸杉が描かれています。この糸杉は、等間隔で配置され、尚且つ、受胎を告げる天使の動的な描写と絶妙な連動が見受けられます。一番右の糸杉は建物と重なっていますが、それでも画中に残していることから、レオナルドが「糸杉」の「等間隔」に込めた画面構成上の意図が充分に窺い知れます。


　しかし、何故「糸杉」なのでしょうか。
　ご存知の通り、「糸杉」は図像学的には「死」の象徴です。「受胎告知」という「生」を想起させるテーマの中に「糸杉」を描くのは、画面構成の観点から糸杉の形状が最も適していたということを差し引いても、少し違和感が残ります。しかも、わざわざ「逆光」で真黒に描かれた「糸杉」は、明らかに「死」をイメージさせるものであり、レオナルド自身も、そのような意図を持っていたのでしょう。


　この「生」の中に隠された「死」を、さらに画中に探してみます。
　マリアが使用している書見台の下にある石台に目が留まります。これは明らかに「石棺」の形をしています。「石棺」は、文字通り「死者」を納める「棺」ですから、「糸杉」との関連からも、画中の「死」を想起させるものだと思われます。多くの研究者が指摘している通り、画中の「石棺」に彫刻されている紋様は、レオナルドが身を置いた、師匠ヴェロッキオの工房で手がけたメディチ家 Giovanni の石棺紋様と類似しているようです。


　私の専門は、図像学や絵画分析学ではありませんから、明快な論となって『受胎告知』の図像を精査することは出来ません。しかし、画中に配置する「モノ」に対して特別な意味を込める、図像上の「約束事」は、その代表者であるボッティチェッリの例を持ち出すまでもなく、15世紀以降における人文主義の台頭が画家に多大なる影響を与えた事と共に、良く知られるところです。近年のレオナルド研究で白眉な、L. Richter の 『 Studien uber
Leonardo da Vinci 』 等にも、『受胎告知』の図像的解釈について精緻な記述があります。Richter は、キリストの死をマリアに告げる天使を描いた、ドゥッチョの「死の告知」を引き合いに出しながら、「糸杉」と「石棺」に見られる「死」について検証を行っていますが、確信に至っていないため、益々「謎」は深まります。





　レオナルドが作品に込めた「謎」は、それがミステリアスな「謎」であっても、また学術的に今後解明され得る「謎」であっても、常に人の興味を引き付けます。
　造形的な芸術性と平行して、絵画には「謎解き」の楽しみがあっても良いと思います。そしてレオナルドの作品は、その「謎解き」部分を楽しむ事が出来る要素をたくさん持っています。『受胎告知』を前にして、人それぞれの「謎解き」テーマを持って眺めてみるのも、この作品を楽しむ1つの方法になるでしょう。


　冒頭で記した通り、『受胎告知』を観に国立博物館を訪れる機会はないかも知れませんが、私は作品の中に「生」の中の「死」というテーマを設定して、少し勉強したいと思っています。

『ピエタ』の記憶

　我が国における哲学研究の先哲を遡ると、巨人、和辻哲郎に必ずや目が留まる。


　和辻は、京大在職中の昭和2年、イタリア縦断の旅に出掛けているが、その細目は名著『イタリア古寺巡礼』に見出すことが出来る。旅の終盤にヴェネチアを訪れた際、和辻はアカデミア美術館に足を運んでいる。


　ヴェネチア訪問時、些か体調を崩していた和辻は、サン・マルコ広場やリアルト橋はおろか、運河や独特の街並みに至るまで、その眼識を働かす余力がなかったようで、『古寺巡礼』の中に目立った記述は見当たらない。アカデミア美術館の作品群についても同様だが、唯一ティツィアーノの『ピエタ』にのみ異常な関心と賞賛の言葉を残している。





　「・・・ヴェネチアの印象はいかにも薄暗く、かすれてしまった。それを今無理に記憶の底から呼び起こしてくる努力をしてみようとも思わぬが、ただ一つヴェネチアの印象としてはっきり残っているのは、ヴェネチアには色彩があると感じたことである・・・」


　「・・・ローマでもフィレンツェでも、イタリアルネサンスの偉大な絵を見ていつも感じたことは、色彩の弱点である。その感じは『写真で想像していたほど良くはない』という言葉になろう。しかるにヴェネチアに来ると、写真ではどうしても想像することの出来ないような、色彩の美しい絵が眼についてくる。その代表はティチアンである。特に眼に残っているのは、ティチアンの最後の作、美術のアカデミアにある『ピエタ』である。この絵の色と光の美しさには、絵画のみ成し得る非常に深いものが現れている。そういう仕事を成し得た点では、ティチアンはルネッサンスの第一人者である、とその時強く感じた・・・」





　ヴェネチア派の巨匠、というよりも「ヴェネチア派」という言葉全体が持つ意味と、ほぼ同義の仕事を成し得たティツィアーノであるが、そこに見られる「色彩」に着目した和辻の「審美眼」は、些か興味を引く。シチリアからナポリ、フィレンツェ、ローマ等を経由し、各地で夥しい作品を目の当たりにしたであろう、その最後にヴェネチアに辿り着き、惜しげもなく賛辞を送る和辻の心中は今となっては行間にのみ想像する他はない。


　taste（審美眼）という西洋語をことさら重く考えた哲学者、和辻哲郎。
　その心を狂おしいまでに揺さぶったティツィアーノの『ピエタ』、否、『ピエタ』の「色彩」は、80年前に和辻が見た同じアカデミア美術館で、今もその「色彩」を放ち続けている。


　和辻がアカデミア美術館で『ピエタ』の前に立ったのは、36歳の時。
　それから80年の時間を経て、ようやくその年齢になった自分が同じ絵の前に立つ。この『ピエタ』の前で先哲を偲びつつ、同じ年齢の taste を重ねてみる。





　「・・・ヴェネチアの街の様々な印象は、運河も、運河を挟むパラッツォも、またその運河の向こうにあったアカデミアの建物の姿も、全て皆薄れてしまったが、ただあのティチアンの絵で、十字架から取り降ろしたキリストの裸体の像に見えたあの不思議な美しさ、その裸体を膝に乗せている聖母の頭の背後に輝いていたあの仄かな光の深い美しさ、それはまだ、まざまざと私の心に生きている・・・」

・・・『イタリア古寺巡礼』