実践　ＤＴＭ・楽曲制作　基本編　１２

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今回のお話は「デフォルト設定」・「デフォルトテンプレート」に関するお話です。
現在、複数の曲を同時に制作をしてる段階で気付いた事なのですが、、、これをするのとしないのでは
結構な手間の違いが出ますね。。。（－－；そう思ったので、書かせていただきます。

あっちのプロジェクトでやったのと同じ作業を、またこっちの方でも同じことをしていたり、
同じ作業を何度も何度も何度も何度も何度も・・・・・・・・

イラッ☆

とします。
そういう事は、デフォルトテンプレートで最初から解決しておきましょう。
というか、解決しておくべきでした。。。という反省文も踏まえて書いておりますです　orz

「デフォルトテンプレート」というのは、ＤＡＷにて【新規プロジェクトの呼び出し】の際に、
あらかじめ自分のお好みに合わせた設定を呼び出してしまうこと、またはその呼び出すテンプレート名で、
これは「空のトラックに好きなものを詰め込んで、デフォルトテンプレートに登録する」ということで、
いつでも新規作成の時に呼び出せるようにしておくものです。

通常の「デフォルトテンプレート」は「何もない」状態だと思います。
作品を創ってる段階などでやり易いトラック・よく使い回すインサートやセンドなどお決まりのもの、
「自分が、いま使っているトラックなどの概要」を記憶しておく方が、後々の作業などでも役に立ちます。

特に過去に幾つもの作品を創っていらっしゃる方は、過去の作品で共通している自分のクセなり手段を
（細かい数値設定などではなく、大まかな仕様）割り出して、前以てデフォルトにした方が良いようです。

細かい事につきましては基本編では省きますが（多分、センドの経路だけで頭が痛くなると思われ）
こんな感じです。

これはあくまで私自身のやり方なのですが、、、結構複雑に作りこんだテンプレに仕上げてあります。
どんなことでも、該当する場所に埋め込んだり、移動させたり、マウスで楽々操作できるように、
仕込むものはトコトン仕込んであるテンプレですが、、、
（これでもまだセンドの詰めが全然甘いのですけどね・・・これで半分も埋め込んでいないくらいかな）

特に「好きな配置」以外で最重要と考えられる「組み込んでおくべきもの」というものが、
他にもありまして【パンポットでの定位付けのデフォルト】と【デプスとサンプルレートの数値】
そして【よく使うセンド（ＡＵＸチャンネル・ＦＸチャンネル）の単純経路と連携経路】です。

パンポットに関しては「－８０～－２０の間に３人。真ん中がボーカル・ドラム。３０～８０の間に２人」
バランスを考えるとそんな感じです。私の場合は。。。
もちろん、組み合わせは他にもありますので、これはその曲によって
少しずつずらす必要もありますが、まったくのデフォ（全部Ｃ）よりはマシですので、
予め打ち込んでおいた方が良いでしょう。もちろん、ご自身のやり方なり何なりで好きなようにね♪

次に、特に音質に関わるのが「デプス」と「サンプルレート」・・・
これは勘違いされている方も多いとのことですが、基本的には
「２４ｂｉｔ／８８２００Ｈｚ」に合わせておきましょう。
プラグイン～特に空間系のエフェを掛けた時の出来栄えなどが結構変わります。

「どうせ、最終処理で１６ｂｉｔ／４４１００Ｈｚに戻すのだから、意味なくない？」と
思われるかもしれませんが、残念ながら↑の設定で作り続けたものと、
２４ｂｉｔ／８８２００Ｈｚから１６ｂｉｔ／４４１００Ｈｚに戻したものとでは音質にかなりの差が出ます。

そして「センド」・・・主に「空間系（ディレイ・リバーブ・アナログディレイ）」や
「アナログシミュレータ」を間接的に繋ぐのですが、これに関しては「音師編」にて詳しく説明をします。
ちょっと基本と言うにはややこしいシステムと複雑な経路を必要としますので。
（音師の知識を紹介すると、どうしても「センド同士の掛け合わせ：連携経路」の話も出てきますので）

あと、コメントにて「アルペジオ自動演奏などを使うのは邪道」みたいなことを言いましたが、
あれはあくまで駆け出しの私がいきなり機材の恩恵・機能にばかりに頼って曲を作るのは邪道という事であり、
実際は便利機能・ループ素材・アルペジオ機能などを理解して使いこなせる方が断然アレンジ力が強いですし、
（何をどこに組み込んで使うべきかを判断して完全オリジナルを作るのは立派なアレンジ能力の１つです）
それは別解として誤解の無いように訂正をこの場にて書かせていただきます。あくまで音楽は自由ですので。
（あと、リミッターに関しても誤解を招く書き方をしてる部分があるのですが、それは音師編にて別解を）

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実践　ＤＴＭ・楽曲制作　音師編　１

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さてさて「音師編」です。
このコーナーでは、あらゆる表現を可能にする「エフェクト」の基本から応用まで、
あらゆる知識を書いて書いて書きまくりたいと思います。

・・・最初はねぇ・・・意味不明×１０なことばかりで、大っキライだった分野なのですが、
覚え始めると、これほど面白い分野は無いと思えるように。。。（＾＾；；；

「音師」という名の通り、例えば「ヘボい音」すら「メチャクチャ良い音」に作り変えるなど、
音を自由自在に操るための知識を持つための分野ですから、そりゃあ覚えるのには苦労はしますが、
その代わり見返りも非常に大きいのが、この分野の特徴です。

まず、本編は「パート２」から本格的に始めますが（ぜんぜん時間の都合が取れないので。。。すみません）
とりあえず、概要としては以下の通りです。

①リミッターと定位の関係性

②コンプレッサーと音圧と最適化

③イコライザーの助けによる協和的音楽

③ディレイ・リバーブ類と空間処理と演出

④ノーマライズ・マキシマイズと粒合わせ

⑤ハーモニクスが齎す現実性と差異

⑥シミュレーターによる汚れとリアリティー

⑦ＣＤライディングとリスナー向けの音質

⑧音を作っていく事とは何か？

と題しまして、上記の順序で説明をしていきたいと思います。
恐らく、各項目毎に３～６本の記事を書くことになると思いますが。。。

あと、前置き程度の知識では御座いますが、【マスターフェーダーに「リミッター」】
・・・非常に露骨な手段ではありますが、余計な処理を最初から回避しておくために、
インプットの音量はそのまま（０，０）に、「－０，１～－０，３」のアウトプットの設定で、
最初からマスターフェーダー（ステレオアウト）にリミッターを仕込んでおきましょう。

これをやっておくと、わざわざクリップ（レベルオーバー）を気にせずに済みますし、
また、自分の作っている音楽の音圧の目安になります。
（つうか、クリップの赤表示をクリックして消すのがウザいのだよね。自動で消えてくれないし）

通常、確かに「０を超えてはダメ」が常識なのですが、実質、そんな曲作りは余りされておらず、
大抵、余裕で０を超えている音を無理やり０に押さえつけているのが現実で、
本当に全トラック合計で０を超えていない曲っていうのは、もはや音量が小さすぎて聞けたものではありません。

普通は、大人しいバラードでも３ｄＢオーバーくらい、ロックになると１０ｄＢオーバーなんてのも。。。
どの曲も完成品では「ギリギリ０」って事になっていますが、実際はどんな曲でも０を余裕で超えています。
これらをマスターに仕掛けたリミッターに表示されている「オーバーの数字」を見る事によって、
自分の作っている曲のジャンルにおける平均的な音圧と比べ、現状を目で確認する事が出来ます。

しっとりと聞いてもらいたいバラードを作っているのに、もしこの数値が「７」とか「１０」だったら、
明らかに「調子に乗って音を上げすぎ」だし、ロックを作っているのに「５」だったら、
「全然音圧が足りない・ロックなのにスカスカでしょぼい」などという風に、一目で分かるわけです。

大体、ボーカルの最も大きい音の部分で「０（レベルピッタリ）」を目指して、
その上からオケを全て足した結果で「３～１０」という構成だと覚えておいたら良いです。
（いま作っている曲においては「７～８オーバー」を目指しています

　※ボーカルだけで「レベル０」というのは条項としても、問題は「アップダウン」です。
　　バラードほど「徐々に上がる」、激しい曲ほど「音圧の差は小さいが、アクセントで制御してる」
　　という世界になります。）

http://oninome.sakura.ne.jp/sweets-miku2.mp3
（現状、リズムトラックを作っている最中なので、まだまだドラムは追い込み不足でショボいですが・・・）

デジタルで音楽を作る際には、クリップ・レベルオーバーに神経をピリピリさせながら作るってのが
定石なのですが、実際は【気にしなくて良いこと】なのです。【超えない方がおかしい】のですから。
私も、それを知らなかった時には「０の数字」にいつも怯えながら曲を作ってましたよ。。。
今思えば非常にバカらしいですね。（だから、山々も、アレだけ音が小さい結果になっている）

音量の限界を気にしすぎて、でも「そこらの正規品」の様にやっぱり大きい音でカッコ良く曲を作りたい、、、
という時に、その結果、コンプで潰しまくって、不用意にイコライザーで削りまくって、
音圧はあるけどダイナミクスが完全にやられている（音圧の高低差がない）とか、
低音の抜けが明らかにおかしい（レベルを食ってしまう重低音部分を大いに削ってしまっている）とか、
更にそのせいで、やたらと中高音～超高音が目立って耳に痛い音が乱発されている・・・な～んて事になると、
そんな曲を仕上げても意味がありません。それは明らかに失敗作・やり直しレベルです。

要するに「マキシマイザー（クリップさせずに、そのまま音圧を上げるプラグイン）」が
最も理想の音圧テストに向いているという利点を、マスターに組み込んで応用した形ですね。
どのみちマキシでガンガン音圧を上げ続けて「その曲に最適な最高の音圧」を調べたところで、
それは確実に、バラードでさえ「軽く０以上の数字」であり、それ以上の音は切り捨てることになります。

どのみち、後から切り捨てるのなら、最初から自動で切り捨てる設定にしておけば良いわけです。
コンプなどは、奥行きなどの演奏の場所決め（位相）や中音域の調整に集中させる形で使いましょう。
（コンプで音を潰すのは、あくまで演出を強化させる目的であって、音量調節が目的であってはいけません。
　※音量の調節は各トラックの最後に掛けたエフェクトのアウトで行い、フェーダー（ミキサー）のツマミも
　０から一切触らず、各トラックのレベル※オートメーションによるレベル書き　のところには、
　そのトラックの要所要所で必要な「レベル突き・カット」だけが描かれているというのが理想です）

但し、注意事項としては「０を超えても良いのはマスターに仕掛けたリミッターを通る時だけ」で、
どのみちそれ以外のトラックの音量・それぞれの通路（インサートからインサート・インサートからアウト）の
どこでも０は越えてはいけません。超えて良いのは、全てのトラックの音がマスターに集まって、
マスターから放たれる時の「最後の出口（仕掛けたリミッターを通る時）」の一ヶ所限りです。

例えば、８つのトラックと、それぞれに８つのインサートと、マスターでのリミッターだとした場合、
インサートの出口と各トラックの出口とマスター（視聴者への出力）を含めて７３ヶ所あるわけですが、
０を超えて良いのは７３ヶ所目に通る「マスターのリミッター」のみです。
それ以外のどこでも、クリップ（０ｄＢオーバー）を出してはいけません。

単純に、各トラックにもリミッターを仕掛ければ良いだけの話なのですが、
あえて「レベル内で最高の結果を出す」ということに拘る事も覚えないといけないので、
それを意識するためにも、あくまで「超えて良いのは一ヶ所だけ」にしておいた方が良いですね。
リミッターは「作り手を安心させるため」「手を抜いても大丈夫にするため」にあるわけではないので。。。

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自主勉強に役立つ教本　４

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さてさて、自主勉強して実践しよう！そして確固たる実力を身に付けよう！！の教本コーナー！！！（゜∀゜　

今回が最終回です。
最初の頃は必死になって読んでも、全然分からなかったし、分からないから面白くもないし、
何でこんなに異常に難しいの？と、つくづく嫌気が差していた時もありましたけど、
そんな私が「この教本、お勧めです」と言えるようになるとは、あの時は思いもしませんでしたねぇ。

確かに、非常にややこしい上に、全てを連携させて、そこで初めて１つの大作が出来るのが音楽の世界なのに、
殆どの場合「音楽理論」「譜面の知識」「コード」「ボイシング」「音響エンジニア（音師）」「打ち込み」
「作曲」「作詞」「演奏練習」「マスタリング」「ギター」「ドラム」「キーボード」「ストリングス」などと、
各分野に完璧にバラバラに分かれてしまっていて、覚えなきゃいけない知識というのは全てを足すと、
実に国語辞典十数冊分とか六法全書レベルに余裕で匹敵するほどの莫大な量、という世界でもあり、
敬遠されるのが実情であろうとは思います。私も最初はそんな感じでしたからねぇ。

でも、少しずつでも読んで、少しずつでも理解して、それを覚えて、、、そして実際に使う、
それを繰り返し、徐々に実践の中でも出来るようになった時には「面白い」の一言です。
その醍醐味がありますね。

ただでさえ難しいことが、自分の中で理解できるようになってくると、
それはそれで恍惚感に似たものがあり、それが楽しいと感じるようになってきますね。
まぁ、最初は苦痛な部分は多々あると思いますが（特に用語なんて意味不明なものばかりだし）

ただ、その先で、読んだ人・理解した人を待っているものは、その苦労や努力を遥かに上回ります。
それだけで、これらの教本の価値や存在意義というのは果てしないものなのだと感じる今日この頃です。
まぁどれもこれも、完璧に出来る様になるには軽く数年掛かるようなものですから（音楽自体がそうだし）
手に取って、ゆっくりと、少しずつ、でも確実に、読み進めていくことが重要なのだと思います。

絶対わかる！コード理論シリーズ　北川祐氏　著

「絶対分かる！」・・・と言いつつも、なぜか常に「音楽をある程度経験した者には分かる」という
そんなレベルで書いてある、この人の本・・・。。。。。。ある意味、タイトルが誇大解釈的表現ですね。
この人にとっては、これが「絶対わかる！」のレベルなのでしょうねぇ（－－；

まぁ、実践訓練に差し掛かった人には、この人の書いた本は重宝します。
実質、初心者向けとは言えませんが（「絶対分かる！」という名前を冠しているのに・・・・・・）
確かに自分の音楽の裾野や視野を広げるには最適な音楽理論の本でもあります。

読み方としては、この「絶対分かる」シリーズの、１～３を読んでから、
最後に、デイブ・スチュワート氏の「絶対分かる！曲作りのための音楽理論」を読むようにしましょう。
そうでないと、意味不明なります（－－；；；

その後に「すぐ使えるコード進行ネタ帳」　石沢功治氏　の本を読んで、そこに前者のボイシングなどの
音楽理論的変化を付け加えれば、面白いほどに「コード先作曲」が出来るようになります。
（但し、前提として、コード作曲したものに主旋律を加えるだけの「複数の大楽節の対旋律を生成する知識」と、
　「歌詞を作る知識」がなければ、かなり難しいです・・・ぜんぜん「絶対に分かる！」というレベルではない）

ＤＴＭ打ち込みフレーズ制作技法(CD-ROM付き) 篠田元一 (著, 監修)

打ち込みで生演奏の音を再現する為のベロシティ・ピッチ・モジュ・エクスデータ入力数値や練習演題などが
悉く書かれている教本です。。。通常のＤＴＭ制作程度のレベルは飽きた。もっと本格的なものを
打ち込みで作りたい、という玄人向けの教本です。ハッキリ言って、今まで紹介してきた教本の中でも
比較的難しい部類＋即実践を想定したものです。。。が、これをマスターした時の効果も、
他の教本と比べ物にならないでしょう。ＤＴＭ経験者・音楽経験者にお勧めの一冊です。

（上）マスタリングの全知識ＣＤから配信まで(CD付き) 葛巻善郎 (著)

（下）エンジニアが教えるミックス・テクニック99 (CD付き) 葛巻善郎 (著)

所謂「音師の技術」と呼ばれるものは、大まかに分けると「音響」と「マスタリング」の２種に分けられます。
つまりは「制作過程」と「仕上げ」に分かれ、後者の行為は「サウンドトリートメント」や
「マスタリング」と言います。要は曲が完成した後の処理が中心となる分野ですね。

（音響の方は、他にも「ミックス」と呼ばれたり、単純に「エフェクト」と言われる分野に分かれるので、
　音師の仕事を指す名称や分野は、４つ～５つくらいあります。
　※本によって表現が違ったり、若干名称と説明範囲が異なるような事もある）

完成作というのは曲として完成していても、それを最高の形で出せるか？とはまた別の問題で、
トリートメントやマスタリング関係の書物は、仕上がった曲を最高の状態で世の中に送り出すことを
仕事としているエンジニアの人達の知識が詰まっています。

まぁ、音響エンジニアの知識と同時に覚えるものでもありますので、教本によっては両方書いていたり、
片方しか書いていなかったり、名称・役割などを分けていなかったりは区々ですが、マスタリング知識とは
「出来上がった曲を、更に最高の状態に引き上げて世に出すために必要な知識を扱うもの」ということです。
ミックスやエフェクト・エンジニアは「制作過程の中で、その曲に演出効果を掛けて応援する」という知識です。
そのためのノウハウが、これら「エンジニア・マスタリング・音師の本」にはギッシリと書かれております。

ちなみに、アマゾンなどで一度音楽関連の書物を調べると、
マイストアと連動して自動的に検索したものと類似する本が多々紹介されるので、
その機能を使えばもっともっと活用できる本が見つかるかも・・・（*＾＾*）
※しかも、アマゾンを通じて既に購入している商品は表示されないという親切な設定みたいですね。

知識会得と実践を繰り返せば自ずと迅速な処理と確実な品質を繰り出す力が後から身に付いてくるものです。
まぁ、私はまだまだ音楽に関しては駆け出しのヒヨっ子にも値しない人間ですが、
この道理はあらゆる製造・制作・物作り全てに通じて言えることですから、それだけは分かります。

まだ見ぬ知識の欠片を探し出し、それを自らの実力や「分かる」という喜びに変えるために、
このような素敵な教本たちは、いかがでしょうか？

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みっくみくにしてやんよ　１２

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さてさて、お久しぶりの「みっくみく」のコーナーです。
とりあえず、ある程度先まで進めてから時間差でコーナーを進行していきますので、
ちょいと実際の進行状況に比べて遅れ遅れの更新になりますが、ご勘弁ください。
（同時にやると凄く時間掛かるし、作曲に集中出来ないので）

ちなみに私のミクの調律の仕方・声の作り方に関しては以前の「みっくみくにしてやんよ」のコーナーを
参照にして頂きたいと思います。あくまでミクらしさが潰れるような調律は一切しない・やらない上で、
どこまで彼女らしい表現力を出させることが出来るか？ってことに集中して作りこむ形にしております。

尚、毎度毎度の前提条項ですが、基本的に、当ブログ内で提示している手法は、
ほぼ自分でオリジナルで考えたものなので、かなり「通常の調律」とは勝手が違いますが、
その辺は生暖かく見守る事を推奨致します。参考に出来る部分は参考にして頂ければ、
こちらとしても嬉しいものです。

まぁ、今回は非常に「最初から最後まで力強く歌う」のが課題になってきますので、
ミクのか弱く澄んだ細い声で、どこまで力強く歌わせられるか。。。？が、大きな問題だったですが、
意外とこれは早々にクリアできましたので、今後の展開にも期待が持てそうです。

「雪」　絵師：maria_75様　http://piapro.jp/maria_75

今回は「ちょい技」も含めて、ボーカルの仕上げまでを２つの記事に分けて、
実践総合的に説明をしていきたいと思います。
まずはエディター側での調整の注意点から。

①ピッチ・ブレス・母音などは、要点要所が明確に分かるように調整しておく
　
まぁ、実質はどのみちＤＡＷの方で本格的な調整を施すことになるのですが、
小さい「っ」の手前のピッチ変化とか、伸ばすところで意図的に生じさせるピッチの変化や、
または「コブシ」などについては、エディターの時点で突き詰めておいた方が良いですね。

その変化を加えたピッチは、ｂａｒｉオーディオでの「音階の解析・分析」にもモロに反映されますので、
わざわざ後から自分で音声の中から割り出す・そこだけ分割するような手間を省くことが出来ます。
エディターで細かい調整が容易でない場合でも、とりあえず「変化させたい場所」だけ明確にしておいて、
後からｂａｒｉオーディオの方で正しいピッチ変化を書くというのも手です。
（ｓｏｎｎａｒをお使いの場合は「Ｖ－ｖｏｃａｌ」）

ピッチを変動させるソフトがなくとも、音量でピッチ変化・ビブラートを擬似的に表現させる場合においても、
場所の特定・明確化などは最低限必要になってきますので、そこだけ分かりやすく変化を付けておきましょう。
ある程度のイメージをそこに書いておけば、後でＤＡＷ上でレベルを書く時の参考にもなります。

②Ａメロ・Ｂメロ・サビに劇的な音量の差があっても、それは気にしない
　エディター上では基本的に不可能だと思われることは余裕でスルーする

語句１つだけ突き出てるとか、そういう事がない限りエディターの時点で合わせる必要は全くありません。
この部分はノーマライズで音量と上げるパート範囲を指定して持ち上げる作業を行う事になります。
（お使いの機種によって機能が違う場合もあります。マキシマイズで音量を指定するものもあります）

私の場合、音量を「６４で固定」した上で、重ね重ねで音量～インパクトまでを操っていますが、
もちろん音量はＡ・Ｂ・Ｃでバラバラになって当たり前ですし※激しい曲ほど差が大きくなります
（バラード曲～大人しい曲なら、そのままでも良いくらいの精度をミクは自動的に保ってくれますが）

根本的な印象以外は、この先の調整・エフェクトで幾らでもコロコロと変わっていきますので、
最初の時点でイメージを決め付けてしまうと、後から柔軟に対応できない場合があります。

ですから、あくまで「その曲を歌っているミクのイメージ」は必ず頭の中に持たなきゃいけないですが、
ミクの歌声そのものの最終的な結果に確定的なイメージを持つことは、
この段階では早すぎるのでやめておきましょう。

特に、この手の女性ボーカルは「汚した方がキレイ」とか（意図的に歪めまくった歌声をミックスする）
文章で表現するには余りに意味不明なエフェクトの掛け方・エンジニアがよく使う定石などもありますので、
そこまで細かいイメージの確定化に関してはミクの音声をＤＡＷに移してからの調整の問題となります。

・・・というか、ボカロエディターにはリミッターのような制御なんて付いてないので音声が割れます。
ディレイ・リバーブ・マキシやコンプやリミッター・「母音のい」や「サ行」の歯擦音を消すエフェクトなど、
それらがないと表現不可能な事なども、どのみちボカロエディター上では試作する事が出来ないので、
この場所で最終イメージをそのまま具現化する事は極めて難しい、、、というか実現出来ません。
ですから、あくまでミクがその曲を懸命に歌っているイメージに合わせるだけで良いのです。

「エフェで誤魔化して・・・」と言われそうですが、現実の人間のボーカルなんてミク以上に相当弄っています。
というか、ボーカルほど大量のプラグインやエフェクトを使わなければいけない対象はないらしいです。

（マイクで通した声に対して、瞬時に最適なエフェ処理・多重録音を数百回重ねたような効果を出したりとか、
　ライブ※生声　だと思われているライブ中継などでも、実際は異常・過剰なほどの処理がされた声を
　聞いているのが現実のようですよ・・・そのままスピーカーから出力されているわけでもなく、
　きちんと音師が裏で仕事をして処理した上での声を「生の歌声」だと思って聞いているのですよねぇ。

　※ちなみに「多重録音数百回分重ねる」というのは、あの「エンヤ」の歌声の作り方です）

「ボーカルを極めるためには、まずエフェクトを極めなければならない」のが現実であり、
毎日毎日場所を選ばず教本を読みまくって、急いで覚えているという・・・（－－；
・・・お陰で、プリセットを使わずに調節できるようになったよ。※基本的な使い方・設定に限りですが

③ブレスは混ぜないで別途書き出す

こうしておく事で、ブレス音声の一部にタイムストレッチを掛けて大きく深呼吸させているようにしたりとか、
（直接オーディオを弄りたくない場合は、必要な部分だけテンポを落としても良い）
オーディオ素材として色々と応用が利きますし、ブレス音だけの調整が出来ますので、分けておきましょう。
今回の「幸せスイーツ☆愛されナデシコ」では、残念ながらブレスそのものを使う気が無いので、
これらの用途についての音声の提示はありませんが、いつか使った時には提示するようにします。

さて、ボーカルの音声と仕上げの説明ですが、そちらの方は「実践　ＤＴＭ・楽曲制作　音師編　１」にて。
（「基本編」にエフェの用語～知識を書くと言ってましたが、全然「基本」というレベルの話じゃないので
　別途コーナーを分けることにしました。。。こんなものを「基本」とか言ったら、普通に萎えますので）

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実践　ＤＴＭ・楽曲制作　創作編　３

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さてさて・・・それじゃ実際に作りながら順を追って説明していきますが、
唐突に音楽理論などなどを持ち出したり組み込んだりしたら見てる人にとって意味不明になりますので、
とりあえず【コード進行・ボイシングという概念が全く存在しない※全く考えない】という視点で、
（つまり、主旋律から作られた1/2小節のアルペジオ＋アルペジオトラック※音源１つしか使わない）
まず簡単な説明の方から話を続けたいと思います。（どのみち、そこから先はボーカル作った後の話なので）

まず進行やボイシングを考えた変化＋転回＋ノート縮小などを全く使わずに基礎を作るって事になるのですが、
【どこから作るのか？】というと「サビ部分の分解・アルペジオ化・もちろん保管しておく」から始めます。

大抵の場合、イントロや間奏はサビから作られており（全くサビと違うものでも、ほぼサビから作られている）
曲中で最も使えるアルペジオや、その曲ならではのドラムの打つタイミング、
その曲の基本的～代表的な成分となるものも、その多くはサビの中に既にあります。

音楽にはテンプレ的な「こういうコード進行が良い」とか「ドラムは、こういう叩き方が基本」とか、
「こうすれば、こう聞こえる」とか所謂「お決まりのもの」やら「お決まりの旋律取り」とか、
予めキレイに作れる・○○風に聞こえるという前提の豆知識というものがありますが、
これらを多用すれば楽と言えば楽ですが、自分の曲らしさというものを代償として支払う事になります。

そうなってしまうと、かな～～～りＪ－ＰＯＰにおける形骸化の問題と同じことをする事になるので、
ほぼ「当たり前の基本」と言えるものは守りつつ、その中で自分の作った曲らしさを持ってくるためには、
自分の曲を分析する必要があるわけです。テンプレっぽい曲作りにならないようにという配慮です。

あと、主旋律を作る方を先にやってしまいたいとか、そういう場合は先に主旋律を作っちゃいましょう。
余裕がある時は同時にやっているのが効率良いのですが、なかなか創作はそう思い通りには行かないですし。

たま～に他の作業をやっている途中にネタを思いついて、そのままネタを忘れる事もしばしばありますので、
その辺はその時々で臨機応変に。。。ＭＩＤＩ化したら逃げはしませんが、良い思い付きは早く残さないと
頭から消えますので。。。その場合はアルペジオ化・分析を後に回して、先に思いついた旋律を
一早くＭＩＤＩデータとして残すのが先決です。
（実質、仕事中にネタが浮かんだ時なんて最悪（－－；これでどれだけの数の曲のネタを失っているか）

で、そんなこんなで、ホイｗとりあえず１番の主旋律できたおｗｗｗ

http://oninome.sakura.ne.jp/sweets1.mp3

・・・・・・歌詞であれだけバカみたいに躓いていたのが、まるでウソのようだ・・・（－－；
やっぱり自分の得意分野は第一に尊重してあげましょう。今更なことですが。。。
若干、歌詞を変える羽目になりますが、作ってる最中にサビがしつこい事に気付いたので削りました。
歌詞の修正版の方は後ほど紹介します。

さてさて、私用で説明を怠ってはいけないですね。それでは説明再開。
ちなみにアルペジオトラックにてイントロのラフを作り、その先の全体像も想像しておくわけですが、
ラフはラフなので気を遣わないで気楽に作れば良いと思います。

あくまで伴奏付けの本番はボーカルに歌わせて、それに合わせていく時以降の話なので、
「アレンジはこんな感じにしようかな」という、ショッピングで言う「試着程度」の気分で構わないです。

・・・・・・なになに？？？もっと少し踏み込んだラフを作りたい・・・？
そういう人はアルペジオトラック１でサビのアルペジオを使って大体のイントロの予測の形を完成させた後に、
さらにそれの補助になるアルペジオを選んでアルペジオトラック２に入れてしまいましょう。

そうすれば、ほぼ「この曲のイントロとは、どういうものなのか？」と、
「この曲の性質とは、どういうものなのか？」というものが見えてきます。
それでも尚且つ余裕のある人は間奏のラフも作ってしまいましょう。
（当方は、今回はショートバージョンという事で、間奏などはないですが。。。）

その「どういうものなのか？」に合わせて、足りない部分の「繋ぎ」を作ったり、
コード進行とボイシングを加えて、完成させていくわけですが、その話はややこしいので、
現段階では割愛しますね。（折角簡単に書いているのに、そのせいで分かり難くなったらイヤだし）

それじゃ、次は・・・

ですよね～～～。
ウチの歌姫をデビューさせてあげなきゃ。

つうか、この絵を見て思い出したが、今日はバレンタインデーか・・・・・・
・・・・・・主にニコニコ動画の方から、なんか

「リア充死ねぇぇ～！爆発しろぉぉ～～～！！！（゜∀゜」

って大人数の声が聞こえ（ｒｙ・・・（－－；

「リア充爆発しろ！」に絵を付けてみた
http://www.nicovideo.jp/watch/sm8630148

・・・・・・・・・（－－；；；；；；

そういうわけで、次は「みっくみくにしてやんよ」のコーナーです。
お楽しみに（＾＾ｖ

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