鬼ノ目音楽館

実践　ＤＴＭ・楽曲制作　基本編　３

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さてさて、ＣＵＢＡＳＥ５の購入と同時に、本格的に実践活動を開始するわけですが、
・・・（＾＾；；；書かなきゃいけない基本編と理論編の記事数って、あと軽く１５以上あるのですよね。
来月の中旬までに記事の消化、間に合うかな（－－；）※ＣＵＢＡＳＥ５購入まで、あと３０日もない。

とりあえず、音楽制作に必要な基礎知識など、書くこときっちり書いてから実践編に移りたいし。。。
つうわけで、ちょっとペース速めて急ぎます。（画像作るのに結構時間掛かるのよ、この音楽館コーナーは）

ちなみに・・・「実践編」だと「実践」っていう言葉がタイトル内に２つも入るし「語呂が悪いなぁ」・・・
と思っていたら、「創作編」でしたね、初期の予定では・・・時間経過しすぎでド忘れしてたわ。
つうわけで、正しくは【×実践編→○創作編】です。

このコーナーが開始したら、ほぼノンストップで毎回作曲しますので、ご期待ください。
無論、一日で一曲作るわけでなく、数回に分けて、要所要所を解説＋説明しながらの作曲ですが。
そもそも、説明の画像を作りながら作曲とか、そんなすぐに一人で出来る作業じゃないし（－－；
（ついでに「歌ってみた」の開始も、ほぼ同時期です。。。どういう反応になるのでしょうねぇ、楽しみです）

さて、今回は「基本編」なわけですが、こちらは「機材などの環境」・「ＤＡＷの使い方・用語の説明」と
「音楽制作する前に、覚えておくべき音楽の基礎知識」などを説明していくコーナーです。

【理論を学ぶ以前に覚えておくべき、音楽の基本的なこと】っていうものを疎かにしていたら、
折角の「理論編」も役には立ちません。
・・・だから本来は、こっちを先に書かなきゃいけなかったのですけどね。

今回の内容は「音楽における３つの計算方法」です。
・・・音楽の基礎知識の中でも一番難しい分野ですねぇ・・・（－－；
私も一回、音楽の理論で挫折してるんだけど、ここが音楽理論の【最初の難関・壁】なんだよね。

音楽を理論的に見る際には「調・根音（ボイシング関連）・ダイアトニックとスケール」という３つの
【それぞれ異なる計算方法と、曲の進行方向とバランス】を頭の中で同時に処理しなければなりません。

一応、今までも「何も知らない人でも簡単に分かるように噛み砕いて、画像化」しているのですが、
それでも難しいかも・・・とりあえず、ゆっくり、そして確実に理解していってくださいね。

基本的に「理論が分からない・スケールとか色々と説明してもらっても理解ができない」という場合は、
ここで躓いている場合が殆どです。とありあえず、超簡単に分かるように説明すると、こういう事です。

・・・全て空白ですね。。。「何の冗談？」と思われるかもしれませんが、
この空白を１つ１つ自分で埋めていくのが、何よりの理論への理解です。
アレやコレやと覚えるのは良いことですが、まず第一にそれを理解しなければなりません。

でも、ある意味、それが【スピード作曲における最大のヒント】なんですよね。

そして、どんな音が鳴るのか？を、１つのボイシング毎に確かめて、
使い方を理解した時に、その空白を埋めてください。全部埋まる頃には立派なアマチュア作曲家に
なっていることでしょう。・・・もちろん、ちゃんと後で理論の記事も書きますけどね。

今回は、どちらかと言えば「精神論」の話です。

・・・簡単なやり方だと、自分が作りたい曲のスケールと調をハッキリとさせて、
「キーボードに【糊が付かない・すぐに剥がせるシール】を貼ったり、そういう工夫をすれば良いのですよね。
こんなのは主旋律を１６小節作った時点でハッキリと分かる事なので、
鼻歌で適当に歌を作って、それをステップ入力した時点で
「その曲で使って良い音・調・使って良いボイシング・良い感じのコード進行」も、ほぼ全容が見えてきます。

（いや・・・ＣＡＢＡＳＥやＳＯＮＮＡＥＲなどの「最高性能ＤＡＷ」を持っていれば、
その必要性すらないかもしれません。それは後ほど実際に説明しながら作曲しますが）

後は適当に作るだけ。どちらかと言えば、理論よりも

「どれだけ多くの音源・音色を持っているのか？」
「簡単にエフェクト・特殊効果をプリセット１つで付けられるソフトを、どれだけ多く持っているのか？」
「どれだけ簡易的に曲の構成を即座に作り変えられる機能があるか？それを使いこなしているのか？」
「どれだけ豊富な【音の区切り方・並べ方】を知っているか？またはそれを支援する機能を持っているか？」

の方が、余程重要なことです。その気になれば「曲の素」っていうのは３０分もあれば作れます。
作った「曲の素」からショートバージョンを作成。それをブロック分けしてコピーして、
構成を決めて貼り付け。※構成＝「１番～２番～３番→最後のサビ」という普通の流れや、
「２番はＡメロしかない→間奏の後半が歌物になっている→そのまま最後のサビへ」・・・など。

（だから「音楽館の本格活動開始＝ＣＵＢＥＳＥ５の購入待ち」にしているのだけどね）

これは、この後の「スピード作曲の手順と、理論の応用」と、「リズムとは何なのか？音楽とは何なのか？」
「歌もので気を付けるべきポイント」で、もっと詳しく解説しますけどね。
しかし、この手の話が「記事３つ分」続きます。・・・凄いボリュームになってしまいました（－－；

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実践　ＤＴＭ・楽曲制作　理論編　４

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さて、スケール／モードの紹介【マイナー編】です。
主に悲しげな曲・不気味な曲～テクノまでをも網羅するスケール／モードでもあります。

テンポの速さによって「異常な程に雰囲気が変わる」という特性を持っているスケールでもあり、
ユーロビートは、ほとんどマイナースケールで作られています。「パラパラを踊る曲」ってイメージだと
普通「メジャーだろう」って思うところなんですが、９０年代に良く流れていたユーロビートの有名曲は
ほぼ「マイナー系スケール・モード×ＢＰＭ１４０以上」という形で作られているものなんですよねぇ。

ですから、音程・テンポ次第では明るいも暗いも哀愁も、自由自在に操れるスケールでもあると言えます。
使う音源によってもかなり変化が激しいです。その変化に慣れるのがマイナー曲作りの課題＋醍醐味ですね。
それでは早速、スケール・モードのご紹介を。

※ドラクエ２のフィールド曲「遥かなる旅路」（３曲中の１曲目）
http://www.nicovideo.jp/watch/sm2789379
ジブリ作品の挿入歌も、このスケールを軸にして作られている曲が多いようですね。

※「その美しき山々に・・・」（Ｇメロディックマイナースケール／Ｇドリアン・モード）
http://oninome.sakura.ne.jp/yama-feat.miku2.mp3

Ｃハーモニックマイナー「ⅠⅡⅢⅠⅡ・ⅢⅡⅠⅡなどの和風進行」８小節分※超適当ですみません　orz
http://oninome.sakura.ne.jp/hm1.mp3

マイナー系統のスケールで、神曲・良曲が揃いも揃っている世界と言えば、やはり「ゲーム音楽」です。
・・・つうか、基本的に日本のＪ－ＰＯＰの世界は王道進行＋恋愛中心の音楽が多いので、
聴いていてヒントになるような流れを見つけたりとかは難しいです。

良い音楽にジャンルなんて関係ありませんから、この辺は今後の勉強になるような
良曲・神曲で耳を肥やしておく事をお勧めします。

【作業用】ココロに響くゲーム音楽‐ニコニコ動画(ββ)
http://www.nicovideo.jp/watch/sm8477212

つうか・・・２時間越えのボリュームですので、ずっとヘッドホンだと耳痛くなるかもね（－－；
適当にモニタスピーカーを通して、ゆったりとコーヒーでも飲みながら聴いてればＯＫ♪

さて、とりあえずメジャー・マイナー共に基本的な５スケール／モードずつ挙げてきましたが、
もちろん、これはホンの一部です。特に民謡・童謡・歌謡曲・民族音楽などになると、
これらのスケールでは対応できない場合もありますので、追って「国内・海外・民族音楽」の
基本スケールと応用スケールを紹介していきます。

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実践　ＤＴＭ・楽曲制作　理論編　３

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さて、ここから作曲理論の基本である「モード・スケール」を列挙していきます。
キーボードやギターをお持ちの方は、実際にそのスケールを弾いてみて、
「どんな感じの流れになって、どんな曲に仕上がるのか？」を確かめていく事を推奨します。

これと、後に説明する「コード進行・ボイシング・アルペジオの構造と解釈と理解」を組み合わせれば、
大体の曲は簡単に作れます。問題は前回も言った通り「理解できるか？出来ないか？」だけなんですよね。

私も、散々音楽系のサイトを回って、理論書を読みまくって、その難しさに一度は打ちのめされました。
今となっては「もうちょっと、分かりやすい書き方や説明のやり方もあるんじゃないの？」と思います。

だから、自分は「出来る限り分かりやすい形」で、「誰にでも簡単に曲が作れるようになる様に」という
２大コンセプトを立てた上で「基本編・理論編」、作曲実演の「実践編」を繰り広げて行きたいと思います。

折角、素人でも曲を作って紹介できる場所があって、ボーカルまで打ち込みで作れるようになったのですから、
この機会に音楽の楽しさというものを、より多くの人に伝えていけたらと思います。
無論「ミク使いを増やすための啓蒙が目的」の１つなのもありますが（＾＾；）なぜかココを強調ｗ

それでは早速ですが、作曲の基本となる「７音構成のメジャースケール」から説明していきますね。
「ｋｅｙ」は全て「Ｃの場合」です。つまりトニック～オクターブで「ドレミファソラシド」ですね。
基本的に理論は「Ⅰ＝Ｃ」で書かれている場合が多く、最初は「全全半全全全半」のように覚えましょう。

その後に「他の調の場合」や、発展系として「○○から数えて長３度と完全４度」とか「根底→長６度」とか、
「一応４度だが、これは完全４度ではない」など、そういう数え方と音の違いにも徐々に慣れていきましょう。
それらの構成や基本的な名称については【コード進行とコードボイシング】の際に本格的に説明します。

※インド音楽の「カマージ・タート」とも同一のスケール

※名称は【ミクソリディアン♭６・スケール(日本名：旋律的長音階)】
　実質は「旋律的短音階の仲間」でありながら「長音階（メジャー）」である存在。つまり中性です。

※名称は【リディアン♭７・スケール】です。
　ミクソリディアン♭６と同じく、メジャーでありながら、元は旋律的短音階のスケールからの派生。

とりあえず、今回紹介するのはモードの中でも基本的な、この５つのメジャースケール／モードだけ。
まずは「モードの使い方」に慣れないといけませんから、一気には紹介しません。
（【他国のスケール・その他のスケール】で色々と紹介します。混乱を避けるため今回はこれまで）

実際に弾いてみると「メジャーよりも聞き栄えが良くなった部分」と
「マイナーに近くなった（悲しい・気持ち悪い音になった）部分が、あると思います。

更に、これらは同じモードであっても「上行」と「下降」では、
全く同じ道を行き返りしているだけなのに、聴き栄えが真逆になることもあります。
各スケールにて「上りの（降りの）」、「どの音が」、「どうなった？」を覚えておきましょう。

特に「聴き栄えのいい音」は、別のスケールを使っている時に、ちょっとモード外の経過音を加える時に
非常に役に立ちます。大体は「＃＝上り気持ちよく・降り気持ち悪い」
「♭＝降り気持ちよく・上り気持ち悪い」という感じになりますけどね。

コレを覚えておいたら「メジャーを使っているが、降りで短７度をわざと踏んで帰っていく」とか
「ミクソリディアンで曲を作っているが、上りで増４度を軽く踏んで、一時的にモード変更」とか、
そういうことを考えながら、様々な音の変化を加えることが出来るようになります。

さて、次は「短調」、、、つまり「マイナー」のスケール／モードの紹介です。

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実践　ＤＴＭ・楽曲制作　理論編　２

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今回のお題は、音楽の基本となる「調・スケール・モード」の説明。
しかし、音楽の理論というのは【ここを理解できるか？出来ないか？】
・・・本当にただそれだけなんですよね、結局は。

「曲を、自分の好きな枠組み・自分の好きなイメージ通りに作れるか？作れないか？」は、
「ここを理解してるか？してないか？」で、ほぼ決まります。
ですから、理解できるまで延々と繰り返し読むことを強く推奨致します。

（ある意味「音楽作るのは普通にやってる。でも理論だけはどうしても分からない」という音楽経験者が、
　この辺りを完璧に理解すれば、それだけで軽くセミプロレベルを超えたりするケースもあるとのことらしい。
　それだけ重要な事ですから、経験者・未経験者を問わず、また復習も兼ねて見るのも良いかもしれません）

よく「ｋｅｙ＝Ａｍ」や「ｋｅｙ＝Ｃ」などという表記を見ることがあると思います。
これは調性を指す言葉なのですが、主に白鍵の【全・全・半・全・全・全・半】などの計算を、
そしてボイシング音程差の計算を【どこの音を根音・基準として行うか？】というものです。
さて、鍵盤上で見た時に、この２つの調はどのようになっているでしょう？

・・・あれ？両方とも「白い鍵盤のみを使う」って事になりましたね。
どうしてこんな事になるのでしょうか？もう少し詳しく見てみましょう。

【ｍ】が付いている場合は【短調】として計算します。これを【マイナースケール】と言い、
何も付いていないものは、基本的に【長調】として計算します。これを【メジャースケール】と言い、
【ｍが付くか？付かないか？】で【計算の仕方が違ってくるわけです】

ちなみに上記の場合は【ｋｅｙ＝Ａ】×【ｍ＝全・半・全・全・半・全・全】
【ｋｅｙ＝Ｃ】×【全・全・半・全・全・全・半】という計算方式になります。
そして結果として【使う鍵盤は同一】となり、よく見られる【Ｃ／Ａｍ】という表記になるわけです。

ここで注意すべきなのはコードボイシングのＡｍ（Ａ＋Ｃ＋Ｅ）と「調のＡｍ」は別だということです。
確かにＣメジャーでＡのトライアドを弾くと３度目がＣ＃（黒鍵）に当たるので、それを回避した結果として
Ａｍというコードになりますが、Ｃメジャーのトニック（Ⅰ）は、その名の通り「Ｃ」です。

コレと違い「ｋｅｙ＝Ａｍ」は、ＡのトライアドもＡｍだし、トニックもＡです。
この辺りが頭の中でゴチャ混ぜになると、複雑なものになるほど苦しむ＋パニックになります。

確かに同じ「白鍵しか使わないもの同士」ですがこの２つはトニックの位置と進行方法が全く違うのです。
（ダイヤトニックという概念をきちんと覚えておかないと、ここで「アハｗどっちも同じｗｗｗ」と
　安易に考えてしまいがちです。私も一度、この失敗をしました（＾＾；；；これをやると調性が崩れます）

さて、、、ここからが本題です。

実質的に音楽制作をする場合、単なる「ｋｅｙ＝○○」という形だけでは、非常に時間が掛かります。
なぜかと言うと、それらはあくまで「調性音楽の基本形態」・「コード楽器の基本」であって、
言ってしまえば「加工前の音楽の全形」だからです。・・・色も塗っていない、説明書も付いていない、
バラバラのプラモデルをいきなり渡されて、器用に組み立てられるでしょうか？それと同じ話です。

確かに１２個の音（鍵盤の端から端まで全部で８８音）の中から「メジャー・マイナー」という
５２音にまで絞り込んで「ある程度の基本的な２つの形」は作ってくれているようですが、
前記事で出てきた「ペンタトニック東洋５音階＝童謡・演歌・チャイムなどの音楽制作に最適」のように、
使用目的や用途がハッキリと明確化・特徴や癖を付けられたものではありません。

１００以上あると言われているスケール・モードの内の、たった２つだけで何が出来るでしょう？
いや、、、やろうと思えば幾らでも可能ですが、それは「ムダに遠回りしている」というものです。
・・・まぁ、東洋５音階の存在をド忘れして、最初「演歌風の音」を作るのに苦労したから、ホントに・・・
「モードやスケールを知らない」というのは、それだけ無駄な時間を使ってしまうということです。

それを解決するために存在するのが、５音・６音・７音・８音×メジャー・マイナーなどの【スケール】と、
【ヘプタトニックスケール】における【モード】などです。所謂「Ｃ○○○マイナー」などの
「○○○」の部分に入るもので【作りたい曲に合わせた調性を可能にするための補助装置】です。

今までに提示した事のあるもので言えば「Ａハーモニックマイナースケール」というものがありますが、
この【ハーモニックマイナー】の部分が「スケール名、またはモード名」です。
物によってはメジャー・マイナー以外の○○○など、３つ以上に分かれているものもあります。

つまり音楽制作において【調（ｋｅｙ）×モード×スケール】が、正式な【その曲における調性】です。

単に【ｋｅｙ＝Ｃ＃】と言われただけではＣ＃をトニックとして、どのように移るのか分かりません。
同じ【ｋｅｙ＝Ｃ＃】でも、単なるメジャーの「全・全・半・全・全・全・半」の移り方をするのか？
それとも前記事のような「全・３・全・全・３」のようなものなのか？（これも一応「ｋｅｙ＝Ｃ＃」です）
もしかしたら「Ｃ＃ハーモニックマイナー」なのかもしれませんし、変化形（アラビア風）かもしれません。

それらの「どういうものを○○の調で作りたいのか？」の「どういうものを？」の部分に当たり、
逆に言えば「こういうものを作りたい」と分かっていれば、該当するスケールやモードを選択するだけで
ある程度のラフの前身などが出来てしまうというのが【モード×スケールの最大の必要性】です。

この「モードとスケール」さえ数多く覚えてしまえば、あとは「どこをⅠとするのか？」の調の選択と
その後は「歌詞＋主旋律＋ボーカルトラック作成→リズムトラック作成→コード進行→コードボイシング→
ベース・ギタートラック作成→アルペジオトラック作成→音程と休符の上手な使い方・組み合わせ方」のみです。

（※但し、機材・ＤＡＷの使い方への理解や、機材・ソフトの使い方の上手さはまた別の話。それが問題。

　※２　コード作曲の場合は「ベース・ギタートラック→アルペジオトラック→リズムトラック」
　　　　その後に「歌詞＋主旋律＋ボーカルトラック」です。リズムトラックを先にやるケースもあります。
　　　　但し、一番早い作曲法として「ボーカル→リズム→ベース・ギター→アルペジオ」と言われており、
　　　　そのため、この音楽館ではその流れを中心として取り上げていくことになります。）

「調×スケール×モード」を理解するということは、先程のプラモデルの例で言えば、
色が最初から付いていて、説明書まで付いてくるようなものです。
音楽関係で言えば、音源ソフトの中に必ず付いている「プリセット」や「支援機能」に値し、
つまり「自分が作りたい物の方向性を出来るだけ楽に作る方法が分かる」ということに直結します。

最終的にスピードと完成度の両方が求められる場合、最初にコレを克服しておかないと後で苦労します。
というわけで、次回は「スケールとモードの種類と、それぞれの音階差（ｋｅｙ＝Ｃの場合）」です。
お楽しみに♪

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実践　ＤＴＭ・楽曲制作　理論編　１

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さてさて、音楽館のメインコーナーの１つが本格始動です。
・・・ｋさんの悲鳴が延々と反響するであろうことは、言うまでもなく。。。（－－；；；

このコーナーでは、その名の通り「作曲に必要な音楽理論」に関する知識と解説をしていきます。
でも、理論を覚えるのはもちろんですが、何よりも「早く曲を作れるようになること」が最大の目的であり、
つまりは奏者のように「課題曲を弾く事が目的ではない」というものですので、あらかじめご了承下さい。
というわけで、「最も簡単に曲が作れるスケール」の紹介から始まり、段々難しくなっていきます。

で、その「最も簡単に曲が作れるスケール」というのは・・・
もはや、理論も理屈もへったくれもないですが【黒鍵のみを使うこと】です。

これは【５音階】と呼ばれ、正式名称で【ペンタトニック・スケール】というものなのですが、
黒鍵のみの「それ」は【東洋の５音階】とも言われる、ペンタトニックの仲間です。
この他にも、ペンタトニックには「メジャー・マイナー・ブルース」という３つのスケールがあります。
今回はとりあえず一番簡単なものからという事で、東洋５音階のみに話を絞ります。

もし白鍵の場合（ｋｅｙ＝Ｃ）の表記だと「ＣＤＦＧＡＣ」で、音階の幅は「全・３・全・全・３」
６音階で構成されている【ホールトーンスケール】よりも、更に単調です。

しかし、このスケールには音に全くムダがありません。汚く鳴らそうとする方が難しいくらいです。
つまりは「知識がなくても、コードを知らなくても、勝手にキレイに聞こえる音」の代表格のようなものです。

しかし、白い鍵盤だと７つの内から２つを押さないように避ける必要があります。
ですから、「黒鍵で、押し損じないように、テンポを落として、弾いた方が楽だし正確だし早い」です。
最初は、ここから始めると良いかもね。（キーボードを弾くという事ではなく、作曲の練習として）

日本の昔ながら音楽などは、そもそもコレが基本で、学校などで流れている昔から伝わる音楽・演歌、
昭和初期～中期のインスト（特にチャイム音に使用されているような音楽：蛍の光とか）や演歌などの類は、
大抵「黒鍵だけで鳴らせます」（無論、原曲が移調されていること・音階差のみの計算も視野に入れて）

まずはこの「東洋の５音階」から創る事に慣れていくと、ある意味「楽に覚えられる」
「楽に作れる・作りやすい」という点があります。
なぜなら

①基本的に全てキレイな音のみだから、半音などを入れるタイミングを意図的に考えて理解できるから

②ピアノロールの白い部分を使わないので、視覚的に見やすい・分かりやすい・調整しやすい

③他の様々な調を覚える前に「黒鍵を押すのが苦手」ということを克服できるから

④ノイジー＋テクノな音源や扱いの難しい音源も、このスケールにおいては迷う事もないから

などなど、作曲の基本を覚える＋キーボードの扱いに慣れる準備としては持って来いです。
最終的にキーボードで「何が障害になって困るか？」と言えば「黒い鍵盤を上手く押せない事」だからです。
だったら、最初から「その練習」をしておいたら、後が楽です。

単調な故に、ありきたりになってしまいがちですが、その辺はテンポの速さと音源と、
「数少ない音の中で、どうやって組み合わせるか？」の試行錯誤の繰り返しです。

このスケールは、一番簡単なスケールですが、一番難しいスケールでもあります。
キレイな音５つしか鳴らせないわけですから、その人の音楽制作の技量・技術力がモロに表に出ます。

ですから、このスケールで複雑な曲を作るというのは、もはや天才の域です。（ショパンの「黒鍵」など）
音楽の腕に自信のある人は、この東洋の５音階で奥深い曲を作ることにチャレンジしてみるのも良いかも。

初めての人は、最初はこのスケールで子供向けの簡単な童謡を作ってみる程度から始めたら良いと思います。
（私の場合、このスケールで演歌を作っている最中ですが・・・（－－；ノ”曲名【蔵元酒場】・・・
　・・・・・・駅ナカにある行きつけの蔵元直営の居酒屋なんですけど、そこをテーマにして作ってます）

テクノ系のノリも試してみましたが、テンポを上げて音源をきちんと選べばテクノでも結構いけますね。
ただ、複雑さを出すのは極めて難しいので、歪み系エフェクトやピッチで誤魔化すのもアリだと思う。

まぁ何にせよ、「キレイな音だけを鳴らしたい部分では【全・３・全・全・３】」
昔ながらの簡単なチャイム系のインストや、童話や演歌系を作りたかったり、
まだ作曲の基本的な作業や流れに慣れていないうちは、このスケールでの練習が最適。
それが今回の重要な抑えておくべきポイントですね。

次回は「ｋｅｙ＝Ｃ」と「スケール／モード」です。

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