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�，梁海�です。 �，鯑匹鵑把困い進�、感想を、頂けたら、嬉しいです。 他に、こういう考え方もあるという方も！！是非！！教えて下さい！！ 僕は、音の流れを、呼吸、アウフタクト的リズムのコントロールによる フレーズのつなぎ、そして、フレーズを大きく取る、事などを 意識するようにしています。 それも、ここから始まっているような気がします。 ここからは、演奏家（チェリスト）のお話です。 音楽教育における常識への疑問 その後私は，幸運にも大学の卒業時に創立された職業オーケストラに入団しました。 そこでは多くの指揮者や独奏者と共演することができ， 学生時代とはちがった手段で音楽の成り立ちを学ぶことができたのです。 また，ヴィオラとヴィオラ・ダモーレ，室内楽と指揮を学ぶために出かけた アメリカでは，すぐれた教育者や演奏家と身近に触れる機会があり 収穫は多大なものでした。 帰国してからも，小沢征爾さんや秋山和慶さんが指揮するオーケストラで ヴィオラの首席奏者として弾いたり，多くのすばらしい演奏家と共演したことは， 音楽の表現法や演奏法をあらためて整理する貴重な体験となりました。 私がそうした現場で受けた数々の貴重な助言や教訓には， なにか共通する普遍的なものが感じられてなりません。 「リズムは強弱の周期ではない」 「指定がない限り第1拍は強く弾かない」 「第1拍はフレーズのおわり」 「第1拍でおわったフレーズから次の音にはすぐに入らない」 「強い拍（強拍）や弱い拍（弱拍）は決まっていない」 「アウフタクトは長く」 「アウフタクトは指定がないかぎり弱くは弾かない」 「小節やフレーズの中間部は速く」 「6拍子は同じ3拍子をふたつつなげたものではない」 「連音符の最初の音は長めに」 「エキサイトすると速くなりがちになる」 「強くなると短く弾きがちになる」 「休符は音楽を休む記号ではない」 「スタッカートは短く切ることではなく素早い音量の減衰」 これらの助言は，器楽演奏やオーケストラの指揮をする今の私にとって生きた演奏法として役立っています。 ふり返って，自分が受けた一般の音楽教育や現状をみてみると， 「リズムは強弱のくりかえし」「リズムをつくる拍子の拍に強弱がある」というように，専門的と一般的にかかわらず日本の音楽教育におけるリズムは「強弱のアクセント」を軸に説明されています。 私たち人間は，生活の行動や音楽の演奏を均等時間で運ぶことはできません。 しかし詳細な理論書を読んでも，音楽における時間となると， それぞれの拍の長さは均等時間のメトロノームに合わせればよいと片づけられています。しかしそれは均等時間によるコンピュータやオルゴールの音楽でもわかるように， かえって不自然に感じられるものです。 均等時間ではない， だからこそ自然で美しい演奏というものがあるのではないでしょうか。 私は，音楽理論としては確立されないながらも時間の変化によって 美しい演奏をかたちづくる魔法の法則が， 古代ギリシャから現代にいたる諸分野の理論のなかに隠されているのではないかと考えるようになりました。 指揮者にとって、テンポを示すことの重要性はNr.2「テンポ設定」でも書きました。 演奏者に一定のテンポを示す、このテクニックはアンサンブルを整える上で欠くことのできないものです。 しかしこの「拍子」、実は奥深いものがあって簡単に「振りますから、ハイ！合わせて」というわけにはいかない事情があるのですね。 この「拍子」というもの、なかなかくせ者なんです。 どういうことか？ それはですね、「拍の長さが一定ではない、均等でない」ということなんです。 ３拍子の例をとって説明しますね。 たとえば＜3/4拍子＞と書かれた曲ということであれば、４分音符を単位時間として４分音符３個分が一小節ごとに区切られている曲ということ。その、一拍、二拍、三拍が等間隔ではない、等分されない ということなんです。 具体的に記せば、一拍目と二拍目とが引っ付き、三拍目はアウフタクトの役目を負って少し時間的に長くなります。（二拍目が時間的に短くなり、その短くして余った時間を三拍目が取る、という風ですね） これが心地よいリズム感。 自然の営みと共通したリズム感。 拍は一定の時間的間隔で進むのではなく、それぞれに固有のキャラクターを持った拍として特有の時間の長さを受け持っているというわけです。（それぞれに持つ拍のキャラクターについてはまた説明したいです） ４拍子では。 一拍、二拍、三拍と時間的長さが短くなっていき（三拍目は一番短いです） 四拍が一番長い時間を取ります。 ２拍子では。 二拍目（アウフタクトの役目もあって）は時間的に長く、一拍目は短い。 これが「拍子」の「隠し味」なんです。 ちょっとここで私の告白を。 指揮を始めた頃、悩みましたね。 この「拍子」の取り方が周りの音楽家たちと違っていたんです。 私が感じていたリズム感が＜周知＞であり＜共通項＞ではなかったのですね。 「矯正しなければ！」、とメトロノームを使って昔は随分訓練しましたね。（笑） でも体がどうも窮屈で違和感がずっと続いていたんです。 自分が機械になっているようで、＜一拍の中に感情を込める＞なんてほど遠いものでした。 確かに、等間隔に刻んでいくテンポでは練習時における演奏者に対する解釈等の説明も多くの時間を必要としませんし、何と言っても練習時間の短縮につながります。それに、歴史の流れに沿ったスマートな演奏にもなります。 個人的な色合いを少なくするためにも、演奏者全員の合意を得られやすいメトロノーム的均等間隔のリズムが多くなっていったのは歴史的必然だったかもしれませんね。 棒のテクニックを磨く、という意味ではメトロノームに合わせることも 大事なことなのですが、いざ「音楽を振る」という段階になればこの「 均等でない拍の長さを振る」ことが是非とも必要だと私は考えます。 そこにこそ「個性」の発見があり、「解釈」が成り立ち、 何よりも人間としての「生理的動き」と連動する自然なリズムが生まれます。 「拍子を刻む」、この一件簡単そうなことが実はとても人としての奥深い所と関連しあっているのですね。 メトロノームは必要だ！ しかし、「音楽」はメトロノームが無いところに存在するのだ！ 指揮者として頼れるものはやはり、音楽家としての個性である
「自分自身の内在するテンポ、リズム」なんですね。 |
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