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■ 豊田市美術館 常設展 第Ⅳ期 2010 ■ 豊田市美術館 TOPの写真は、去年の秋の雨上がりの午後に、豊田市美術館の敷地内で撮ったものです。中央奥に見える「T」字の造形物が美術館の建物の一部だったりします。夕日を浴びているだけでなく、植物の葉が若干ながらも紅葉にそまっているのですが、お判りになるでしょうか？現実の今日からすると、紅葉にはまだ早かったりするわけですが、先日の記事に記したように、１年間溜まってた美術関係の記事をUPしているという事でご了承を・・・（＾＾； さて、この記事においては、定期的に展示が入れ替わる常設展関連を、細かい感想など無しにサラっとUPしたいと思います。ちなみに同館は常設展の作品は撮影が許可されています。とはいえ、この時はまだ携帯のカメラで撮っていたので画質が悪いのをご了承ください。（この携帯カメラ、暗所だとホワイトバランスが赤系に偏りやすいのが悩ましいです・・・。） ■ ホールの十字架 これは作品ではなく、館内の通路部分のすりガラスの継ぎ目を撮ったものです。でも、こうしてみるとなんとなく綺麗に見えたりもして。
キャンバスの上に白いピン（釘のようなもの？）を無数に植えつけた作品です。うねりのような動きを感じさせますね。（写真は作品の一部をUPで撮影したものです）
■ 無色 / 1960 / ピエロ・マンゾーニ
キャンバスに蛇腹状のシワが表現されている作品です。抽象絵画？それとも抽象彫刻？この時の常設展コーナーは、こんな感時の作品が半数を占めていました。こうした抽象作品はマテリアルとしての面白さとか、造形の面白さ云々は気軽に語れますが、作品に込められたメッセージ性は判りにくいものが多いですよね・・・（＾＾；
■ 梱包 / 1961 / クリスト キャンバスの上に、布と紐で梱包された物体が付けられた作品です・・・。（保護のために透明なカバーが掛けられています。）う〜ん、一体何を表そうとしているのでしょうねえ・・・（＾＾；
■ サケサックNo.45 / 1965 / 大野俶嵩
この作品もキャンバスに色付けされた布が何層も重ねられた作品でした。（写真は作品の一部を斜めからUPで撮影したものです） なんとなく夕焼けを想像させる色の組み合わせですね。手によるペイント作品ではありませんが、淡いが生み出すグラデーションがなかなか綺麗です。とはいえ、布という素材と色合いの組み合わせから、秋に着るカジュアルウエアのパターンも想像してしまいました・・・（＾＾；
■ 連続の溶解 / 1963 / 堂本尚朗 この作品はキャンバス地に布や金箔などを張り重ねた作品でした・・・。（写真は作品の一部を斜めからUPで撮影したものです。携帯カメラのホワイトバランスが安定しておらず、ピンクっぽくなってしまってますね・・・（＾＾；）
■ 茶室 「童子苑」 私は難解な抽象作品を見るのはこの辺にして、美術館の敷地内にある茶室に場所を移すことにしました。TOPの写真に対して語ったように、この日は去年の秋という事もあり、敷地内にある楓が少しづつ紅葉に染まってきているようでした。 |
アート・美術館
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■ 石上純也 - 建築のあたらしい大きさ ■ 2010年9月18日[土] 〜 12月26日[日] Sep.18[Sat] - Dec.26[Sun] ■ 豊田市美術館 ■ 概要 石上純也-1974年生まれ。 石上純也は、2009年に日本建築学会賞を受賞し、2010年ヴェネツィア･ビエンナーレ建築展で金獅子賞を獲得するなど、現在最も注目されている建築家の1人。石上の作品は、すべて建築の可能性を考えるうえで導き出されている。それは、今ある世界をいかにして、少しでも広げていけるかということにある。今回展示される５つの展示模型は、単なる模型であることを超えたもので、その場所に具体的な空間をかたちづくる事を目指している。彼はこのように語っている。 「できるだけ小さなもの、できるだけ低密度なもの。できるだけ広範囲のもの。そういうスケールで建築を考えたい。 今までの建築は外部環境から隔離をするシェルターとして計画され、その内側に小さな空間を作る事を目的として造られてきた。しかし、現在における人工的な環境の広がりは甚だしく、自然環境に大きな影響を与えるようになってしまった。また、自然環境も我々に大きな影響を与え続けている。寧ろその境界線は曖昧になり、新しい環境が生まれつつあるのではないか。そこで、その新しくもあいまいな環境の中で建築を作る事を考えた。 それこそ、建築をシェルターではなく、我々を取り巻く環境そのものとして捉えてみた。そこで改めて人工環境と自然環境を見比べた際、根本的な違いとして浮かんできたのはスケール感であった。そこで今までの建築が備える事が出来なかった限りない数の（極端な大小の）スケール感を建築の中に取り入れたり、低密度なものを作り上げる事で、あらわれつつある新しい環境の中に溶け込んでゆくような新しい建築がかたち造れるのではないかと考えた。 新しい環境＝建築 それが建築の新しい大きさであり、建築の新しいイメージである。」 （配布資料の一部より抜粋・編集） ■ 雲を積層する scale=1/1000 豊田市美術館の大きな第１展示室を占拠するかのように造られた巨大な作品。細いピアノ線のような黒いカーボンワイヤーを、小さなアルミのジョイントのようなもので繋ぐことで、巨大なジャングルジムのような構造体（横19・縦21・奥行24ブロック）を作り上げると共に、各階層の床面にのみ白色のガーゼのような布を貼り付けた作品。（壁面は全く無く、筒抜け状態） 石上氏は、この人を蟻位の大きさに例えた場合、この構造体を歩く事は雲の中を歩くようなものに感じられるのではないかと語っている。構造計算を行っていたとの事だが、非常に脆くたわみ易い素材であるだけでなく制作過程の遅れから、オープン当初は自立しておらず、壁に巡らしたワイヤーで吊らされていた。その後、会期中盤以降においてはかろうじて自立していた。（但し、一箇所のみ案内看板による支えを有す） ・ 作品に対する感想 細長いフレームの黒い部分以外は全て白色をしている構造体であるため、白色の壁の展示室の中では背景の色と同一化してしまい、存在感や色彩のコントラスト感がボケてしまっていたように感じました。普通「白い部屋に、白い色をの作品を重ねるなんてご法度」的なものだと思うのですが、彼によればこれは「雲」をイメージする事を優先した作品であり、そのようなボケた見栄えになる事を承知していたとの事のようです・・・。 ■ 森と建築のあいだ scale=1/50 石上氏の設計による神奈川工科大学KAIT工房の映像がプロジェクタで投影。それは多目的にどのような事にも自由に使える事を目指した2000㎡の空間で、仕切りとなる壁は一切なく、305本の柱のみで成り立っている。 ■ 地平線をつくる scale=1/23 大学敷地内の広大な芝生広場のような場所に、外枠と天井部分のみフレームが組まれたワンルームのような巨大な建築物を作り、その中にカフェテリア、リラックススペース、多目的広場、バーベキュー場、雨天練習場などを組み入れようとするプロジェクト。ちなみに建物の内側には柱は１本も無く、天井までの高さは2.3ｍを想定しているという。 ・ 作品に対する感想 柱が無いだだっ広い空間というのは、一見すると面白そうにも感じますが、それだけのモノを生み出すには、フレームとなる部分に相当の強度が求められたり、高価な素材や多額の建築費用が必要となるように思われたり・・・。 ■ 空に住む scale=1/1300 極小の地区面積に対し、極端なまでに高い天井高さを有したフロアを何層も何層も重ねた細長い建築模型を一列に配して何十個も展示。この模型はフロアや階段などをケント紙のような白いう薄紙のようなもので構築したもの。模型は２ｍ以上の高さがあり、天井に貼られた釣り糸のようなもので吊るされている。（自立が可能な状態ではなかった。） ・作品に関する感想 「地平線をつくる」以外の作品は、この作品に関わらず、この美術館の展示のために、現地で造られたものばかりであるものの、その制作は大勢のボランティア（特に建築科系の学生）によるものだとか。本人だけで作り上げられた作品が無いだけでなく、同一作品であっても個体ごとにクオリティに差が目立つケースも。とくにこの作品はバラつきが目立っていたように思います。 ■ 雨を建てる scale=1/1 柱となる一本の細長いワイヤー（太さ0.9ｍｍ）を軸とし、その根本から四方に対して等間隔で張り巡らした無数の引張材（0.02ｍｍのワイヤー）が、計54本、横２列に並べられた作品。地上に降る雨をイメージしたもの。これらは構造計算を行っており、自立するだけの強度があるとしながらも、倒壊を防ぐ目的から、天井に張ったワイヤーによって補助的に吊るされていた。 ・ 作品に対する感想 この作品の展示においても、壁面は白いまま。照明なども特に変更はない状態。この美術館は天井高が高い割に、照明が暗いため、引張材どころか軸となる柱自体も非常に認識しにくく、強いストレスを感じました。石上氏は、見えない程の雨の存在や、透明な空間建築を目指したいという思惑があるようですが、観客に非常に見え辛いものを展示されても・・・。 ■ 感想 彼のコンセプトを聞くと、「そういう考えを持つ建築家が居ても別に可笑しな話ではない。寧ろ、前衛的な建築家というのは他人とは違うビジョンを持ち、独創性を追求する傾向があって当然の事」と思われるか方もいるかもしれません。また実際の展示作品を、純粋な現代アートのインスタレーション作品として見る事が出来るのであれば、単純に面白がって見る事が出来たかもしれません。しかしながら、私はそのどちらにも属する事が出来ませんでした。 別に3.11が起きたからというわけではありませんが （実際、この展覧会は地震発生前の去年に見に行っていたわけですし）、私は建築というものは、人を守れてナンボのもの。見た目云々の前に、自然環境への配慮を十分に行った上で、中で過ごす人達の安全や快適性が保証されるべきものだと思います。保守的な考えと思われるかもしれませんが、それは当然の事だと思っています。 しかし、彼は自身の概念を優先するために、柱となるものを極端なまでに細いものを用い、場合によっては壁どころか天井すらない構造物の模型を用意したり、非常に見え辛い作品を並べて、「これが環境に溶け込むという事だ」と言っているわけです。私はそれらの作品を見て、環境に溶け込む以前の話というか、十分な耐久性や保全性も得られぬまま崩れ去るのを見守るしかないような代物にしか感じる事が出来ず、疑問ばかりが沸き起こってきました。 無論、自然を感じ、自然を取り込み、融合したいという気持ちは判らないわけではありません。寧ろ凄くよく判る話です。また、これらの作品は概念を実体化しただけのコンセプトモデルであり、実際の建築物ではこの限りでもないとは思います。とはいえ、あまりにもイメージを優先さたあまり不安定なものばかりで、建築のカテゴリーからは乖離しすぎているように感じてしまったのです。それこそイメージを優先するあまり、普段生活する上でも居住者に不便を強いたり、不安を掻き立てる要素があるのであれば、本末転倒としか思えません。 それこそ、今回展示されていた「雨を立てる」という作品は非常に脆く繊細な作品で、展覧会オープン初日の朝の作業中に倒壊してしまい、暫くの間見る事が出来なかったくらいです。（その作品は、ヴェネツィア・ビエンナーレ建築展の金獅子賞を受賞をしたものの、そのヴェネツィアでも３度倒れている程の脆い作品でもあるわけです。）結果として、倒壊防止策としてワイヤーで吊っている姿は、自立が当然であるべき建築物の姿としては、疑問を感じずにはいられなかったといいますか・・・。よくぞそのような作品が賞を受賞できたものだと思うと同時に、その賞を与えた主催者側に対しても疑問を感じてしまいました。 また、自然を感じたいからといって、無闇に自然の中に建築物を増やす事は、結局のところ自然破壊を行っている事と大差ないと思うわけです。むしろ個人的には自然は今ある姿をいかにして守るべきか考え、都市の中に自然を取り戻す事を考えたり、建物を無駄に何度もスクラップ・アンド・ビルドをして資源を浪費する必要が無いよう、計画性と耐久性を備えたものを考えるべきだと思うのです。結果として、デザイナーの見栄やエゴによって、守るべきもの、優先すべきものがすりかわってしまっているのではないかと感じてしまったのです。 「そんなの判ってる。現実的な事を言っていてもツマラナイ。常に新しいものを目指し、イマジネーションを楽しまなければ。」という方もいらっしゃるかもしれません。先にも述べましたが、これが見た目やイマジネーションだけを純粋に楽しめる現代アートであり、「建築」としての言葉や概念が語られたものでなければ、私も受け入れられる部分が沢山あったかもしれません。見た目の好き嫌いを別にすれば 「他では見たことがない作品だった」 と評価出来る部分も沢山あったように思います。しかし、建築は人の命を預かるものだと思うのです。故にイメージだけで語っていいものではないと思うのです。それ故に、こうした主旨の「建築模型」が展示されていた今回の展覧会は、どうしても疑問を持たずにはいられませんでした。 また、美術館の運営にも疑問を感じる点がありました。実は 「雲を積層する」 は展覧会初日を迎えても完成しておらず会期の途中まで制作作業を曝しながらの公開となっていたのです。さらに 「雨を立てる」 に至っては、オープン当日の朝に倒壊しており、こちらも会期途中まで作品の姿を見る事が出来なかったのです。にもかかわらず、こうした問題が発生しているという情報がHPに告知されるのに数日を要していたというのです。作品が未完成の期間に来館した人には、再度見に来た時に無料で見学できるという対応をとったそうですが、スケジュールをわざわざ空け、旅費をかけて見に来る人もいるというのに、配慮が不十分だったのではないかと思いました。 また、これらの作品は、多数のボランティアによって制作されていたそうですが、その募集告知はわかりづらく、人手不足に悩まされたと聞きます。しかもネットで拝見した情報によると、期日間際の者には交通費や宿泊場所などの提供の話もあったそうですが、最初に参加した者は完全に無料奉仕だったとの噂も・・・。今回は、「ここでしか見る事が出来ない作品」が展示されていた展覧会だったと思うのですが、それ以上に色々と疑問を感じてしまう展覧会でもあったように思います・・・。 |
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■ 改めて あいちトリエンナーレ2010 を振り返る ■ 都市とアートが響き合う、３年に一度の国際芸術祭 ■ 会期：2010/8/21-10-31 ■ あいちトリエンナーレ2013公式HP ● 作品・企画内容について 沢山のアーティトに声を掛け、色々な作品を展示する事で、現代アートの現状というものを幅広く一般の人に見てもらいたいという思いは伝わってきました。実際、長者町などの市街地におけるインスタレーション展示は、この地方ではまだまだ珍しい展示方法ですし、一部の映像作品などには面白い作品もあったとは思います。しかし、トリエンナーレ全体として見てみると、愛知から世界に向けて芸術文化の情報発信をするなどと胸を張って言える程のレベルがあったかというと、疑問を感じずにはいられなかったと言いますか・・・。実際、予算・時間・人材が不足して片手落ちになってしまっている部分が沢山あったようにも感じました。 まず、美術館内におけるディスプレイ方法が非常に素っ気無かったように感じます。せっかく個性のある作品があっても、その魅力を十分活かせていないどころか、作品が死んでしまっているように感じたものも少なくありませんでした。それに国際芸術祭と称していても、超メジャーの外国人アーティストの作品が殆ど無かったような気が・・・。無論、アートの世界においては作品が全てであり、有名無名は関係ないとも言えますが、「このトリエンナーレでなければ、この作品にはお目にかかる事が出来なかった。こんな作品の世界があるなんて、まるで想像出来なかった」と言えるような、インパクトのある作品は無かったように思います。 また、各作品やアーティストに関する情報が希薄であるだけでなく、映像作品の上映時間や、ヴェロ・タクシー、ガイド・ボランティア等に関する運営方法にも疑問を感じる点が少なくありませんでした。展示作品の中で見せたいモノ、伝えたいモノというものを絞り、予算・時間・人材の掛けどころというものを考え直す必要があるのではないかと感じました。 ● 会場の数と広さ 長者町や伏見などの市街地における複数の建物を利用してインスタレーション系の作品を多く展開した事は面白かったと思います。とはいえ、展示施設の場所か判り辛かったです。それに都合上１日で全てのエリアを見たい人にとっては会場が広すぎて、それぞれの作品をじっくり楽しむ余裕が持てないのではないかと思いました。サテライト展示が多い事で、運営にとっても手間が増え、監視・監督も困難になっているようにも見受けられました。個人的には展示会場を減らし、作品の質や演出方法の向上を行ったり、運営を強化する必要があるように思えました。 また、「あいち」と銘を打っていても、他の市町村エリアでの展開が上手くいっていたわけではありません。実際、某市の美術館は連動企画など行う事で協力したいと思っても、そのための資金援助や支援はなく、実態としては「なごやトリエンナーレ」ではないか。という意見も出ていたようです。 ● 写真の許可について 一部の作品に対し、撮影が許可されていたのはとても良い事だと思いました。とはいえ、可能であれば全ての作品を撮らせてもらいたかったというのが本音です。作品を見直したければ図録を買えばいいとする意見もあるかもしれませんが、そうしたものは以前の展覧会の様子を写した写真が用いられているケースが多く、この会場の独自の作品が載っていない事が往々にしてあるわけで。それに写真を撮るという能動的な行為は、作品に対する関心を高めるだけでなく、思い出作りにも貢献してくれるものですし、一般市民がブログ等に掲載する事で、良いＰＲ効果を生むように思うのですが・・・。 ● 長者町について 果たしてトリエンナーレが復興の起爆剤になりえたのだろうか？というと、疑問が残るように感じました。元々地元に存在した文化ではないものが強引に展開され、一部で勝手に盛り上がっているという印象を持っている地元住人が居たとしても何ら可笑しくないように感じました。 そういった感情を持ってもらう事が無いよう、地元の小学校や、古くから伝わる祭りにもアートを取り込んだりしているようですが、実際にエリア外から来た人が街にお金を落としていってくれるのかというとそうとは言い切れないようでしたし。それにトリエンナーレの期間が終了すれば、また元の街に戻ってしまう部分が殆どなわけで。 そんな状態に対する問題意識からか、2011年の８月に入ってから、愛知の若手アーティストの作品を入れ替わり立ち代り展示する無料ギャラリーが作られたのだとか。長者町＝アートの発信地としたいのであれば、そうした継続性ある企画を続けてゆく事が重要だと思いました。それこそ、トリエンナーレ自体も、２ヶ月半程度の期間ぶっ続けで行うのではなく、春・夏・秋・冬にそれぞれ１ヶ月程開催して、１年を通じて長者町に来てもらえる仕組み作りをするとか、時期によって会場をローテーションさせる手もあるのではないかと思いました。 ● 演劇と公式ＨＰについて 実は多数の演劇公演が同時に開催されていたのも、今回のトリエンナーレの大きな特徴だったりします。これはトリエンナーレの企画段階後期に入れ替わった某総合プロデューサーが、演劇界に縁がある人であったのと、県美のある愛知芸文化センター内に愛知県芸術劇場もある事が影響しているようです・・・。別に演劇をアートの括りに入れる事を否定するつもりはありませんが、ちょっと毛色が違う存在であるのも事実かと。 また、演劇公演はその殆どに関してチケットが別売。しかもそれなりのお値段となっていました。しかも公式ＨＰを見ても「日時・演目内容・料金・チケット予約方法・空席状況・当日券の有無」などの情報を調べにくいのです。（演劇に限らず、全ての情報において、公式ＨＰは調べにくかったです。）これでは、今まで演劇に縁が無かった人が「トリエンナーレを機会に演劇をみてみようかな」と思っても、実行に移しにくいのではないかと感じました。それこそ演劇まで手を広げる事で、トリエンナーレ全体の印象が散漫になるくらいなら、別々の芸術祭として分けて行った方が良かったのではないかと思いました。 ちなみに私は以前からロボットに興味があり、機会があれば 「平田オリザ＋石黒浩研究室による世界初のロボット演劇」 を見たいと思っていました。そのロボット演劇がトリエンナーレで上映されると知った時は本当に嬉しかったのですが、その公演は僅か一週間程度という短期間。しかも既にチケットは完売状態だったのです。ちなみにその情報を知ったのは、何度も見ていた公式ＨＰではなく、ＴＶの情報番組からという状態でした。正直、ＨＰではその存在を全然気付けなかったのです。それでも何とか見れるチャンスはないものかと、電話で問い合わせすると「当日券も販売する予定だが、その枚数は当日にならないと判らない。販売しても１０枚ないかも」などとあやふやな言い方で言われる始末。結局私は見る事が出来ませんでした。ＨＰはスタイリッシュな見た目を優先するのではなく、実用性や判り易さを最優先していただきたいと感じました。それに当日券などの情報も含め、常に最新情報をきちんと掲示して欲しいと強く思いました。 とりあえず、2010年度のあいちトリエンナーレに関する記事はこれで終了となります。少々厳しい意見ばかり述べさせていただいたかもしれませんが、2013年に行われる次回のトリエンナーレを是非とも良いものにしていただきたいという願いを込めたものであると理解していただけると幸いです。 |
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■ あいちトリエンナーレ2010 その６ 長者町会場 ■ 都市とアートが響き合う、３年に一度の国際芸術祭 ■ 会期：2010/8/21-10-31 ■ あいちトリエンナーレ2013公式HP この記事はその５の続きです。今回の記事も長者町会場の続きになります。 ■ ナウィン・ラワンチャイクン / 長者町ゑびすパーティ with NAVIN ＴＯＰの画像の作品です。 チェンマイ（タイ）生まれのアーティスト。これは建物の外壁に掲げられていた作品です。そこに描かれているのは、戦後からの復興を支えてきた長者町ゆかりの功労者達を描いたもののようです。同じ構図の作品で、２ｍ程度の大きさの「新生の地」という作品も室内展示されていました。そちらは習作だったのでしょうか？それとも原版のようなものだったのでしょうか？私では判りませんでした。 ■ ナタリヤ・リボヴィッチ & 藤田央 / Usagi ノビサッド（セルビア）生まれでドイツ国籍のルテーニア人リボヴィッチと東京都生まれの藤田のアーティストユニット。この作品と同じように大きなバルーンで出来た黒いウサギなども展示されていました。 ■ 石田達郎 / 入道雲より 紙粘土？のようなもので出来た不思議な造形物が畳の上に並べられていました。これのどこがタイトルの入道雲と関係しているのかイマイチよく判りません・・・。ひょっとして、カタチが不確定で変則的に変化する雲を見ている際にインスピレーションを受けたものを粘土で形どった・・・とか、粘土＝雲を切り取ったもの・・・という事なのでしょうか？何れにせよ・・・何故か私は幼稚園くらいの時に遊んだプラレールを思い出してしまいました。 ■ 淺井裕介 / 室内森 長者町繊維卸会館で展示されていた作品。以前のプレイベントでも出展し、注目を浴びていた浅井氏の作品です。４畳半程度の小さな部屋の内側全面にカラーテープやドローイングがなされていました。今回の作品は、前回のバージョンを遥かに超える密度ですが、なんだかちょっと「・・・やりすぎちゃいました」って感じの印象を受けなくもないような・・・（＾＾； まあ、他のアーティスト達の作品を見て、作品の密度を上げたくなったのかもしれませんが、個人的には以前のバージョンの方が、良い意味でのシンプルさがあって好きだったかもしれません。それこそ、以前のものの方が見る人に対して「これなら自分にもチャレンジできそう」という、良い意味でのインスピレーションを与えてくれる作品だったように思いました。 （ちなみに下の写真は、絵を畳に直接描いたものです。） ■ ジュー・チュンリン The Beast Of The City That Freezed シンガポール生まれ、シンガポール在住。会場では身の回りにあるありふれた素材（プラスチック廃材？）等を用いて、様々なインスタレーションを展開すると共に、それらの作品を舞台セットのように使い、コマ撮りのアニメーションを撮影し、その映像作品も上映していました。上記の写真は、氷のような？身体にハートを宿す The Beast であるようです・・・。 このヤカンの中に見えるのも、ダンボール紙のようなものに描かれた、The Beast であるようです。このように、会場である長者町繊維卸会館に以前からあった備品や、水周り用品なども自由に （というか遠慮無しに） なんでも用いてインスタレーション作品が展開されていました。 この繊維卸会館は、以前のプレイベントの時は最も魅力のある展示場だったのですが、今回は色々な意味で、「ちょっとやり過ぎ？」感が強かったように思いました・・・。 ■ 志村信裕 / 18：00-深夜（midnight） この作品は、長者町の商店街の軒先にある雨避けのトタン屋根にプロジェクタ投影した光によるインスタレーション作品です。たまたま側にいたガイドの方が教えてくれたので見ることができたのですが、この作品は真下にこないと見えないので、普通に歩いていると見つける事が難しい作品だったように思います。とはいえ、周辺がすっかり暗くなった状態で見る事が出来た事もあり、なかなか綺麗だと感じました。どうせなら静かな音量でいいので、何かしらのヒーリングミュージックのようなものを一緒に流すともっといい感じになったのではないかと感じました。 ■ 浅井裕介 / ビッグハンド この作品も夜にならないと見る事が出来ない作品です。建物の外壁にプロジェクタ投影した動画が映し出されていました。この作品は、黒板？か何かに絵を描いては消して、描いては消している様子を映し出したものだったと思います。（１年前の事なので、ちょっと記憶があやふやです・・・スミマセン・・・）この写真を撮った時間は既に８時過ぎ。全ての展示会場がクローズされてしまっていたので、帰宅するなりするしかないわけですが、数人の人達がちょっと名残惜しそうにこの作品を見ていました。 ■ その他 長者町にはこの他にも複数の展示施設があり、多数の作品がありました。実際、プレイベントの時点から作られていた｢オリジナル山車｣が出来上がっているのを見かける事が出来ました。とはいえ、限られた時間内では全ての場所を訪れる事が出来なかったのも事実で、NHKのトリエンナーレ特組でも取上げられていた映像作品を直接見る事が出来なかったのが残念でした。 記事はその７へ続きます。（長くてスミマセン） |
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■ あいちトリエンナーレ2010 その５ 長者町会場 ■ 都市とアートが響き合う、３年に一度の国際芸術祭 ■ 会期：2010/8/21-10-31 ■ あいちトリエンナーレ2013公式HP この記事はその４の続きです。今回は長者町会場における展示作品を紹介したいと思います。 このエリアは、名古屋市における古くからの繊維問屋街で、戦後は日本３大問屋街とも言われた事もある場所なのだそうです。しかし、海外の繊維産業に押されたり、若者のトレンドを取り入れる事に失敗するなどして、現在は閉店している問屋が多く、都心にありながら寂れつつある状況になってしまっているとの事。何故そのような場所がトリエンナーレの会場に選ばれたかというと、このエリアに複数点在する空きビル等を利用し展示スペースとする事で、多くの観客を呼び込む事で知名度を向上させたり、復興への切欠作りを行いたいという考えによるものだそうです。 その結果、そうした古びれた（よく言えば味のある）建物内の雰囲気を生かしたインスタレーション作品や、現代アートとのミスマッチ感が楽しめる空間が作られる事となり、美術館での作品展示とは大きく異なる世界が展開されていたと思います。また、このエリアではプレイベントが何度も行われており、ある意味このエリアが最も「あいちトリエンナーレ」らしい会場であると言えるのかもしれません。 とはいえ、私が現地に到着したのは既に夜の6時半に至ろうかという時間。この会場は以前に比べて展示施設や作品も増えているものの、夜の８時で展示が終了してしまうとの事だったので、本当に駆け足状態で見る羽目に・・・。 ■ スターネットジャパン １階全体図 この建物は長者町会場の北部エリアにあるスターネットジャパンというビルです。この建物では渡辺英司氏の作品が多数展示されていました。彼は愛知県生まれ、名古屋市在住のアーティストであるとの事。図鑑から切り抜かれた植物写真や蝶の写真を多数用いたインスタレーションで知られている人物だそうです。（ちなみに写真内に写っている「A」の形のオブジェは、「ターザンのアルファベット」という作品です。） ■ 渡辺英司 ＋ トーマス･A・クラーク＆ローリー・クラーク / 蝶瞰図 （蝶の名前・名前の蝶） 蝶図鑑に掲載されている無数の蝶の画像を切り抜き、壁に貼り付けたインスタレーション作品です。今回の展示にあたっては、イギリス人作家のトーマス＆ローリー・クラークを招聘し、彼らと共同作業を行ったコラボレーション作品であるようです。上に掲載した室内写真も見ていただければ判るかと思うのですが、天井や蛍光灯にまで貼り付けられており、その数に圧倒されるものがあります。でも、あまりに多すぎて、ちょっと異様というか、不気味チックな雰囲気もなきにしもあらず・・・といった感じだったかもしれません・・・。 （本当は蝶の羽根の色がちゃんと見える写真を撮りたかったのですが、この会場は狭い割にけこう混雑しており、写真をじっくり撮っている時間があまり取れなかったのと、バッテリーの残りが僅かになっていたので、撮り直す事を断念してしまいました。） ■ 渡辺英司 / 屋上のＨ （TOPに掲載した写真です。） 屋上にあった作品です。ヘリポートのマーク？を模したものなのでしょうか？？ ■ 渡辺英司 / 色（しき）の滝 パステル？か何かで塗られた虹色の・・・いや、混沌たる色彩の滝といったところでしょうか・・・。この色のすじのしたには、崩れたパステル？の粉がバラバラと散りばめられていました。 ■ 渡辺英司 / 星の名前 ２ｍ四方の床面に、ビッシリと敷き詰められたサイコロの数々。そこに一体何の意味があるのだろうか・・・といった感も無いわけではありませんが、これだけ綺麗に並んでいると、何故か不思議と心地よかったり。 ■ 小栗沙弥子 / Works for TAMAYA 4-KAI 旧玉屋ビルで展示されていた作品。壁一面にこのような銀色の紙が敷き詰められていました。この銀色に鈍く光っている紙・・・これは一体どのような紙だと思いますか？実はコレ、ガムの包み紙なのだそうです・・・・。 ■ 村田峰紀 / グレーゾーン 場所は変わって、エルメ長者町という建物で展示されていた作品です。一年前に見た作品故に、今となってははっきり覚えていないのですが、これは２畳程度の和室だったか、はたまた押入れだったか、そんな感じの狭い場所に、素材がよく判らない銀色系のものが塗りたくられている作品だったように思います。（間違っていたらゴメンなさい）うむ〜そこにどのような意図があるのでしょうねえ・・・。 ■ 村田峰紀 / デラノーコメント こちらは、手で切り裂いた（というか、破った）紙の断片（屑とも言う）を無造作に張り重ねた作品です・・・。 ■ 青田真也 / untitled 旧玉屋ビルで展示されていた作品です。以前のプレイベントで、北海道土産に見かける「シャケをくわえているクマ」の木の像の表面をツルツルに磨いた作品を展示していた青田氏の作品です。今回も一般市場で市販されている木の像や木製品を磨いて、木の地を浮かび上がらせた作品が出展されていました。なぜこのような事をするのかというと、本人曰く「カタチあるものを曖昧にしてみたい」との事のようですが・・・うむ〜ちょっとその意図からして私にはよくワカラナイといいますか・・・（＾＾； ちなみに今回は、コケシ、馬など色々なものがあっただけでなく、それらの作品が置かれている棚（食器棚のようなもの）も、木の地が見えていたので、そちらも手が加えられていたのかもしれません。その中ではこの木のクツがなんとな〜く品があるというか、なんとな〜く可愛かったように思いました。 記事はその６へ続きます。 |
