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■ 近代日本画を築いた巨匠たち - 横山大観から平山郁夫まで ■ 岡崎市美術博物館HP ■ 水野美術館HP ■ 会期：2012.9.1-10.21 ■ 感想 最近美術関連の記事が滞ってましたが、久々に更新をしたいと思います。 この展覧会は、長野市にある水野美術館のコレクションの多数の作品を、岡崎市美術博物館で見る事が出来るといったものでした。水野美術館というのは、キノコで有名なホクト産業の 水野正幸社長のコレクションを元に平成14年（2002年）に開館した美術館だそうです。近代の日本画の作品400点程が収蔵されているとの事。今回の展覧会は、その中から選りすぐられた60点の作品が持ち込まれたものであるとの事。大観の初期の代表作「無我」も展示されるとの事だったので訪れてみました。 「無我」といえば、中高生の頃の美術の教科書などでも紹介される事の多い大観の代表作の一つですよね。とはいえ、当時の私にとっては、無我のイメージはあまり良いものではありませんでした。失礼ながら教科書に掲載された小さな挿絵だと、呆けた子供が描かれているようにしか見えなかったのです・・・。 しかし、大人になり色々な経験をし、大観の作品も含め色々な絵画作品を見た後であれば、また違って見えてくるのではないかと思ったのです。また、大観には富士山＝風景画のイメージも強くあると思うのですが、そのような彼において、何故このような人物作品が代表作と評されるのか知ってみたい、直接見て感じてみたいとも思ったからです。 実際に作品を目の前にしてみると、想像していたよりも作品が大きかったのが意外でした。とはいえ、掛け軸にされた作品であるので決して大きいわけでわありません。しかし、教科書などで見た小さなものとはあまりにもイメージが異なったのです。また、もっと薄っすらとかすれたような画風というか、色彩をイメージしていたのですが、線も色も意外としっかりしていたのも意外でした。照明やディスプレイの手法の影響もあるのでしょうが、想像していたよりも存在感がある作品でした。 「無我」とは仏教の根本的思想の一つで、「我ではない＝私利私欲の無い無垢な様。無心な様子。何ものにも染まっていない、何ものにもとらわれていない様子。」等を表す言葉。29歳の若き大観は、その「無我」というとらえどころの無い観念を、同心の純粋な姿に託し、表現したのだとか。花鳥風月が主流であった当時の日本画壇に衝撃をあたえたのだそうです。それ故、代表作の一つとして紹介される作品となったのだとか。 そのような大観の「無我」は、実は３作存在するのだそうです。現在においては、１作目（墨絵）が足立美術館、２作目が国立博物館、そして３作目（本作）が水野美術館に収蔵されているのだそうです。それらは顔の表情が気に入らず、大観自らが描きなおす事によって生まれた作品であるのだとか。よって、基本的な構図は同じであるものの、色彩表現や顔の表情に微妙に違いが存在するのだそうです。 たしかに、顔の部分に目を向けると、他の部位に比べて細かく、丹念に描いている様子が伺えます。一歩間違えると「呆け」た様子になりかねないところを、如何にして純粋な無垢という状態に留める事が出来るのか、腐心したのかもしれません。それは、日本画の大家と呼ばれる大観であっても３度も作り直す必要があった難題であるだけでなく、どれだけ難しくとも表現してみたい渇望にかられる題材だったのかもしれませんね。 そうした「無我」の作品を見ているところ、偶然にもベビーカーを押した若いお母さんが作品の前に現れました。ベビーカーに乗った赤ちゃんは美術館の中であろうと所かまわず 「あああああ〜♪ あああああ〜♪」 と、何かを伝えようとする言葉なのか、歌なのか分からないような声を発していましたｗ 周りへの迷惑を気遣った母親が、「しずかにしなさい。」と何度もたしなめるのですが、その赤子はまるで聞く耳を持たぬ様子でした。 私は赤子は泣くのが仕事だと思っていますし、母親も回りに気遣っている様子だったので、特にその様子が迷惑だとは思いませんでした。寧ろ、「無我な赤子｣とはこういうもの。大観のみならず、｢無垢な赤子には誰しもかなわないものだなぁ（笑）」などと感じた次第でした。 ちなみに、本展覧会では、河合玉堂、上村松園、下村観山、児玉希望、他沢山の作品も展示されており、かなり見ごたえのある内容となっていました。 特に河合玉堂の｢芦雁｣という六曲一双の屏風の作品が印象に残りました。玉堂は｢墨を使い筆の技術を持ち、心の目で本質を見抜けば、色彩を施す必要の無いほど黒は無限のものとなる｣と語っていたのだとか。正に本作は墨一色で描かれた作品。シンプルなまでに無駄なものを排除したものとなっていました。しかしながら、間の取り方といい、墨の色の濃淡といい、生き生きとした筆の勢いといい、高い技量とセンスを感じさせられるものでした。 それだけの作品が複数持ち込まれていたので、｢水野美術館は改装工事かなにかで展示出来ずに貸し出し可能になったのか｣と、展示ガイドの方にたずねてみました。すると、「水野美術館は通常通り開館されてるそうです。」との事。一定期間の事とはいえ、これだけのコレクションを貸し出してくれた水野美術館の懐の広さと、それを可能にした岡崎市美術博物館の信頼度の高さを感じた展覧会でした。 |
アート・美術館
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■ カルぺ・ディエム 花として今日を生きる ■ Carpe Diem seiｚe the day ■ 2012.6.30 - 9.23 ■ 豊田市美術館HP ■ 概要 ローマ時代において、花を摘む際に使われた言葉である「カルペ（摘め）」。詩人ホラティウスは、「今日」を意味する名詞「ディエム」を詩にその言葉を用いる事で、「カルペ・ディエム（今日という儚きものを大切に摘め＝今日を生きよ）」という言葉を残したのだとか。それは人生の無常をあらわす格言となり、今に伝えられている言葉であるようです。それこそ花摘みや人の生死というものは、詩のみならず、絵画、彫刻、そして現代アートに至るまで、多く用いられてきたモチーフ。この展覧会は、それらの言葉をキーワードとした作品を展示する事で、今を生きる事の意義を見つめてみようと試みたものだそうです。 この展覧会においては、一部の作品以外写真撮影が許可されていました（フラッシュ・三脚は不可）。そこで、幾つかの作品を撮ってきたので、感想と共に紹介してみたいと思います。 注）私のコンデジは室内撮影時のホワイトバランス性能が悪いため、現物そのままの色彩を再現しきれていません。作品の展示順と、ブログでの掲載順も異なります。興味を持たれた方は、是非美術館へ。 ■ 鏡 2012年 福田美蘭 170ｃｍ×70cmの鏡の鏡面に花の模様をシルク印刷した作品です。 （写真は作品の一部をクローズUPしたものです。） ■ greenhide 2005-06年 (11-12年修復) 福永恵美 この作品、一見すると綺麗な白菊に見えるのですが、ちょっと違和感を感じませんか？そう、茎まで真っ白なのです。でも、単なる造花というわけではありません。これはプリザーブ液という薬剤に１ヶ月から２ヶ月浸けて脱色した菊を用いた作品なのだとか。とはいえ、花弁の部分は蝋で出来ているのだそうです。（脱色している期間中に花弁は形状を保てなくなってしまったのかもしれませんね。）ちなみに作家は、県内の美術大学を卒業し、豊田市市内にある大学のアトリエを借りて制作活動を続けているそうです。 ■ 涅槃図 2012年 福田美蘭 この作家のお爺さんは、有名な絵本作家であったのだとか。そのお爺さんが亡くなられた際、お爺さんが描いた絵本の中のキャラクター達に見送ってもらおうとの意図を込めて作った作品であるようです。少子高齢化が進み、孤独死が問題視されるようになった現代。このように大勢の者に囲まれて旅立てるというのは、ある意味しあわせな事なのかもしれません。それが自ら生みだし、愛しんできたものであれば、尚更の事かもしれません。というか、つい「私はどのような死を迎えるのだろう。だれかに看取ってもらえるのだろうか・・・」などと考えてしまいました・・・。 ■ quasar 2004年 亀頭健吾 何気ない草むらの花を写した写真に見えますが、実はこれらの花は自生していたものではなく、花屋で購入したものをそれらしく置いたものなのだとか。美しさの中にあるギャップ。それは、何も此処まで意図的に行ったものでなくとも、案外身の回りに多く存在しているのかもしれませんね。 ■ Sakai Maki wears Jil Sander 2008年 伊藤薫 展覧会のポスターに採用された作品。写し出されているのは、女優の坂井真紀だそうです。どおりで見覚えがある顔ですよね。 このように沢山の花に囲まれて横たわるというのは、ある意味非日常的な行為であると思います。それは、少女が子供の頃に夢見る延長線上にある光景であると同時に、どこか死者へたむけられた献花でもあるかのようにも見えてきますね。 ■ それになるためにそれを摘むこと 2012年 渡部豪 高解像度で撮影した花のデジタルデータを、コンピューター上で構築した３Dフレーム（ポリゴン）にテクスチャーとして貼り付た映像作品です。それにより、通常では捉えにくいアングルや近距離での花の映像を映し出す事が出来るようになっているとの事。暗室で上映されていたのですが、映像が暗かったので、「見え難い」との声がチラホラ聞こえていました。 ■ lamination layer 2011-12年 福永恵美 この作品もプリザーブ液で脱色した菊に蝋を掛けた（表面をコーティングした？）作品です。細長いテーブルの上に並べられた花を見ていると、葬儀の献花を想像してしまいますね・・・。 ■ Archives of Death Clock 2011-12年 宮島達男 様々な人々の顔と共に、不可思議な数字が並んでいる写真です。一見しただけでは何を意味するものなのかサッパリ判らないですよね。しかし私にとってこの作品が、この展覧会で最もインパクトがあった作品です。 実はこの数字、被写体となった方々が、ある質問に答えた事で導き出されたものだそうです。その質問というのは、「あなたはあと何年・何月・何日生きたいですか」というもの。つまり、自らの予測に基づいた余命を表しているというのです。作者によると、この作品は単に「見る」作品ではなく、「死」と向き合う事で逆に「生」を深く考え、「残された時間」を如何に価値あるものにしていくのかを問うものだそうです。 会場では「Death Clock participation version」として、デジカメ付きのPCが２台設置されていました。PCの前で先の質問に答える事で自動的に写真が撮影される仕組みになっているとの事。撮影された直近のデータは、プロジェクターによって壁面に投影されるだけでなく、別の会場の展覧会で使用される可能性があるそうです。 そこで私もPCの前に座って「数字」を入力しようとするのですが・・・私は数字を入力する事が出来ませんでした。 「自分はあと何年生きていられるのだろう。」と考え出すと、様々な事が頭を過ぎり、数字を入力できる心境ではなくなってしまったのです。それこそ、単に死というものを恐怖するだけでなく、その時が来るまでに自分という人間が何をして、何を残せるのだろうと思うと、その事が怖くなってしまったのです。 そこで、展示室の監視の女性にこの作品に対する来場者の反応の事を聞いてみました。すると「遊び感覚で楽しげに撮影していくカップルは多い。でも、色々な意味で抵抗感を感じる方もいるようで、一人で来た方はPCを覗いても実際には撮らない人も多い」との事でした。そのように聞いて、「私だけではなくてちょっと安心」といった気持ちを抱いてしまいました（＾＾； ■ その他 会場では、歴史的な文献や学術的な資料などを含め、他にも沢山の作品が展示されていました。また、アラーキーの「冬の日」や、新作なども展示されていました。（アラーキーの新作には期待していたのですが・・・個人的にはチョット・・・という感じでした・・・。） ■ 全体の感想 個々の作品においては、なかなか興味深かったり、インパクトのある作品に出会えた展覧会でした。しかし、会場全体を通じて「今日を大切に生きよう」とか、「命短し、恋せよ乙女」といったようなメッセージが明確に伝わって来るかというとちょっと違ったかもしれません。 それでも、「花」や「死」という単純な言葉をキーワードとしてみると、個性が異なる現代作家の作品を集めてきた割には、それなりにまとまっていたのかもしれません。（それこそ現代アートの作品を多数集めた「あいちトリエンナーレ」では様々な作家の個性は見れたものの、全体を統一するテーマがなかったためか、てんでバラバラの印象も伴ってましたしね。） 実際、こうした複数の現代アーティストの作品を集めたテーマ展示というのは、案外難しい面があるのでしょうね。特に「新作」を多量に含むとなると、その難しさは増すのではないでしょうか。というのも、必ずしもキュレーターの意図するような作品が仕上がってくるとは限らないからです。寧ろ、歴史的に一定の評価を得た既存の名作を集めてくる方が、余程キュレーターの意図する作品を集めやすいのではないでしょいうか。（個展だとそういう心配はないのでしょうが。） とはいえ、過去の作品ばかりで構成すると、コスト面で厳しかったり、新しい価値観を提示する事が難しい面もあるのでしょうね。（それに、現代アートだと、それだけの作品の蓄積が、個々の作家に無いケースも多いでしょうし。） ちなみに、作家の側の方からすると、テーマを与えられ、それに対して創作するというのはどういった感覚なのでしょうね。商業デザインや、コマーシャル・フォトなどを手掛けるプロは、そうした「クライアントからのオーダーに応えてナンボのもの。」というプライドのようなものを持っているのではないかと思います。でも、こうした現代アートの世界は、そうした所から乖離しているというか、個性・主義・主張ありきゆえ、個人で創作活動を続けている存在のような気もするわけで。無論、「作品を売る」ためには、ギャラリーウケが良かったり、実際の購入層の嗜好にも応えてゆかなければならないとは思いますが・・・。 そのようにして考えると、同じテーマを掲げる作家が自ら集まって展覧会を行う方が自然にも見えたり・・・。でも、そうした展覧会だと纏りが良い分、外部からの新鮮な刺激とかなくて、広がりがなかったりするのかもしれませんしね。となると、こうした展覧会の存在も悪くないのかも・・・。というか、「こうした展覧会のテーマって、どうやって決めているのだろう？そこにはキュレーターとしての醍醐味と葛藤があるのだろうか・・・。」などと、作品そのものよりも、その背後にあるものの事を色々と考えてしまいました。（＾＾； |
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■ 堀文子 美しき生命(いのち)の輝き ■ 名都美術館開館25周年 ■ 平成24年1月17日(火)〜3月4日(日) ■ 名都美術館HP 例によって記事にするのが随分遅れてしまったのですが、今年の春に名都美術館で開催されていた堀文子展の感想を述べてみたいと思います。 ■ 感想 今回この展覧会へ訪れたのは、「究極の宇宙に生きるものたちⅡ」を見るためです。私がこの絵の存在を知ったのは、数年前に放送されたNHKの「日曜美術館」という美術番組を通しての事でした。 無限の暗闇に浮かぶ、妖しくも美しい輝きを放つプランクトン達。様々な環境で生息していながら、普段の我々は気付く事や、気に掛ける事が殆どない存在。我々の価値観からすると、「どうしてそのような形をしているのか？」と疑問を抱いてしまう程不可思議な形をした生き物達。そんな小さな彼らでも、何千年、何万年、何億年に渡るであろう歴史をそれぞれの遺伝子に宿し、その命をまっとうしようとしている。作者が始めて顕微鏡を覗いた時に感じた無限の広がりと、小さな命達に対する純粋な感動が、その絵には宿っているように感じました。 また、そうした作品を描いたのが、日本画の流れを汲む高齢の女性（当時８９歳。現在94歳！）であるとの事で、さらに興味が増しました。そう、日本画の技法、こうしたモチーフを扱っている事が非常に珍しいと感じただけでなく、それだけの高齢に至っても尚、制作活動を続ける気力があるだけでなく、瑞々しい感性がある事に強く興味を抱いたのです。そこで、常々この方の作品を見たいと思っていたところ、近隣の美術館で個展が開かれていると知り、足を運ぶ事にしました。 展覧会では、若き日の作品から、現在に至るまで、実に沢山の作品が展示されていました。私はそれらの作品を見て、この方は自らの気の向くまま、実に自由な思いで作品を手掛けて来た方なのだなあと感じました。イタリアやヒマラヤなどに赴いては、その風景や植物などを手掛けていたりと、結構活動的。また、普通に人物画も手掛けていました。それどころか、シュルレアリスムのジョアン・ミロの影響をモロに受けた作品や、メキシコの民族衣装のデザインなどに惹かれては、その作風を積極的に模した時期もあったようです。さらには、工芸作品であるかのようにふんだんに金箔を用いた前衛的な絵画まであったりと、実に様々だったのです。 自分という存在を「日本画の画家」という風に変に縛ってないというか、自らの過去の技法に捕らわれないというか、自分の興味や関心事に対して、非常に素直な反応をされる方であると感じました。 ちなみにこの方がプランクトン達に興味を抱いたのは、2001年に病に倒れて以降、長期間の取材旅行に出かけられなくなったのが原因であるそうです。そのように聞くと、お体の事が気になったりもするののですが、その年齢に達して尚、素直な気持ちであらゆる事に興味を抱ける姿勢が素敵だなぁと感じました。 |
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■ 豊田市美術館 常設展 2012 第Ⅰ期 ■ 会期：2012.4.14-6.17 ■ 豊田市美術館HP 豊田市美術館へジェームズ・アンソール展を見に行った際、常設展の第Ⅰ期展示が行われていました。そこで幾つかの作品を撮影してきたので紹介したいと思います。ちなみに今回はインパクトの強い色を持つ作品を中心に選んでみました。(個人的な趣向性を敢えて外してます。）まあ、こんな感じの作品がコレクションされてますよ・・・って感じで見ていただければと。 注）この美術館ではコレクション作品に対する撮影が許可されています。（但し、フラッシュ・三脚の使用は不可） ■ 「分類学（応用）♯３」ジョセフ・コスース 1995年 （壁のスクリーンプリント作品） この美術館は南北に細長い構造をしており、各展示室へ繋がる廊下が設けられた西の壁面には、摩りガラスが張られています。館内は基本的に白色で統一されているのですが、夕刻や曇り空などの時は、何時もとはちょっと違う雰囲気を味わえたりします。このシルクスクリーンプリントの作品は、その廊下の部分の壁面に貼られたものです。 ■ ’94B / 1994年 / 田中敦子 縦300.0×横510.0cmと大きな作品ですそのためカメラのフレームに上手く収まらないので、斜めから撮っています。（以下の作品も同様の理由から斜め撮りしています。）。この作品も、アクションペインティングなどの流れの影響を受けているのでしょうか？ ■ 三原色 / 2004年 / 金山明 こういう作品って、マスキングしたり定規のような物を用いて手書きしているのでしょうか？（まさか、完全なフリーハンドではないと思いますが・・・。） ■ 赤紫鉱 / 1987年 / 中村一美 この作品も260.0×500.0cmと、かなり大きな作品です。そのため一部をクローズアップで撮ってます。赤を背景に、同系色の幾何学的な線が走っていた作品です。赤がビビッドですよね。 ■ 美術館の庭にて これは作品ではなく・・・噴水だったりしますｗ |
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■ ジェームズ・アンソール - 写実と幻想の系譜 - ■ 2012.4.14-6.17 ■ 豊田市美術館HP ■ Wikipedia:ジェームズ･アンソール ジェームズ・アンソールは、ペーテル・パウル・ルーベンス以降のベルギーにおいて、ルネ・マグリットやポール・デルヴォーと並ぶ評価を得ている近代絵画の画家であるそうです。正直なところ、この方の名前は今まで知らなかったですし、ポスターに採用された画像を見ても最初は興味を持てなかったのですが、地元の美術館で開催されるだけでなく、後のシュルレアリスムなどにも影響を与えた人物であるとの事だったので、展覧会に足を運んでみる事にしました。 ■ 感想 この作家の作品を見た感想を、なんと表現すべきなのか凄く迷うのですが・・・敢えて一言で言うと、「グロテスクな画風の画家」であった・・・といったところでしょうか。展覧会のポスターに採用された絵を見ていただければお判りになると思いますが、彼の描く絵は何ともいえない「グロテスクさ」があるのです。それこそ、カーニバルや結婚式など本来華やかな場を描いている作品であっても、そこに登場する人物は皆、「グロテスクな仮面」を被っているのです・・・。それどころか、もっと露骨に人の醜い死を描いる作品も存在しました。無論、それは作家が意図して描いているわけですが・・・ちょっと変わってますよね？そこには画家の個性は感じられたのですが、個人的に魅力を感じたかというと、そうではなかったといいますか・・・。 世の中には「醜くて不気味だけど、何故か強烈に惹かれてしまう」といった、デモーニッシュな魅力を放つものは確かに存在していると思います。それこそ、「見てはいけないモノ。興味はあるけど、他人には知られたく無いモノ」などもあると思います。また、「奇異・奇怪だけど、どこかユーモラス」であったり、「宗教的な諭しなどに用いるため、敢えて不安や恐怖を表現したような作品」もあろうかと思います。 しかし彼の作品は、単に「不気味、異様、どのように理解すべきなのか判らない」としか言いようがありませんでした。無論、彼も画家としてのキャリアの最初の段階から、いきなりこのような作風でいたわけではありません。当初は写実的な風景画などからスタートしていたようでしたし、人物画を描くにしても印象派風な感じであり、もっとマトモであったわけです。 しかし、ある時期からこのような暗く、不気味な顔を持つ人物画や、奇怪で空想的な世界がキャンバスに登場するようになります。そんな彼の画風に影響を与えたものとして、大きく二つのものが考えられるようです。 一つめの要因は、彼の両親が、観光客相手の土産物屋を営んでいた影響であるようです。それこそ、店の棚には、珍しい装飾品や、カーニバル等に使う不気味な仮面なども沢山並んでおり、そうしたモノに子供の頃から親しんでいたという点です。 そして、もう一つの要因は、両親の不仲であるとの事。彼の父は数カ国語をあやつる教養人であったと言われるものの、仕事らしい仕事はせず、常に酒に溺れており、土産物屋は母が切り盛りしていたとの事。そのため、２人は常に喧嘩が絶えず、幼いアンソールにとっては、自宅といえども安息を得られる空間ではなかったようなのです。 つまり、一見華やかな商売をしていても、その実態には大きなギャップが存在する状況や、両親の不仲を延々を見せつけられた事により、世の中に対する不安、疑念、鬱憤などを抱えながら育ち、大人になって後に、そうした内面性が作品へ投影されるようになっていったようなのです。という事は、彼は作品を通じて 「人には誰にでも、大なり小なり表向きと裏の部分がある・・・誰もが見せたくない姿を隠そうとして、何かしらの仮面を被っている・・・しかし、その姿は結局として、本質的に醜いものである」と言いたいのでしょうか？ きっと、そうした風刺的な要素も持っているのだろうと思います。また、誰にでもそうした表裏の部分というのは、大なり小なりあるのではないかと思います。私自身にもそうした面はあると思います。でも、彼の絵を見ていて、そうした自らの感情を深くえぐられるような気持ちになったり、何かしらの共感を覚えたかというと、そうはならなかったといいますか・・・。 それこそ、彼の作品のベクトルは社会に対して向けられたものというよりも、もっとプライベートな感じというか、両親に対する当てこすりというか、情念的なモノに起因しているように感じられて、見ていてあまり気分が良くなかったといいますか・・・。無論、そうした感情を吐き出したい時もあるかもしれませんし、そうした表現者がいても可笑しな話ではありませんが、他の高名な画家と並ぶ程に評される理由になるものなのだろうか・・・・とも感じてしまったり・・・。私ではどう形容して良いのかよく判らない・・・そんな感想を持たざるを得ませんでした。 |
