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■ みえるもの みえないもの ■ 会期：2012年1月7日〜3月25日 ■ 豊田市美術館 「山本糾 光・水・電気」展を見に豊田市美術館へ訪れた際、「みえるもの みえないもの」展も開催されていました。この展覧会では、同館の所蔵コレクションや寄託作品の中から、「写真作品」に拘って選出・展示されていました。その展覧会で気になったものを数点ピックアップして紹介したいと思います。 注） 同館の所蔵作品は、フラッシュ・三脚無しの状態での撮影が許可されています。ちなみに写真の掲載は、必ずしも展示順ではありません。また、私のコンデジは室内撮影のWB性能が悪いので、色は必ずしも忠実ではありませんので、その点はご了承ください。 ● 聖遺物箱<プーリムの祭り> / 1990 /クリスチャン･ボルタンスキー 過去にもブログで取上げた事のある作品です。この作品は、ビスケットの空き缶を祭壇状に積み上げたものです。その缶の中には子供達の写真が収められています。その写真は、戦前において、ユダヤ人達による「プリーム祭り」に集まった子供達を撮ったものなのだそうです。子供達はその後どうなっているのかは判らないそうです。 ● センチメンタルな旅 / 1971 / 荒木経惟 豊田市美術館にはアラーキーの写真作品が２組所蔵されています。１つは「センチメンタルな旅」そして、もう一つは「冬の旅」です。「センチ・・・」は、妻である陽子さんとの挙式と、新婚旅行の様子を写したもので、旅先での寝室の様子（妻の裸）まで赤裸々に曝け出したものでした。一方の「冬の旅」は、その陽子さんがガンで入院し、亡くなるまでを追ったもので、病室の中、そして葬儀に至ってまでも写し撮っていました。 プロ意識なのか、撮らざるを得ない性格なのか判りませんが、「其処までしなくても・・・」という思いを抱きました。 仮に撮ったとしても、そこまでプライベートな内容を作品として公開する事もなかろうに・・・とも感じる部分もあったわけで。そもそも、新婚旅行の一連の写真を「センチメンタルな・・・」と名付けてしまう事に対して、こちらの方が色々と憶測してしまうくらいなわけで。 とはいえ、それだけプライベートであるが故、普段の彼が撮っているエロスとは異なる、叙情的な世界が映し出されていました。また、エロスをテーマとして撮る事が多い人物であれば、見るからにセクシーで豊満な女性を追い求めるのではないか？と思いがちですが、現実にはスレンダーで派手な雰囲気のない方をパートナーとして選んでいるのも興味深かったりしたのも事実です。それこそ「センチ・・・」の写真においては、どことなくナーバスで、撮られる事を嫌がっているかのようにも見えた洋子さんの表情が、「冬の旅」の時には非常に優しく、そして何処と無く寂しげなものに変わっていたのが印象的でした。 ● Layer Drawings ＃001-＃081 / 2004-2005 / 中西信洋 以前の展覧会 「知覚の扉Ⅰ」「知覚の扉Ⅱ」でも拝見した中西氏の作品です。これは、一つの被写体を角度や時間などをずらしながら撮ったスライド写真を何重にも重ね、下から照らし出した作品です。なんだか、宝石箱が並んでいるみたいですよね。 ● Semear / 2007 / 川内倫子 ブラジルの日系社会に訪れ、その日常やカーニバルなどの様子を取った写真が展示されていました。この写真はそれらの写真の中にあった、赤ちゃんの写真の耳の部分をUPで写させていただいたものです。何故この耳に目がいったかというと、耳たぶに金のピアスが付いていたからです。これはお守り代わりなのでしょうか？それとも単に親の趣味なのでしょうか？その意図は判りませんが、１歳にもなってないかのような赤ちゃんの耳に付けるものなのでしょうか？それこそ、例え日本の文化が強く影響しているであろう日系社会であろうとも、異国に地をおろしている証のようなものなのでしょうか？私はそんな事を延々と考えてしまいました。 ● OPALKA 1965/1-∞ Detail /1977・1981・1994 /ローマン・オパルカ オルパカは、1965年から黒いキャンバスの上に白い絵具で１から始まる数字を延々と書き続けて来た人物。 また、そのキャンバスを１枚仕上げる度に、自身のポートレート写真も記録として撮っていたのだそうです。キャンバスに白い数字が増えるという事は、自身の死へのカウントであり、ポートレートは自身の老いを表す記録ともなっていたようです。 ● 盲目の人々 / 1986 / ソフィ･カル 実のところ、私は同時に開催されていた「光・水・電気」展より、この「みえるもの みえないもの」展の方を楽しみにして訪れていました。というのも、私にとって衝撃的な作品でもあった、ソフィ・カルの「盲目の人々」が久々に展示されると告知されていたからです。 彼女の「盲目の人々」は、全部で２３組 （写真とテキストの組み合わせ） で、フランス語バージョンと英語バージョンが存在し、豊田市美術館にはフランス語バージョンの２３点全てが所蔵されているそうです。しかし全ての作品が一堂に展示されたのは初展示の１度だけ。以降は数点から十数点という組み合わせのみで展示されてきたのです。というのも、作品数が多いため、カルは 「作品の展示数・展示順に関しては美術館の自由にして良い。その代り、最後に展示する作品は、指示通りのものにして欲しい。」 としているからなのだそうです。 そのため、私はこの作品を過去に３度見た事があったものの、何れにおいても全ての作品を一堂に見る事が出来ないでいました。それ故に、今回の展示において全ての作品が見れるのではないかと強い期待を寄せていたのです。（作品に関する感想は、こちらの記事をご参照ください。また、美術館の作品購入に関する話は、こちらのリンク先に詳しい事が書かれていますので、興味のある方はご覧になってみてください。） しかしながら、今回も全ての作品を見る事は出来ませんでした。（16点しか展示されていなかったのです。）そこで、学芸員の方に理由を尋ねてみたところ、「他の作品との兼ね合いから、展示スペースが限られてしまい、都合上全てを展示出来なかった。」との事でした。う〜ん・・・私の目には、壁には十分余裕があったように思いますし、足りないというなら他の作品とのバランスを再調整して欲しかったところですが・・・。 ちなみに、この作品は当館の来場者アンケートにおいて、クリムトの作品を差し置き、最も人気が高かった作品だとの事。また、そのアンケート結果は、美術館のスタッフにとって大きな驚きであり、喜びであったそうです。というのも、アートに対する理解が未だに乏しいこの土地において、見た目が鮮やかで歴史的に有名で資産的な価値も高いクリムトの作品よりも、こうした美の概念に訴えかけてくるような現代アートの作品が受け入れられていると証明されたからです。 それこそ今回の展覧会の 「みえるもの みえないもの」 というタイトルも、この作品が持つイメージを強く意識して付けられたのだと聞きました。であるならば、「何故この機会において、全てのピースの展示を行わなかったのだろう？」 と強い疑問を感じずにはいられませんでした。 ● その他 以前ブログで紹介した、ミケランジェロ・ピストレットの窃視者などを含め、他にも多数の作品が展示されていました。 |
アート・美術館
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■ 山本糾 光・水・電気 ■ 2012年1月7日-4月8日 ■ 豊田市美術館 ■ 概要 山本糾[1950年生まれ]は、そのキャリアをとおして常に「水」を対象の中心に据えて、隠喩的で深みのある写真を撮り続けてきた作家です。本展覧会は、山本糾のこれまでの代表的なシリーズと新作など約60点によって、作家の活動に迫り、作品の本質を露わにしようとするもので、山本にとっても美術館における初の大規模な個展となります。（公式HPより抜粋） ■ 感想 年初において豊田市美術館で開催されていた特別展へ訪れました。正直なところ、この方の事は全く存じ上げていませんでした。しかし、こちらの美術館において、一人のフォトグラファーによる写真のみで構成された個展が開かれるのは珍しい事であるため、興味を抱いたのです。 その展示内容は、タイトル通り「水」を中心として、それを照らす「光」と、水の力によって生み出される「電気」を取り上げたものでした。水というものは、地上において様々な場所で見かけるありふれた存在。それでいて、時や場所などの環境の違いによって、様々に変化する存在でもあります。 熱せらられば蒸気となり、冷やされる事で液体に戻り、さらに冷やされれば氷となる。湖として一箇所に留まる事もあれば、川として流れ、時には水力発電の源として別の形で利用される。作家はそうした普遍性と特異性を持つ水の姿に関心を寄せており、様々なカタチにに変わる「水」の姿をとらえた写真が展示されていました。ちなみに作家は、密閉されたガラス瓶の中の水が蒸発し、水滴となって内壁に付着している様子を見た時に、その魅力に気付かされたのだそうです。 たしかに水というものは面白く、かつ印象的な存在ですよね。でも、この方の写真を見る事によって、一種の感動を覚えたり、何かしらの発見があったかというと、そうでもなかったような・・・。なんというか、写真は凄く丁寧に撮られているものの、その反面物凄く淡々と撮っているような感じなんですよね。作家自身の新鮮な驚きや興奮が込められているようなものでもなく、偶然性や希少性が強く活かされているようなものでもないというか・・・。というか、そもそも作家自身がそうした意図や感情を写真に込めようとすらしていないといいますか。（意図的にそうしているのかもしれません。） それに、基本的にモノクロで撮る人であるためか、数枚だけしか展示されていないカラー写真を見ても、色に対する拘りを感じられなかったような・・・。 どうやら、この方は元々は美術品などのカタログ写真などを撮られる事を本職とされている方のようですね。それで、ああナルホド・・・と感じた次第でした。なんというか、絵画の場合はどのような作品であっても（抽象画であっても）否応なく作家の感情が絵に反映されるものですが、写真というものは、必ずしもそうではないという事を再認識させられてしまったような感じでしょうか？ 「じゃあ、お前（私の事）はどうなんだ？これだけの個展をひらけるだけの力はあるのか？趣味で撮って、ブログで公開してるのとはワケが違うぞ。」などと言われると、「滅相もないことです。」と答える事しか出来ません。寧ろ、（趣味レベルで気軽に撮っているものとはいえ）「私の写真は他人からどのように見えているのだろう・・・」と思うと、そちらの方が怖くなるというか、「私自身は一体何を撮りたがっているのだろう？」という事を考えさせられてしまいました。 |
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■ 生誕100年 ジャクソン・ポロック展 ■ 会期：2011年11月１１日-2012年1月22日 ■ 愛知県美術館HP ■ 展覧会公式HP 「アクションペインティングの草分け。」 「画面上に中心となる構成物を置く事なく、絵画というものを成立させた男。」 そのように紹介される事の多い、アメリカン・モダンアート界の巨人の一人であるジャクソン・ポロック。彼の生誕100周年を記念した美術展が愛知県美術館で開催されていたので見に行ってきました。 （といっても、実は今年の初頭の話です。遅ればせながら、その頃から溜まっている美術ネタをようやく書けそうです（＾＾；） ちなみに今回の企画展は、愛知県美術館の学芸員の方が、長年に渡りポロックを研究し続けて来た事により実現したものだそうです。その展示内容は、世界中から借り受けて来た作品の質・量のみならず、展示構成に至るまで充実したものがあり、非常に見応えがあるものでした。 ■ 感想 意識的な無意識から生み出される世界。彼の作品を目の前にした時、それは単なるカオスなどではなく、あたかも無音の中の不協和音から生み出されるシンフォニーが繰り広げられているように感じました。そう、彼の作品は、正に様々なリズムと波長の渦。そしてポロックに対しては、混沌の渦の中で作品を束ねる指揮者であるかのような印象を持ったのです。 それこそ、それらの作品は決して暴力的なものではありませんでした。アクションペインティングという言葉から、ついつい感情の赴くままに絵具を叩きつけているかのようなイメージを抱いてしまいますが、決してその限りではなかったのです。寧ろ、その筆跡はあくまで静かに筆の代りとなる棒を走らせた事によるもの。その軌跡は無軌道でありながら躍動感があり、自我を払拭した無意識の中においても同居しうる色彩感覚によって緻密なまでにバランスが取られたものであったのです。 それは正に、オートマティスムを絵画の世界で行っているようなもの。それこそ彼はシュルレアリスト達の影響を受けていた事を公言していたようです。また、話によると彼は、ダビッド・シケイロスなどのメキシコ系のアーティストや、インディアン達の画風にも影響を受けていたそうです。ちなみに私は、ジョアン・ミロや、カンディンスキーの作品よりもポロックの作品に音楽性（リズム感や、押し寄せるうねり）を感じました。 とはいえ、何よりも彼の心を揺さぶっていたのは、ピカソであったのだそうです。それこそ何か新しい表現を試みようとしても、その多くは既にピカソが手掛けており、「くそっ、あいつが全部やっちまった！」と言っていたのだとか。それこそ、ピカソはキュビズムをはじめとする様々な表現様式を次々と生み出していただけでなく、それに固執する事なく、常に変化しつづけてきた「生ける伝説」のような存在。それに対し、日々努力を重ねていながらもチャンスを手にする事が出来ない若き日のポロックが居たわけです。その状況に対してポロックは、一方的に強烈なまでの嫉妬とコンプレックスを感じていたようなのです。 その苦悩の果てに、やや偶然性を伴いながらも生み出したのが、彼が用いた「ポーリング」や「ドリッピング」などの技法、そして「オールオーヴァー」な画面構成であったのだそうです。それは「美しさ」や「精神の内面性」などを追求する姿勢ではなく、「新しい表現」への渇望によって生み出されたものであったわけです。（彼自身もそのように言っています。）故に、「彼の絵を見ても、何を描いているのか判らない。どんな主義主張が込められているのか理解出来ない。」という人が居ても何ら可笑しな話ではないと思います。というか、実際にそうした主義主張など作品には込められていないわけですから。 しかし、油ののった彼が描いた作品の線は、実に生きいきしていました。正に線が生気を帯び、走っているような感じだったのです。そして、様々な色が重ねられる事で生み出される色彩にも、高度なバランス感覚が感じられたのです。そう、正に「考えるな・・・感じろ」の世界。そんな言葉にならない表現でありながら、目の前に立っていると不思議と心地良かったりしました。 それこそ、印刷物を通して彼の作品を見るのと、実物を目の前にするのとでは随分と印象が違います。作品の大きさから来る迫力が違うのは勿論、彼がポーリングやドリッピングした凹凸感が生々しい軌跡を追っていると、彼の制作行為そのものを追体験しているような感じに捕らわれるのです。そう、子供の頃に絵を描いているとき、ついつい夢中になって無心で絵に向っていた時のような感覚といったら良いでしょうか。なんと言うか、絵の中に浸っているような感覚であったわけです。 それこそ、彼は 「私は絵の中にいるとき、自分がなにをしているのかを意識しない。」 と語ったと伝えられますが、正にその没入感覚を共有しているような感じでした。私は今まで多くの画家の作品を目にしてきましたが、こうした感覚を持ったのは初めての事であり、非常に興味深く見る事が出来ました。 |
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■ 新・陶・宣言 & 第Ⅲ期 常設展 ＆ ミュージアム・フェスタ2011 ■ 会期：2011.9.17-12.25 （ミュージアム・フェスタは10.8〜10.10開催） ■ 豊田市美術館HP 「小川待子 / 生まれたての <うつわ>」展に訪れた際、企画展と所蔵作品展も同時に開催されていただけでなく、ミュージアムフェスタも催されていました。そのイベントとして行われたナイトツアー（バックヤードツアー）にも参加してきたので、その様子を含めて、簡単に紹介したいと思います。ちなみに「新・陶・宣言」展の中に、所蔵コレクションも混じって展示されていたので、この場においてはそれぞれを区別せず、それらの中で気になったモノを纏めてUPしようと思います。というか、画像UPが出来るのは、写真の許可がされている同館のコレクション作品ばかりになってしまうわけなんですけどね（＾＾； ● 赤道上の太陽 / 野村仁 / 1986年 この作品は、その名の通り赤道上で見られる太陽の軌跡をオブジェ化したものであるとの事。メビウスリングのような、ヘビのとぐろ巻きのような面白い形をしていますね。野村氏は、こうした星の運動などをモチーフとした作品を幾つも生み出している方のようで、京都市立芸術大学大学院の教授でもあるそうです。 ● ディエゴの胸像 / アルベルト・ジャコメッティ / 1954年 実はこの作品、正面から見ると異常なまでに薄っぺらく、細い顔として形成されています。そのため、正面からの写真も撮ろうとしたのですが、背後に撮影不可の作品が写り込んでしまうアングルとなってしまったため、今回は断念しました。 ● 息吹 / ジュゼッペ・ペノーネ / 1978年 この美術館で２度の個展が開かれているペノーネの作品も２点展示されていました。一つは、陶器の壷のような形をした「息吹」という作品（写真右手前のもの）。もう一つは、その奥に見えるパーテーションの壁面に貼り付けられた「爪痕」の作品です（正式タイトルは不明）。そう、白い壁紙に対して爪を立てて、壁紙を掘り起こしたかのような跡が多数残されている作品です。なんというか・・・ペノーネらしい作品ですねえ（＾＾； ● White Coat / 村瀬恭子 / 2009年 ■ ミュージアムフェスタ2011 私が訪れた日において、ミュージアムフェスタという催しが行われていました。これはアートの世界に対して敷居の高さを感じているような方でも気軽に美術館に来てもらったり、今までよりももっと美術館を深く知り、楽しんでもらおうという思いから様々なイベント（映画上映・スタンプラリー・写生大会・コンサート・ワークショップ・他）が開催されるというものです。その中で、学芸員の方の案内によって美術館のバックヤードを巡る事が出来るナイトツアーが催されるとの事だったので参加してきました。 ● ナイトツアー （バックヤードツアー） ナイトツアーは、美術館の物品搬入ゲート、警備・原動・空調のコントロールルーム、学芸員室、学芸用書庫など、普段では見る事の出来ない場所を案内していただけました。 その中で、警備・原動・空調のコントロールルームの話が意外と興味深かったです。というのも、美術館は作品保護の受容性から室温・湿度などを一定に保つためにコンピューター制御しているものの、それらの空調設備が老朽化し、対応年数の限界に差し掛かっているのだそうです。しかしながら設備更新をする予算が無いのが現状なのだとか。それこそ機械が故障でもしたら、貴重な作品にダメージが及んでしまうのではないかと頭を悩ませているのだそうです。 ちなみに作品の保管庫などにも通じるバックヤードの廊下は、どの場所においても似たような景観になるように設計されているそうです。それというのも、仮に強盗が侵入した際、現在位置の把握や逃走ルートの確認等を容易く行えないようにする意図があるのだそうです。 また、学芸員室で見せていただいた展示室の模型も興味深いものがありました。（上記の写真です。許可を得て撮影しています。）実はこの模型の壁面には穴が空けてあり横から覗く事が出来るのだそうです。展示状況を観客の目線で想像し、よりよい展示空間になるようディスカッションしているのだそうです。（戸建の家を建てる際の建築模型みたいですね。）
この他にも、国内外の美術館やアーティストとの作品の借入・貸出の業務の実態とか、作品をコレクションする事の重要性等を聞かせていただく事が出来ました。また、一部展示室の作品に関する解説も行っていただけました。ツアーは18：30〜19：30までが予定されていたのですが、実際には予定時間をオーバーする程、丁寧に解説をしていただけました。 ミュージアムフェスタの間は、夜間の延長営業がされており、夜20時まで見学する事が可能となっていました。ちなみ外に出てみると、イベント期間中開催されたワークショップにおいて一般の方が作成された「たんころりん」という名の灯篭やランプシェードが美術館の庭に並べられており、何時もとは雰囲気の違う光景を楽しむ事が出来ました。（TOP写真）
実のところ、こうした夜間イベントは、費用の問題からなかなか出来ないのが現状だと聞きます。通常時においては、夜営業時間を延長してもお客さんが来ないので収支が合わないからだそうです。たしかに赤字になってしまうようでは厳しいのでしょうが、バックヤードツアーのような行為は夜に限らずとも出来そうな気がします。それこそ、学芸員と直接会話したり、意見を交換出来たりするのも貴重だったりするわけで。可能であれば、日中で構わないので、月に１度とかで良いので定例化して開催していただけると嬉しいですね。 |
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■ 小川待子 / 生まれたての <うつわ> ■ 会期：2011.9.17-2011.12.25 ■ 豊田市美術館 ■ 概要 詩がかたちを持つとしたら、このようなすがたをしているのではないか。小川待子の<うつわ>とは、これまでも様々な人々に豊かな想像力を喚起させてきました。小川待子は1946年、札幌に生まれ、東京芸術大学工芸科を卒業後、パリでの留学時に鉱物の美しさに衝撃を受け｢かたちはすでに在る｣という、素材から立ち上げる原型的な考えに結びつきます。そしてその後の西アフリカでの制作の経験は、他の日本の作家とは異なる独自のスタンスでの陶芸制作にとって決定的なものとなりました。 人が何かをすくい取り、水などをたたえておくもの、そして大地から生成し大地に帰ってゆく存在。その<うつわ>は収縮と拡散のぎりぎりの均衡のなかで、あえて亀裂を見せながらも、その内部に透明な釉薬を輝かせています。その中に包まれ、隠し、たたえる場は、華美で洗練されたこの国の｢伝統的な｣工芸を超えて、造型としての原型体をわれわれに示しています。その造型とは、人の作るものの原始的な創生を想起させるとともに、永遠の詩的存在としても見ることが出来ます。(公式HPより) ■ 感想 この方に関する予備知識を全く持たないまま訪れた展覧会です。失礼ながら、名前も存じ上げていませんでした。とはいうものの、ポスター画像がなんだか印象的であり、ちょっとばかり期待していた展覧会でもあります。 ちなみに豊田市美術館で現代陶芸作家を大々的に取り扱うのは、結構珍しかったりします。というか、初めての事かもしれません。それというのも、それなりに近くの場所に愛知陶芸資料館が存在するため、陶芸関連は敢えて避けて来たジャンルであったからのようです。しかし、陶芸資料館の展示作品は古来から繋がる伝統的な作風のが主流。であるなら、豊田市美術館でこうした現代アートにも通じるような現代作家を取り扱う事は、意義のある事なのではないかと考えるに至り、試みたものであったようです。 作品そのものに関しては、美術館の公式HP等を通じでご覧いただければお判りになるかと思うのですが、陶器といっても、所謂実用的なお皿や壷などのカタチを成したものではありません。美しい絵付けがされていたり、貴重なうわぐすりを施して、繊細な焼色を追求したようなものではありません。カタチとしての均一性すら求めたものでなく、辛うじてそのカタチを保っているかのようにすら見える焼物が並べられていたわけです。それこそ、運搬に気をつけないと、脆く崩れてしまいそうなものが多数あった程でした。 ちなみに作者は、こうしたアーシーで素朴な雰囲気をかもし出す作品を生み出すため、その技術やスピリット的なものをアフリカの地に求め、彼の地で一定の期間修行も行ったのだそうです。とはいえ、そのアフリカ修行（遠征？）の成果というか、彼の地の作風が、今回展示されていた作品にどのように活かされているのかは、私ではサッパリ判りませんでした・・・。 寧ろ私が面白く感じたのは、１つ１つの作品の出来不出来ではなく、作品を展示している空間演出の方でした。例えば、何時もならば空間が大きすぎるあまり、作品が迫力負けしてしまう事が多い第一展示室においても、今回においては多数の作品を、適度な距離感を保ちながら配置されいたせいか、適度なボリューム感と一定の調和が生まれていたように感じました。 また、私が訪れた日がたまたまこの美術館の夜間営業日であった事も影響していたかもしれませんが、何時もよりも部屋全体が暗く感じつつも、その分個々の作品に当てられているスポット光が生きており、空間としての明暗のコントラストが強く感じられ、印象的な空間が形成されているように感じたのです。作品が最も魅力的に見えるように気を配る事によって、空間そのものがインスタレーションアートとして形成されていたといった感じでしょうか。 ひょっとすると、こうした方法論は高級品を展示するショールームなどで見られるような演出であり、特に珍しいものではないかもしれません。というか、普通のホワイトキューブ的な美術館でも多く用いられている演出法だと思いますし、この美術館においても過去にそうした演出を用いてきた事はあったと思います。しかし、今回ほど上手い具合にハマってるケースはそんなに無かったのではないかと感じた程でした。それこそ、光りの当て方一つで作品の魅力が大きく左右されてしまうというか、何時も見慣れている空間の印象もガラリと変わってしまうという事を、改めて感じさせられたように思いました。 |
