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■ 棟方志功 祈りと旅 東北復興支援特別企画 ■ 会期：2011.7.9-9.4 ■ 愛知県美術館HP ■ 概要 ゴッホに憧れ「わだばゴッホになる」と美術の道に進むことを決意した棟方志功（1903〜1975）。やがて版画の世界に触れ、版画こそが日本独自の美の表現だと確信します。板という素材の持つ力に注目し「板の生命を彫りおこす」ことを探求した棟方は、自ら「板画」と称する木版画で旧来の版画の常識を覆しました。そして1955年のサンパウロ・ビエンナーレ、翌年のヴェネツィア・ビエンナーレの版画部門で最高賞を受賞し、国際的な評価を確立します。板画を中心に肉筆倭絵や油彩画など、多彩な活動に打ち込む棟方の創作意欲は、生涯衰えることはありませんでした。本展覧会では、「祈りと旅」をテーマに棟方の画業を振り返ります。（公式HPより） 溜まっていた美術ネタを少しでも記憶の残っているうちにブログに記しておこうと、去年の８月に宣言してから、はや半年。その間において、なんとか２４本の美術関連の記事は書いてはいたのですが、相変わらずネタが溜まっている状態です。それこそ、記事を書いている期間においても美術館には訪れているのでネタが増えてしまっているくらいでして・・・。そんなわけで、今回も感想のみをUPしたいと思います。（というか、今後は、常設展の写真撮影が許可されている地元の豊田市美術館の記事以外は、そんな感じになるかもしれません。） この美術展は当初予定されていた「プーシキン美術館展 フランス絵画300年」が東日本大震災の影響で中止となったため、急遽催される事となった展覧会です。前々から棟方志功の事が気になっていた私にとって、この変更はある意味好都合と言えるものでした。実際に訪れてみると、その内容の密度やボリューム感は素晴らしく、とても見応えのある内容だったと思います。 ■ 感想 「わだばゴッホになる」という有名な言葉を残した棟方志功。後に彼は、「当時の自分が語っていた”ゴッホ”という言葉は、人の名前ではなく、”ゴッホ＝西洋画家によって描かれる油絵”だと思い込んで語っていた。」といった事を語っていたそうです。つまり、ゴッホいち個人を強くリスペクトするというのではなく、従来の日本画の世界とは異なる絵画表現に魅了され、そうした表現を行う存在になりたかったと言いたかったのだそうです。（本当にそうなのか、芸術家として名を成した後に、自己擁護するために言ったのか、その真意はわかりませんが・・・。） にもかかわらず、彼は主たる表現媒体を油絵ではなく版画で行っていたというのが面白いですよね。それこそ彼の描く世界は、西洋の印象派などの絵画のような輪郭線の無い淡い世界とは対極を成すかのような、躍動感のある力強い線が押し寄せてくるかのような作品の方が多いわけですから。 題材としても風景や肖像画といった感じのものは殆どなく、八百万の神や、仏・観音様といった題材が多いのも特徴的で、和の香りを強く感じさせます。とはいえ、同じく版画という表現媒体を用いる、浮世絵とも明らかに異なるわけで・・・。民藝運動に参加し、それらの影響を強く受けたとも聞きますが、寧ろ、彼はそうしたルーツとは異なる、突然変異の存在であるかのように見えますよね。 それこそ、本人は意識していたのか判りませんが、アヴァンギャルドと言っても差し支えないような存在でもあるように感じます。それこそ、全長26mにも及ぶ「大世界の柵」という作品を見ていると、既存の版画の世界からは大きく逸脱した存在だと思えるわけで。寧ろ、そうした作品を見ていると、岡本太郎による大壁画「明日の神話」（全長30ｍ）などの作品の方を思い起こしてしまうほどでした。実際、ついつい岡本太郎と対比して見てしまう自分が居ました。彼もまたアヴァンギャルドの画家。それこそ、一般的な認識で言えば、彼こそが日本におけるアヴァンギャルドの代表格と言って良い存在かもしれません。 太郎は若くしてフランスへ渡り、民俗学等を学び、シュルレアリスムを経て、帰国して後に古い日本の画壇と真っ向からぶつかりあい、アヴァンギャルドな画家として認知されるようになりました。その太郎は、日本人としての自らのルーツといえるモノを捜し求めた末、「縄文の美」に巡り合い、その躍動的で生命感溢れた魅力を世に広めた功労者とも言われています。つまり当時の世界の絵画の最先端を身をもって知り、その上で日本の西洋美術や、日本の価値観を変えようと奔走した男と言えると思います。 そう、太郎はかなりのインテリです。そしてその作品は一見すると走り描きされたかのようなものが多いものの、実は緻密に構想を経て描かれています。そのため、実はそんなに多くの絵画作品を残していない人物でもあったりします。現代においては、岡本敏子の努力もあり、思想家としての評価も高まっていますが、その生まれや、知性の高さ故に、自らの存在に思い悩み、苦しみ、戦い抜いて来た人物でもあったと思います。また、太陽の塔のような途方も無い歴史的な作品を残しつつも、賞のようなものとは殆ど縁の無い人でもありました。 それに対して、志功の場合は、純粋なまでに”和”の匂いがするんですよね。土着的な匂いをプンプンと発しています。それでいながらも、非常に自由で束縛されている感じがしないんですよね。それこそ力強い躍動感や、癒しと安らぎを感じさせるのが凄いといいますか。実際、彼の方こそ、感性の赴くままに彫刻刀を走らせて、どんどんんと作品を生み出していくタイプであると言えるのではないかと思いました。 そんな彼は、自らのルーツが「ねぶた祭り」にあると言います。言われてみると、彼の描く力強く太い輪郭線や、独特の色使いは、”ねぶた”にそっくりですよね。厳しい環境である東北において、唯一華やかで、日々の苦境から開放される瞬間というものは、そこに育つ者にとって掛け替えの無い存在であり、心に深く刻み込まれる世界であったのかもしれませんね。 その彼は、神や仏を幾度も作品に取上げています。とはいえ、特定の宗教に肩入れしているというのではありません。それこそ彼は、「女性こそが、神であり仏である」「全てを愛しみ、優しく包みこんでくれる母や妻のような母性が最も尊いもの」といった感じの独特の宗教観というか、個人的な解釈をもって作品に投影していたようです。その自由さが、今までにないエキゾチックな雰囲気を伴ったため、世界でも高く評価される事となったのかもしれませんね。 当の２人は、それぞれの存在をどのように感じていたのでしょうね。そもそも互いに意識していた存在なのかも判りませんが、私には非常に対照的な存在であるように感じました。 |
アート・美術館
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■ 豊田市美術館 常設展 第Ⅱ期 ■ 豊田市美術館 ■ 2011年6月11日[土] 〜 8月28日[日] フェルメール展を観に行った豊田市美術館で、同時開催されていた常設展の写真や感想等をUPしたいと思います。常設展は撮影が許可されていました。美術館系のネタが溜まっているので、今回の記事もサラっとした感じでいきたいと思います。 ● 位相No.13/1968年/関根伸夫 不思議なオブジェです。黄色の部分はくり貫かれています。一つの木の幹を手仕事によって削り出したりしてるのでしょうか？（それは定かではありませんが）もしもそうなら凄いですよね。 ● 赤ん坊の影No.122/1965年/高松次郎 アート雑誌やTVでも取り上げられる事の多い「赤ん坊の影」のシリーズの１作品が展示されていました。この方の作品は、東京や大阪で見た事がありますが、この作家の作品が豊田市美術館にあるなんて、今まで知りませんでした。不思議な安らぎと、時の揺らぎのような不安感のようなものが同居する世界を感じます。 （余談ですが、今回掲載している画像に対し、画像処理ソフトのレンズ補正機能を使ってみました。私の持っているコンデジは画像の端の歪みが結構強いのでPC上で補正を試みてみたのです。初めて使ってみましたが、それなりに真っ直ぐに見えますか？） ● フレームの内外で回転する正方形/1989年/ダニエル・ビュレン この美術館の屋外展示作品「色の浮遊−3つの破裂した小屋｣でも知られているダニュエル・ビュレンによる作品が展示されていました。 ● 窃視者（M・ピストレットとV・ピサーニ）/1962.72年/ミケランジェロ・ピストレット この作品は鏡をキャンバスとして、２人の人物を描いた作品です。そこに写りこむ対象によって、色々な見方が出来る作品となっています。それこそ、この２人は作品でありながら、写りこむモノ（者）に対する傍観者にも成り得るという代物です。トリックアートのようであり、見る者に対する風刺というか、挑発的な要素も含んでいそうな感じですね。ちなみに右側のヒゲの男性は、作者自身の姿なのだそうです。ちなみに、この作品を見たカップルが絵の中の２人とは反対の方に立ち、セルフポートレートを撮っている様子を見かけました。そうした楽しみ方もまた、アリな作品かもしれませんね。 ＊鏡に映り込んでいる他の作品が歪んで見えるのは、私のカメラのレンズのせいではありません。作品の鏡面が多少たわんでいるためです。 ＊会場では他にも数点の作品が展示されていました。 改めて記述しますが、この豊田市美術館の所蔵コレクションは、フラッシュ無し･三脚無しでの撮影が許可されています。ホント、凄くあり難い話です。無論、普通に作品を見れるだけでも楽しい行為ですが、そこに写真を撮るという能動的な行為が加わると、さらに楽しさが増すんですよね。それに自らの記憶の中における作品の存在感が増し、愛着が深くなるように思います。 しかしながら、こうした行為に許可を出している美術館はまだまだ少ないのが現実です。是非とも他の美術館でもこうした運営姿勢を取り入れていただきたいものですね。というか、可能であれば全ての特別展・企画展で撮影可能になると、もっと嬉しかったりしています。（＾＾； |
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■ 松井紫朗 - 亀がアキレスに言ったこと 新しい世界の測定法 ■ 豊田市美術館 ■ 2011年6月11日［土］〜8月28日［日］ フェrメール展を観に訪れた豊田市美術館で同時開催されていた特別展の感想を述べてみたいと思います。 ■ 概要 観るものの知覚や認識を揺さぶり、常に新鮮な空間概念を提示する作品で知られる美術家、松井紫朗（まつい・しろう、1960年、奈良県生まれ）。彼は、京都市立芸術大学在学中より作品の発表を開始し、その有機的でダイナミックな彫刻によって、早くから「関西ニューウェーヴ」の担い手の一人として注目されました。90年代には、シリコーン・ラバーという特殊な人工素材を用い、鮮やかな色彩の伸びやかでユーモラスな物体が建築空間へ拡張していく作品を発表。従来の彫刻のあり方を覆す独自の表現を探求しています。（公式HPより） ■ 感想 私は以前、この方の「チャンネル」という作品を、2010年に開催された「あいちトリエンナーレ」で見た事があります。送風機によって内側に空気が送り込まれる事で形状を保つ巨大なバルーンのような作品です。その作品は、一定時間ごとにイベントと称して、一定の人数の人が入れるようになっていました。 今回の個展においても、そのトリエンナーレの時と同じような、空気圧によって形状が保たれているバルーン状のオブジェが展開されていました。とはいえ、今回のものは内側に空気を送り込むのではありませんでした。展示室をある程度密閉化し、その空間の空気をバキュームのようなかたちで減圧する事で、内側に展開したバルーンを膨らませるというもののようでした。（しかし、高い減圧状態が保てないため、バルーンは沢山の紐で吊るしていたような気がします。・・・しかし、既に半年以上前の事なので、ちょっと記憶が曖昧です。） ちなみに今回の展示にあたっては、希望すれば全員が中に入れるのが良かったです。（残念ながら私はトリエンナーレの会場では中に入れなかったのです。） さて、バルーンの内側は横に長いうねった筒のような形で張り巡らされており、古い映画などに出て来るタイムトンネルのような雰囲気でした。（例えが古くてスミマセン。）また、ビニール素材が柔らかい事もあり、人が歩くだけでユラユラと揺れ動いたりするのが印象的でした。それこそ、サーカスとか、野外イベントなどで見かけたりする、エアートランポリンみたいな感じといったら良いでしょうか。（この作品では跳べませんけどね。） 最近の現代美術は、一般市民に対して親しみやすさを感じてもらおうと、ストレートな判り易さがあるものや、エンターテイメント性のある作品を展示する事も増えてますよね。この作品もそんな感じで、子供にウケが良さそうだなあと感じました。 でも、ソレが何ゆえに”アート”と呼べるものなのかは、私ではちょっとよく判らなかったり・・・。（異空間・非日常的な世界を其処に齎しているというのは判りますけど、ソレが美に通じるものなのかというと、ちょっとワカラナイ感じなわけです。）それこ、この方の作品は他にも数点出品されていたのですが、それらのモノの方がもっと理解し辛いものがあったり・・・。それこそ、こうしたインスタレーション的なオブジェも”彫刻”にカテゴライズされたりするようですが、そうなると”彫刻”とは何ぞや？という疑問も沸いてきてしまったわけで・・・。そんなわけで、私にとってはちょっとモヤモヤしたものが残る展覧会でした（＾＾； |
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■ シュテーデル美術館所蔵 フェルメール《地理学者》とオランダ・フランドル絵画展 ■ 豊田市美術館 ■ 2011年6月11日[土] 〜 8月28日[日] 昨年豊田市美術館で開催されたフェrメール展の感想を述べたいと思います。（昨年から美術展のネタが溜まっております・・・故に今回もサラッと感想のみ記述させていただきます。） ■ 概要 大航海時代、果敢に世界へと乗り出し、驚異的な勢いで国力を高めていたオランダ。繁栄を誇る市民層とともに、17世紀のオランダ・フランドル絵画は黄金時代をむかえます。歴史画や肖像画に加えて、日常生活を描いた風俗画や風景画が大きな展開をみせ、そして静物画が多大な人気を得たこの時代、フェルメール、レンブラントやフランス・ハルス、またはルーベンスやブリューゲル等の巨匠たちが個性を競いました。本展はシュテーデル美術館(ドイツ、フランクフルト市)の所蔵作品より、フェルメールの《地理学者》を含む名品95点を展観するものです。また同時代に製作された地球儀や天球儀、古地図等もあわせて特別展示します。（公式HPより） ■ 感想 まさか豊田市美術館でフェルメールの作品が展示される日が来るとは思ってもみませんでした。彼の作品は世界に人気が高いものの、３０数点しか現存しないと言われており、非常に貴重な作品である事でも有名です。そのような作品が来るというのが俄かに信じられず、嬉しいというよりも、”何で豊田市で？”と地元住民である私ですら驚いた程だったのです。 ひょっとすると世間一般からは、豊田市はトヨタ自動車の本拠地であるため、美術館などの財政も潤っているイメージがあるかもしれませんが、それはあくまで地方都市レベルの話だと思います。やはり関東・関西などの都市圏の美術館には遠く及ばないのが実態なのです。また、万が一愛知県に来るとしても、なぜアクセス性が高く集客が望める愛知県美術館や名古屋市美術館ではなく、この豊田市に来るのだろうと不思議に感じたわけです。 実は今回の企画展が成立したのは、豊田市制60周年記念事業としての一大イベントとして特別に取り組まれた結果であるとの事でした。ちなみに東京のBunkamura Museumとの共同企画で、TV局などの後援もあっての事だそうです。・・・ナルホドといった感じですね。それでも豊田市美術館としては、この機会を逃したら二度とこれだけの費用は掛けられないだろうというという程、気合が入ったものであったのでしょうね。 しかしながら、実際の企画展に足を運んでみると、まあこんなものかなァ・・・とった印象を感じたというのが本音でした。実は展示されたフェルメールの作品は、ポスターにも採用されている作品「地理学者」１点しかなかったからです。無論、同時代の他の作家も展示されていたわけですが、そらの数も決して多いわけではなく、ボリューム感が乏しい印象だったのです。しかも、この美術館は天井が高い割に照明の光量を必要以上に落とす傾向が強いんですよね。作品保護の目的であるというのはわかるのですが、作品が暗く見えるだけでなく、全体的に寂しい印象すら感じてしまいました。（ハコが小さいBunkamuraだと調度良いボリューム感だったとは思うんですけどね。） とはいえ、そのフェルメール作品だけは他の作品よりもきちんとライトが当てられており、それなりに明るい状況下で作品が見れるようになっていたのは意外でした。そのおかげで、彼の作品をじっくり見る事が出来たのは良かったと思います。 実は、私は過去においてフェルメールの７作品が東京に来た時に見た事があります。今回も、その時と同様の印象を抱きました。やはり彼の作品は、影の部分の丁寧な塗りに最大の特徴があるように感じました。 光と影を巧みに描き分けるとして評価されている作家は彼以外にも沢山いますが、たいていの作家は強いコントラストで中央の人物を浮き立たせ、印象付けるような手法を用いていると思います。しかし、フェルメールはそうしたコントラストに不自然な誇張感が殆ど無いというか、全体的なトーンのバランスがあくまでも自然なんですよね。塗りのタッチも滑らかで、筆の跡など皆無であるかのような丁寧な仕事をしています。その滑らかでニュートラルな仕事振りは写真や印刷物でも見ているかのよな均一感のあるクオリティを感じさせます。敢えて悪い言い方をすると、線や色使いにクセが無さ過ぎるため、一般的な作品に見受けられるような作家の個性が感じられない（それこそが彼の個性）といった感じがしました。（あくまで個人的な感想です。） 無論、その手法は物凄く高い技術があってこそ成せる技だという事も十分判るんですけどね。特に彼は影となる部分であっても、決して塗りをおざなりにせず、徹底した再現性を求めているんですよね。それこそ、光と影は表裏一体というか、光を忠実に再現するという事は、影となる部分を丁寧に描き出す事であると思い知らされる程です。 では、そうした技術面を抜きにして「地理学者」の絵を見て感動する面があるかというと・・・私にはちょっとピンと来るものがなかったかもしれません。ホント、地元でフェルメールを見れるというのは、実に贅沢な話だというのは判ってるんですけどね（＾＾； それにしても、こうしたフェルメールのような作品は、愛知県美術館や、名古屋市美術館のようなハコで見たかったような気がします。（豊田市美術館は照明の暗さを根本的に改めていただきたいです。）その代わりに先日まで県美で開催されていたジャクソン・ポロックの展覧会のような現代美術の大物の展覧会を、この美術館で開催してくれた方が、互いの展覧会の内容とハコの相性が良かったのではないか？と感じました。それこそ、ポロックのような抽象絵画は、豊田市美術館の所蔵コレクションとも相性が良さそうなんですけどねえ。 まあ、展覧会というものはそれぞれの美術館の力関係やタイミング、資金力、キュレーターの専門分野などの色々な条件が上手く組み合って始めて成り立つものであり、夫々が望んでもその通りにいかないものかもしれませんけどね（＾＾； |
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■ 写真家・東松照明 全仕事 ■ 名古屋市美術館 ■ 4月23日（土）〜6月12日（日） ■ TOMATSU SHOMEI : PHOTOGRAPHS ■ 東松照明 INTERFACE（公式HP） 昨年見てきた写真展の感想を述べたいと思います。 ■ 概要 現代日本を代表する写真家・東松照明（1930- ）は、写真というメディアが持つ記録性を活かしながら、その表現は、戦後の日本が抱える矛盾や問題を、鮮やかに“照射”し、提示してきました。「被爆」の精神的葛藤を追及し、写真家のライフ・ワークともなった<長崎>シリーズ（1961- ）。占領と独自性が屹立する沖縄の精神性を注視した「太陽の鉛筆」（1975）。現在も継続して撮影され続けているこれらの作品群は、われわれ日本人の精神の在り処までをもその深奥から浮かび上がらせて見せます。60年に及ぶ写真家・東松照明の表現の集大成を見せる本格的な回顧展です。（公式HPより） ■ 感想 私はこの方の写真を見て、「数枚の写真の雰囲気だけで、その写真家がどんな人なのか判断する事は難しい。仮に同じ撮影者であっても、撮る時期、撮る対象、その時の思い入れで写りこむものが随分と変わってしまうものである。一定の拘りとを持つ事は大切だが、それに凝り固まる必要もなく、気の向くまま自由に被写体に向き合うやり方もある。でもそれは、決して悪い事ではないのだな。」と感じました。 それは何故かというと、この方が意外なまでに何でもアリといった感じの方に感じたからです。それこそ、上記の概要に記述された内容を読むと、戦前・前後の日本を鋭い眼差しで切り取って来たジャーナリズム系のカメラマンであるような印象を覚える方が多いのではないかと思います。たしかに初期の写真には、そうした内容は多いのです。 しかし、この方はその範疇に納まらず、モノクロで撮影している頃から写真に手を加えるような実験的な作品を多く手掛けていたのです。それこそ、リアリティや、決定的な瞬間を捕らえる事を追求しているというより、コントラストや構図に手を加えてみたりコラージュのようなものもトライしており、アート的な捉え方もしていたようでした。また、カラーフィルムの普及や、機動性のあるカメラが普及してくる時代になると、そうした新しいモノにも臆する事なく手を伸ばし、そのまま移行してゆくような人であったようです。さらに後期の作品となると、デジタル機材も導入し、PCでの画像加工も積極的に行っているようでした。 そうした変化は、機材や技法だけの話ではなく、被写体の選び方にも共通しています。当初は下町に住むような人や、原爆の被害に遭われてしまった方々を撮っていたかと思いきや、グラフィティ系のアートを意識したようなものや、昭和エロスのようなものを撮っていたりもしたのです。また、時代が移行するにつれて、風景写真だけでなく、海外へ渡航した際に撮った外国人の写真を手掛けたり、トランジスタのような電子部品を用いたアート作品や、川原に落ちているゴミをアートチックに撮ったものまであり、本当に何でもアリな方といった感じだったのです。でもそれが別に悪いわけでもないと感じたのです。時代が移る事で価値観が変化し、興味の対象も変わってゆくのは寧ろ当然の事であり、変わってゆく事自体が作家の個性でもあると言えるのですから。 でも、氏の作品の中で共通している部分が無いわけではありませんでした。それは、この方は殆どの写真を、”アンダーで撮る人”であったという事です。私も一時期の写真は、必ずといっていいほどアンダーに振って撮っていた事があります。私の場合は、”白トビを押さえたかったり、全体のコントラストを強めたり、色のトーンを押さえ気味にしてシットリ感を出したい。”などの理由からでした。この方が同じような意図を持ってそうしていたのかは判りませんが、この人としての独特の色のトーンが其処に存在しているように感じました。 しかし、私とは全く異なる点がある事も強く感じました。それは”人”を多く撮っている事です。（私ごときの素人と比べるななんて言わないでくださいね（＾＾；）実のところ、私は人を全くといっていいほど撮っていません。というか、撮りたくても撮れないというのが本当のところです。というのも被写体となってくれるような家族やパートナーが居ないからです。 また、ストリートスナップは撮ってみたい気持ちがあるものの、肖像権やプライバシーの問題から無断で撮るような勇気も持ち合わせていません。無論、一言断って撮れば良いのでしょうが、安物のコンデジを使って何度も撮らせてもらうのは、ちょっと気がひけるといいますか・・・。でも、物凄く人を撮りたい気持ちはありますし、昔から撮ってみたい対象も存在しているので、そうした写真を撮る事に憧れる人の気持ちは凄く判るつもりです。 そうした意味でいうと、世間からプロとして一定の認知を受けた人は、被写体に対するアプローチが行い易かったりするのかもしれませんね。でも、それだけ被写体の方も構えてしまい、自然な写真ではなくなってしまう事もあるのかもしれません。というか、そうした心配などよそに、恐れる事なく積極的に被写体に向うような人でないとプロにはなれないのかもしれませんが・・・。 そういえば先日、日本を代表する写真家の一人である「木村伊兵衛」氏を扱った数年前のTVプログラムを見る機会がありました。その際、木村氏はサッとカメラを取り出し、被写体に気付かれないまま撮影し、そのままスッと立ち去る事が多かったと番組では述べていました。また、そうした木村氏の事を批評する者として「アラーキー」も登場していたのですが、彼の場合は積極的に被写体に声をかけ、その人物の懐にスッっと入っていくような撮り方をしているように見受けられました。一言でストリートで人物を撮るといっても、そのやり方は人によって千差万別。それこそ、技術云々だけでなく、撮影者の人柄によって、被写体との距離が変わってくる部分が沢山あるのかもしれませんね。 ちなみにこの東松氏の場合は、初期に撮っていた原爆被害者の一部の方々とは家族ぐるみのような親密な関係を築きながら撮影をしていたそうです。そのためか、それらの写真は非常に生々しい迫力が備わっており、私としては最も強く印象に残りました。ホント、写真は奥が深いですね。 |
